CRITIQUE : Je vais tellement prier pour toi, Atlantic Theatre Company ✭✭✭✭

Photo : Ahron R Foster Je vais prier pour toi si fort

Atlantic Theatre Company

11 janvier 2015

4 étoiles

Pour le dire gentiment, ils forment un duo père-fille inhabituel. Il est un écrivain récompensé par un Tony Award et nominé aux Oscars, en colère contre presque tous les aspects de sa vie. Elle est sa fille, une actrice, actuellement en vedette à Broadway dans une reprise de La Mouette et en attente des critiques de la première. Il est vitriolique, acide et vil envers tout ce qui est lié au théâtre - les metteurs en scène, les critiques, les autres acteurs. Il déverse des invectives venimeuses et profanes qui pourraient être l'œuvre de l'enfant d'Oscar Wilde et du personnage possédé de Linda Blair dans L’Exorciste.

Que le père soit capable de violence sérieuse ne fait aucun doute. Il évacue sa colère de différentes manières - des regards longs et sinistres qui rivaliseraient avec ceux de Méduse, frappant le cendrier robuste contre l'intérieur de la poubelle pour évacuer la tension, de grandes gorgées de vin blanc dans des verres dans lesquels des glaçons sont déposés comme des bombes atomiques, de profondes inhalations d'herbe ou des sniffets turbulents de cocaïne. Il excelle dans l'excès, en langage, action et calcul manipulateur.

La fille est un désastre ; un enchevêtrement d'espoir, de désespoir et de potentiel, le résultat inévitable de décennies d'être traitée comme la Princesse qui doit réussir et une feuille de chou écrasée - Eliza, frappée et piégée, face au Higgins malveillant et perturbé de son père. Le résultat ultime de l'obsession déterminée d'un puissant et vaniteux M. Worthington.

Lorsque les critiques arrivent pour sa performance dans La Mouette, le père et la fille sont à jamais transformés. Comment cela se déroule constitue la trame de fond de la nouvelle pièce de Halley Feiffer, Je vais prier pour toi si fort, maintenant en avant-premières avant sa première mondiale, off-Broadway, à l'Atlantic Theatre Company dirigée par Trip Cullman.

Bien qu'il y ait beaucoup de rires sincères, souvent aux dépens des critiques de théâtre (un sujet qui continue de donner), il ne s'agit pas d'une comédie. C'est un théâtre aussi sombre que de l'encre de seiche, intense et inconfortable. En surface, il semble parler de théâtre, d'écriture dramatique, d'interprétation, et des douleurs et des joies qu'ils peuvent procurer. Il est alors facile de penser que Feiffer est une parente théâtrale de Harvey Fierstein ou Terrence McNally - mais elle n'est rien de tel.

Non. Feiffer est une nouvelle voix, heureuse de jouer sur les extrémités de la forme et de la convention. La première scène semble suffisamment conventionnelle : l'intérieur d'une maison, un banc de cuisine, tout est rendu de manière réaliste, avec du papier peint et des affiches encadrées des anciens triomphes du père. Le décor de Mark Wendland est parfaitement adapté, évoquant un sentiment d'Arthur Miller et Edward Albee.

La deuxième scène est, cependant, quelque chose de très différent. À la fois un espace réel, un théâtre boîte noire, et, peut-être, l'intérieur de l'esprit fragmenté de la fille. L'ambiguïté de ce que vous regardez est contrastée avec le dénouement viscéral de l'esprit de l'actrice/écrivaine. Sommes-nous en train de voir sa pièce jouée ? Ou assistons-nous aux conséquences triomphales de la première de sa pièce ? Quoi qu'il en soit, et de manière assez curieuse, cela n'a pas d'importance. L'écriture de Feiffer dans cette scène est remarquable - confrontante et dévastatrice.

Peut-être plus que tout, Je vais prier pour toi si fort, est la preuve théâtrale ultime de la sagesse de Sondheim dans la chanson Children Will Listen d'Into The Woods.

Le père apprend de son rejet par son père immigrant et de l'encouragement de son mentor théâtral adoptif. Son enfance brutale ne le quitte jamais, informe son écriture primée et la manière dont il cherche à contrôler sa fille.

Pour sa part, la fille connaît toute l'histoire de son père (elle a été éduquée à ce sujet pendant toute sa vie) et est désespérée de lui plaire, de lui offrir quelque chose de familial dont il pourrait être fier. Mais, dans sa course désespérée - et finalement vaine - pour plaire, apaiser et calmer son parent, elle s'engage dans sa propre autodestruction. C'est dévastateur à voir.

Dans la première scène, Betty Gilpin est peu impressionnante en tant que fille, Ella. Il y a une invraisemblance hystérique dans sa performance, ce qui est décevant - et inexplicable, étant donné que son travail dans la deuxième scène est intensément concentré et à la fois excitant et effrayant à parts égales. Il y a une bonne raison à son travail dans la deuxième scène - le projecteur se déplace fermement de son père à elle, et Gilpin saisit chaque opportunité offerte dans les circonstances.

