Anmeldelse: Hellscreen, Vault Festival ✭✭✭✭

Hellscreen

Vaults Festival

4. mars 2015

4 stjerner

London er en by av historiske og arkitektoniske lag, og de siste tre ukene har Vaults 2015 igjen tatt i bruk en av de best skjulte teaterscenene i sentrum – labyrinten av murer og tunneler under Waterloo Station. Det er et dramatisk «Alice-i-Gotham-City»-øyeblikk i seg selv når du stiger ned en anonym trapp og befinner deg i en grafittidekket viktoriansk tunnel, der Banksy-kopier er i full sving med å male over gårsdagens verk; før du stuper inn i det som ser ut som et hull i veggen, men som faktisk er inngangen til et yrende knutepunkt for forestillinger, utstillinger og servering. Under forestillingen av Hellscreen ble vi ført inn i et hvelv av murstein, formet og farget som et mørkt ingefærbrød og fylt med teknisk utstyr som minnet meg om det dystre, nedlagte lagerhuset fra The Ipcress File. Vi fikk utdelt hver vår krakk fra ensemblet, som allerede var i karakter for å bryte den fjerde veggen, og plasserte oss rundt en langstrakt scene med gjennomsiktige pleksiglassgardiner i hver ende. I løpet av de neste åtti minuttene ble vi trukket inn i en intens refleksjon over kunstens sosiale funksjon og grenser, meséner og kritikeres ondsinnede og godartede roller, og publikums potensial for snikende voyeurisme og passiv aksept av det utålelige.

Hellscreen har sitt utgangspunkt i en klassisk japansk novelle av Akutagawa, utgitt så langt tilbake som i 1918. I originalen blir en stor maler ansatt av sin beskytter for å skape en skjermvegg som skildrer det buddhistiske bildet av helvete. Han oppdager at han kun kan male det han selv har opplevd, og begynner å torturere lærlingene sine stadig grovere. Ved siden av dette temaet står en konkurranse mellom beskytteren og maleren om malerens datter, før de to historiene flettes sammen i en fatal avslutning der datteren dør i en siste kunstnerisk overskridelse, maleren tar sitt eget liv, og bare den fullførte skjermveggen av redsler står igjen.

Morgan Lloyd Malcolm og Rachel Parish overfører historiens kjerne og psykologiske rammeverk på en vellykket måte til den moderne kunstverdenen og dens fascinasjon for det ekstreme. Frank Holt (Jonny Woo) er en samtidskunstner som søker å sjokkere, men som ser ut til å ha nådd sine grenser og mistet publikums interesse. Han tyr til forholdet til datteren Amy (Vanessa Schofield), det eneste elementet i livet hans som ikke er berørt av kynisme. Han vender imidlertid tilbake til arbeidet og oppnår enestående suksess etter å ha møtt samleren og mesénen Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), som oppmuntrer ham til å krysse nye grenser ved å iscenesette en serie grusomheter foran et publikum. Disse hendelsene, utført med improvisasjonsmessig teft av et ensemble, bryter den fjerde veggen fullstendig ved å involvere oss i utførelsen av handlingene. Samtidig skiller Bowker listig Amy fra faren for å hindre henne i å legge bånd på ham, og isolerer henne på sitt landsted. Til slutt vender Amy tilbake til faren, og en etter en blir begge trukket inn i en endelig og dypt symbolsk oppofrelse.

Det skal produksjonsteamet ha stor ære for – etter å ha jobbet med denne adaptasjonen i flere år, har de lykkes med å berøre mange viktige og urovekkende temaer. Noen av disse handler om kunsten selv: finnes det fortsatt grenser for hva som regnes som kunst? Er mesénen en edel skikkelse eller en egoistisk manipulator? Ofret kunstnere uunngåelig sine nærmeste for kunsten? Anerkjenner kunstkritikk i dag andre verdier enn sensasjonalisme? Men de mest ubehagelige spørsmålene dreier seg om den stadig mer estetiserte fremstillingen av vold i media. Har dette ført til en voyeuristisk og følelsesløs passivitet som svekker vår evne til å reagere som samfunnsborgere i det virkelige liv? Hva er den rette responsen på stadig mer detaljerte skildringer av vold? Med daglige påminnelser fra terrororganisasjoner om at grensene for grufullhet stadig kan flyttes, og med materialet spredt over hele verden på et øyeblikk, kunne disse spørsmålene knapt vært mer aktuelle.

Det var derfor ingen overraskelse at scenene basert på virkelige rettsutskrifter traff publikum hardest, og skapte de øyeblikkene av total stillhet der man vet at alle er fullstendig til stede i sakens kjerne. Men dette skal ikke overskygge kvaliteten på skuespillet og produksjonen ellers. Woo er svært effektiv i sin formidling av en farlig og uforutsigbar intensitet som den plagede kunstneren, mens Schofield skaper et trygt midtpunkt av alternative verdier og skjønnhet, ofte gjennom sang med kraftfull emosjonell effekt. Men kanskje mest fascinerende var Llewellyn, hvis motivasjoner som mesén forblir gåtefulle bak en sjarmerende fasade av raushet som glir over i opportunistisk manipulasjon. Rundt hver scene er det vevd inn musikk, videoprojeksjoner og energiske bidrag fra ensemblet, der en av dem også leverer en morsom birolle som en kunstkritiker som viser seg å være en innholdsløs relativist uten egne overbevisninger.

Min eneste negative merknad til denne utmerkede forestillingen er at den byr på litt for mye materiale for den tilgjengelige tiden. På bare åtti minutter må man velge mellom karakterutvikling og dialoger om tunge, abstrakte temaer, og det er ikke helt tid nok til å gjøre begge deler rettferdighet. Jeg skulle ønske det var mer tid til å debattere problemstillingene i dybden, og til å gi relasjonene mellom karakterene, spesielt de som involverer Amy, en ekstra dimensjon. Noen ganger var informasjonen litt knapp for å få hele bildet, og særlig mot slutten ble handlingen noe forhastet og forvirrende. Et vellykket idédrama trenger ikke å være like langdrygt som Man and Superman som spilles på National Theatre nå, men hvis det byr seg en sjanse for en ny produksjon, vil jeg oppfordre til å se på manuset en gang til. Spørsmålene som reises er så viktige og gode at de fortjener en lengre og mer utviklet versjon.

Sceneløsningen lar deg observere medpublikummere i detalj, og det er et bevis på kvaliteten ved denne gjenfortellingen at den bekymringsløse praten ved start ble erstattet av en opphetet, men alvorlig diskusjon om det vi hadde vært vitne til – og framfor alt en viss ubehagelig stemning i møte med sannhetene vi så i speilet teateret holdt opp for oss. Vi ble rystet, og det med rette.