Рецензія: Hellscreen, фестиваль Vault ✭✭✭✭

Hellscreen

Vaults Festival

4 березня 2015

4 зірки

Лондон — місто історичних та архітектурних нашарувань, і фестиваль Vaults 2015 за останні три тижні вкотре майстерно оживив один із найцікавіших прихованих театральних майданчиків у центрі столиці — лабіринт арок та тунелів під вокзалом Ватерлоо. Спуск анонімними сходами у вкритий графіті вікторіанський тунель, де послідовники Бенксі завзято перекривають вчорашні шедеври новими роботами, — це вже саме по собі момент у стилі «Аліси в Готемі». Потім ви пірнаєте у щось, що нагадує просто діру в стіні, а насправді є входом до бурхливого хабу з гнучкими сценічними просторами, виставковими залами та зонами гостинності. На виставу Hellscreen нас запросили до цегляного склепіння, за формою та кольором схожого на буханець темного імбирного хліба, вщерть забитого технічною апаратурою, що нагадала мені зловісний покинутий склад із фільму «Досьє Іпкресс». Кожен із нас отримав по табурету від хору акторів, які вже були в образах, руйнуючи «четверту стіну», і ми розмістилися навколо сцени-подіуму, обмеженої з обох боків завісами з перспекс-панелей. Наступні вісімдесят хвилин нас затягувало в гостру медитацію про соціальну функцію та межі мистецтва, про зловісну й благородну роль меценатів і критиків, а також про схильність будь-якої аудиторії до прихованого вуаєризму та пасивного сприйняття неприпустимого.

Сюжет Hellscreen відштовхується від класичної новели Акутагави, опублікованої ще у 1918 році. В оригіналі великий художник отримує замовлення від свого покровителя — створити ширму із буддійським баченням Пекла. Він виявляє, що може зобразити лише те, що пережив на власному досвіді, і починає дедалі жорстокіше катувати своїх учнів. Паралельно розвивається лінія суперництва між меценатом та художником за прихильність коханої доньки останнього, доки обидві сюжетні лінії не сходяться у фатальному фіналі: донька гине в останньому акті художнього самодурства, митець накладає на себе руки, і залишається лише завершена ширма, сповнена жахіть.

Морган Ллойд Малкольм та Рейчел Періш дуже вдало перенесли основну тематичну та психологічну матрицю твору в реалії сучасного світу мистецтва з його культом надмірностей. Френк Холт (Джонні Ву) — сучасний художник, який прагне епатувати, але, здається, вичерпав свій потенціал і втратив інтерес публіки. Він шукає опору у стосунках із донькою Емі (Ванесса Шофілд) — єдиним світлим променем у його житті, не отруєним цинізмом. Однак він повертається до роботи й здобуває безпрецедентний успіх після знайомства з колекціонеркою та меценаткою Кетрін Боукер (Сюзетт Ллевелін). Та спонукає його переступити межі дозволеного, відтворюючи перед глядачами серію звірств, жах яких невпинно зростає. Ці сцени, розіграні з імпровізаційним блиском хором акторів, остаточно руйнують «четверту стіну», залучаючи нас до виконання злочинів. Тим часом Боукер хитрощами забирає Емі подалі від цих подій, щоб та не заважала батькові, і тримає її у своєму маєтку на острові, де втілює власні уявлення про мистецьке споглядання. Зрештою Емі повертається до батька, і обидва стають жертвами нещадного та глибоко символічного самоспалення.

Величезна заслуга постановочної групи, яка працювала над цією адаптацією кілька років, полягає в тому, що їм вдалося торкнутися стількох важливих і справді тривожних тем. Деякі стосуються самого мистецтва: чи існують ще межі того, що ним вважається? Хто такий меценат — благородна постать, що дає можливості, чи егоїстичний маніпулятор? Чи неминуче митці приносять у жертву мистецтву своїх близьких? Чи визнає сучасна арт-критика якісь цінності, крім сенсаційності? Але найбільш бентежні питання стосуються дедалі більшої естетизації насильства в медіа. Чи не призвело це до вуаєристичного заціпеніння та пасивності, що підриває нашу здатність діяти як громадяни в реальному житті? Якою має бути правильна реакція на все більш детальні зображення насильства? У часи, коли ІДІЛ щодня маніпулятивно нагадує, що межі жаху можна штовхати ще далі, а записи про це миттєво розлітаються світом, ці питання звучать надзвичайно актуально.

Тож не дивно, що саме сцени, засновані на протоколах реальних судових засідань, вразили глядачів найсильніше, створюючи ті моменти цілковитої тиші та концентрації, коли відчуваєш, що кожен присутній перейнявся самою суттю проблеми. Проте це жодним чином не применшує якості акторської гри та режисури. Ву дуже переконливий у передачі небезпечної, непередбачуваної інтенсивності збентеженого митця, а Шофілд створює острівець альтернативних цінностей та краси, часто використовуючи спів для потужного емоційного ефекту. Та, мабуть, найцікавішою була гра Ллевелін, чиї мотиви як меценатки залишаються невловимими за чарівною маскою щедрості та привабливості, що межує з маніпуляціями та жагою до чужої слави. Кожна коротка сцена доповнена оригінальною музикою, відеопроекціями на перспекс-завіси, звуковими ефектами та енергійними втручаннями хору. Один з учасників хору також блискуче виконав кумедну роль арт-критика — порожнього релятивіста без жодних внутрішніх переконань.

Єдине зауваження до цього чудового шоу — воно пропонує забагато матеріалу для відведеного часу. Протягом лише вісімдесяти хвилин доводиться обирати між розвитком характерів у сюжеті та діалогами на важливі абстрактні теми, і часу на гідне розкриття обох напрямків не зовсім вистачає. Хотілося б більше часу на детальне обговорення піднятих питань, а стосункам між героями, особливо з Емі, — ще одного виміру. Іноді інформації бракувало для повної картини, а ближче до фіналу стрімке стиснення подій дещо заплутувало. Успішна інтелектуальна п’єса не обов’язково має бути такою ж довгою та багатослівною, як «Людина і надлюдина», що зараз іде в Національному театрі, але якби з’явилася можливість нової постановки, я б радив ще раз поглянути на сценарій. Якість і важливість порушених питань заслуговують на це, а обраний формат чудово підходить для довшої, розгорнутої версії.

Сцена-подіум дозволяє детально спостерігати за іншими глядачами. Свідченням того, наскільки ця переосмислена історія змушує думати, стало те, що безтурботні світські розмови на початку змінилися під кінець жвавою, але серйозною дискусією про побачене, а головне — певним ніяковінням перед обличчям незручної правди, яку ми побачили у дзеркалі, піднесеному до нас самих. Ми були вибиті з колії, і це абсолютно правильно.