Mais la première scène exige tout autant de compétence, surtout s'il doit y avoir une ligne narrative véridique pour le personnage. Le jeu de Gilpin implique trop de larmes et de sanglots - le personnage d'acier de la deuxième scène doit être entrevu plus soigneusement dans la première, sinon la puissance de l'œuvre est diminuée. Il est difficile de croire qu'une victime de violence domestique, telle que celle créée par Gilpin dans la première scène, aurait enduré autant que le personnage d'Ella ou, si elle l'avait fait, qu'elle aurait pris le pas courageux qu'Ella finit par prendre.

La première scène offre à l'actrice une chance de choisir les fondations pour ce qui vient dans la deuxième scène. À l'heure actuelle, ces choix ne sont pas les plus judicieux et Gilpin n'a pas la sympathie du public à la fin de la première scène. Pourtant, Gilpin est tout à fait sensationnelle dans la deuxième scène et démontre une assurance et une clarté de concentration qui fait briller son Ella comme du champagne mêlé de cyanure.

Mais la pièce appartient à Reed Birney, qui est magnifique en tant que père épouvantable et vicieux d'Ella, David. C'est un rôle immense, aussi grand que n'importe lequel des grands personnages paternels chez Williams, O'Neill ou Albee. Birney saisit chaque instant offert par le texte de Feiffer, et avec aplomb et énergie, extirpe une fureur amère et une rage incandescente de chaque phrase. Il présente un portrait détaillé de la violence domestique du type qui ne résulte pas en coups physiques ou ecchymoses.

Il crache et grogne à sa fille, la rabaisse et l'encourage tour à tour. Il rit avec elle puis d'elle, la pousse au bord de la rupture mentale, puis lui tend la main pour la sortir du gouffre de noirceur qu'il a créé. Ses yeux sont constamment en éveil, scrutateurs, roulants ou plissés selon les besoins du moment. Birney utilise son corps de manière remarquable aussi - montrant un homme dépassé par les événements et englouti par l'indulgence.

Il maîtrise aussi sa voix. Il peut laisser tomber des lignes comiques avec grand effet et, sur un coup de tête, peut transformer un ton doux en un torrent furieux de venin impitoyable. Sans difficulté, Birney rend claires la douleur et la misère qui l'ont défini et le besoin de briller par le succès qui l'a soutenu, brûlé.

Il exprime aussi parfaitement l'absurdité absolue de David. Il rejette le rôle de sa fille, Masha dans La Mouette, comme si ce n'était rien, affirmant qu'elle aurait dû être l'ingénue, Nina, le rôle "star". Masha, bien sûr, est un grand rôle dans la pièce de Tchekov et de nombreuses grandes actrices l'ont interprété. Et Masha est aimée par la personne qu'elle n'aime pas et rejetée par celle qu'elle aime : compte tenu de ce qui se passe dans la pièce de Feiffer, ce n'est pas une coïncidence.

Mais s'il y a tant à admirer dans l'homme horriblement taureau incarné par Birney si clairement dans la première scène, c'est son apparition dans la deuxième scène qui démontre sa polyvalence et son éventail d'acteur. 5 ans ont passé et ces années n'ont pas été tendres avec David. Birney est superbe dans cette confrontation finale et fragile avec sa fille.

La chose la plus étonnante de toutes, cependant, est ce que Birney réalise à la fin de la première scène. Malgré l'essai superbe d'un homme monstrueux, haineux et sans cœur, qui peut abandonner n'importe qui et n'importe quoi sur un coup de tête, sur une fausse note de légèreté supposée, Birney dénoue David dans les derniers moments solitaires, révélant le cœur brut de cette créature perdue, solitaire et impossible à aimer. Cela aurait dû être impossible, étant donné les atrocités qu'il a déchaînées sur Ella pendant la séquence précédente, de ressentir de la sympathie pour David.

Et pourtant, miraculeusement, Birney fait cela. C'est une performance aussi triomphante et exaltante que n'importe quelle que j'ai jamais vue sur scène dans le monde entier.

La mise en scène de Trip Cullman est perspicace et claire. L'intimité que le petit espace du théâtre Black Box de l'Atlantic Theatre Company contribue grandement à la sensation d'horreur palpable qui engloutit le public au fur et à mesure que le récit se déroule. La violence physique et l'intimité sont à la fois troublantes et effrayantes, mais c'est un témoignage du bon instinct de Cullman que la plupart du public ait été surpris dans un silence consterné plutôt que de rire face à des scénarios irréalistes.

C'est une excellente nouvelle pièce qui mérite un succès mondial. Peu de dramaturges ont tourné leur attention vers les types de relations père/fille qui sont corrosives et codépendantes. Feiffer a créé quelque chose de nouveau, stimulant et vibrant - exactement le genre de pièce que David exhorte Ella à écrire dans Je vais prier pour toi si fort.

Quant à ce titre...eh bien, il vous faudra voir par vous-même.

Je vais prier pour toi si fort se joue à l'Atlantic Theatre Company jusqu'au 15 février 2015.