Critique : Hellscreen, Festival Vault ✭✭✭✭

Hellscreen

Festival des Vaults

4 mars 2015

4 Étoiles

Londres est une ville aux couches historiques et architecturales riches, et Vaults 2015 a de nouveau, ces trois dernières semaines, animé l'un des lieux les plus cachés pour le théâtre dans le centre-ville – le labyrinthe d'arches et de tunnels sous la gare de Waterloo. C'est un moment dramatique, une sorte de « Alice au pays de Gotham City », que de descendre un escalier anonyme pour se retrouver dans un tunnel victorien couvert de graffitis, avec des aspirants Banksy travaillant dur pour superposer l'œuvre de la veille ; avant de plonger dans ce qui semble être un trou dans le mur, mais qui s'avère être l'entrée d'un centre animé d'espaces de performance, d'exposition et d'hospitalité flexibles. Pour la représentation de Hellscreen, nous avons été guidés dans une voûte en brique en arc, avec la forme et la couleur d'un pain d'épices sombre, remplie d’un ensemble technique complexe qui m'a rappelé l'entrepôt désaffecté et sinistre du film The Ipcress File. Chacun de nous a reçu un tabouret de la part du chœur, déjà dans le personnage pour briser le quatrième mur, et nous nous sommes arrangés autour d'une scène traversante, encadrée par des rideaux de bandes en plexiglas. Au cours des quatre-vingts minutes suivantes, nous avons été entraînés dans une méditation brûlante sur la fonction sociale et les limites de l'art, les rôles bénéfiques et malveillants des mécènes et des critiques, et le potentiel de tous les publics pour un voyeurisme rampant et une acceptation passive de l'intolérable.

Hellscreen trouve son point de départ dans une nouvelle classique japonaise d'Akutagawa publiée dès 1918. Dans l'œuvre originale, un grand peintre est employé par son mécène pour créer un écran représentant la vision bouddhiste de l'enfer. Il découvre qu'il ne peut peindre ce qu'il n'a pas vécu dans la vie qu'en torturant ses apprentis de manière de plus en plus cruelle. Parallèlement à ce thème se dresse une compétition entre le mécène et le peintre pour les affections de la fille bien-aimée du peintre, avant que les deux intrigues ne convergent fatalement, laissant la fille morte dans un ultime acte de surenchère artistique, le peintre se donnant la mort, et seul reste l'écran achevé des horreurs.

Morgan Lloyd Malcolm et Rachel Parish transfèrent avec succès le noyau thématique et psychologique de l'histoire dans le cadre du monde de l'art moderne et l'exploration de son culte de l'excès. Frank Holt (Jonny Woo) est un artiste contemporain qui cherche à choquer mais semble avoir atteint ses limites et perdu son public. Il se raccroche à sa relation avec sa fille Amy (Vanessa Schofield), le seul élément de sa vie non touché par le cynisme. Cependant, il reprend le travail et connaît une nouvelle réussite après avoir rencontré la collectionneuse et mécène Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), qui l'encourage à franchir de nouvelles limites artistiques en rejouant devant un public une séquence d'atrocités d'horreur croissante. Ces incidents, exécutés avec flair improvisateur par un chœur d'acteurs, brisent le « quatrième mur » de façon décisive en nous impliquant dans l'exécution des crimes. Pendant ce temps, Bowker extirpe astucieusement Amy de ces événements pour l'empêcher d'imposer des contraintes à son père, et l’isole sur son île pour y poursuivre sa propre contemplation artistique. Finalement, Amy retourne vers son père, et chacun à son tour est inexorablement entraîné dans une immolation finale et profondément symbolique.

C'est en grande partie grâce à l'équipe de production, qui travaille sur cette adaptation depuis plusieurs années, qu'elle parvient à toucher tant de sujets importants et justement préoccupants. Certains d'entre eux concernent l'art lui-même : existe-t-il des limites à ce qui est considéré comme de l'art ? Le mécène est-il une figure noble et facilitatrice ou égoïste et manipulatrice ? Les artistes sacrifient-ils inévitablement leurs proches pour leur art ? La critique d'art reconnaît-elle désormais une quelconque valeur autre que le sensationnalisme ? Mais les questions les plus déconcertantes concernent la présentation de plus en plus esthétisée de la violence dans les médias et notre exposition à cette dernière. Cela a-t-il encouragé une passivité voyeuriste engourdissante qui sape notre capacité à réagir en tant que citoyens dans la vie réelle ? Quelle devrait être la réponse appropriée aux représentations de plus en plus étendues de la violence ? Avec des rappels manipulateurs quotidiens de l'Etat islamique que les frontières de l'horreur peuvent en réalité être repoussées encore plus loin, et une trace diffusée dans le monde entier en un rien de temps, ces questions ne pourraient être plus pertinentes.

Il n'est donc pas surprenant que ce soient les scènes basées sur les transcriptions judiciaires de crimes réels qui aient le plus touché le public, créant certains de ces moments de concentration totale et silencieuse où l'on sait que chacun est impliqué dans le moment et le cœur du sujet. Mais cela ne devrait en aucun cas détourner de la qualité du jeu d'acteur et des valeurs de production ailleurs. Woo est très efficace pour projeter une intensité dangereuse et imprévisible en tant qu'artiste troublé, et Schofield crée un centre calme de valeurs alternatives et de beauté, utilisant souvent le chant pour un effet émotionnel puissant. Mais peut-être que le jeu d'acteur le plus intrigant est venu de Llewellyn dont les motivations en tant que mécène artistique restent insaisissables derrière un éventail séduisant de charme et de générosité d'esprit qui vire aussi à la manipulation opportuniste et au désir de gloire par procuration. Autour et à l'intérieur de chaque courte scène est emballée une gamme inventive de musique, projection vidéo (sur les rideaux en plexiglas), effets sonores et interventions fluides et énergiques du chœur, l'un d'eux offrant également un caméo amusant et bien tourné en tant que critique d'art révélé comme un relativiste insipide sans convictions profondes.

Mon seul commentaire négatif sur ce spectacle excellent est qu'il offre trop de matières pour le temps disponible. En seulement quatre-vingts minutes, un choix doit être fait entre le développement des personnages dans un flux narratif et les dialogues sur des thèmes abstraits importants, et il n'y a pas vraiment suffisamment de temps pour rendre justice aux deux. On souhaiterait plus de temps pour que les questions soient débattues en détail, et pour que les relations entre les personnages, en particulier celles impliquant Amy, soient explorées plus en profondeur. Parfois, il manquait d'informations pour obtenir une image complète, et surtout vers la fin, la condensation de l'action et des événements est devenue déroutante. Une pièce d'idées réussie n'a pas besoin d'être aussi longue ou prolixe que Man and Superman actuellement joué au National, mais s'il y a une opportunité pour une autre production ailleurs, j'encouragerais à revoir le script. La qualité et l'importance des questions soulevées méritent pas moins, et le véhicule choisi est très approprié pour une version plus longue et développée.

Un arrangement traversant vous permet d'observer vos compagnons de public en détail et il témoigne de la qualité constamment stimulante de ce conte réimaginé que les bavardages cosmopolites insouciants du début ont cédé la place à la fin à une discussion animée mais sérieuse sur ce que nous avons vu, et surtout à une certaine gêne dans la face des vérités inconfortables entre-aperçues dans le miroir tendu à nous-mêmes. Nous étions perturbés, et à juste titre.