CRITIQUE : Mothers and Sons, Golden Theatre ✭✭✭

Bobby Steggert, Frederick Weller, Grayson Taylor, et Tyne Daly. Photo : Joan Marcus Mères et fils

Théâtre Golden

20 avril 2014

3 Étoiles

On admire toujours une expérience théâtrale qui peut être à la fois divertissante et instructive ; une qui peut mettre en lumière un aspect particulier de l'interaction humaine et le faire briller avec une persistance qui capte l'attention. Cela peut être réalisé de plusieurs façons - un grand jeu d'acteurs, une grande mise en scène, une grande écriture, voire de la chance.

Actuellement à l'affiche au Théâtre Golden de Broadway, Mères et fils de Terrence McNally (officiellement, il n'y a pas de majuscules dans le titre et la conjonction de coordination est en italique - des suppositions sur les raisons sont les bienvenues) est une production qui utilise un phare dans une vision rétroactive (principalement) de l'amour, de la vie et de la mort à l'époque du début paniqué et fatal du sida.

Katherine était la mère d'Andre qui a aimé et vécu avec Cal pendant 6 ans jusqu'à la mort lente et douloureuse d'Andre du sida. Katherine n'a jamais rencontré Cal jusqu'à la cérémonie commémorative pour Andre, et elle ne lui a pas parlé à ce moment-là. Après 8 ans de solitude/angoisse, Cal a rencontré Will, de quinze ans son cadet, et ils se sont aimés, se sont mariés et ont finalement eu un enfant, Bud, qui a maintenant six ans.

Sortie de nulle part, Katherine arrive de manière inattendue dans l'appartement de Cal et Will, du côté du parc Central. Elle est récemment veuve et en route pour l'Europe et souhaite rendre à Cal le journal d'Andre, un livre qu'elle n'a pas lu et que Cal, qui ne l'a pas lu non plus, lui a envoyé après la mort d'Andre.

La pièce commence avec Katherine et Cal regardant silencieusement, elle sévèrement et lui bêtement, vers le parc Central (le public). C'est une image d'ouverture saisissante qui prépare la scène pour le voir-sans-regarder qui suivra comme une cascade.

Bien qu'ils aient en fait plus en commun que la plupart des duos, étant donné qu'ils ont tous deux vécu pour et aimé Andre de manière inconditionnelle, tous deux s'efforcent de ne pas reconnaître la position de l'autre. Et le cours que prend la pièce consiste à examiner ces positions de manière brutale et intraitable, ponctuée de moments d'humour acerbe ou naïf.

Le problème, c'est qu'il y a bien plus à cette situation et à la psychologie sous-jacente de ces personnages que ce que suggèrent parfois leurs débats banals. Une grande partie de la douleur et de la complexité de ces deux personnages reste inexplorée dans l'écriture.

En partie, cela semble être parce que McNally écrit une sorte d'Ode à ceux qui ont été perdus et à la souffrance de ceux qui ont survécu à cette époque terrible des années 1980 et 1990. S'il y a un doute, il est supprimé lorsque Will déclare franchement l'une de ses craintes en parlant à Katherine de cette période, une époque qu'il n'a pas traversée :

“D'abord ce sera un chapitre dans un livre d'histoire, puis un paragraphe, puis une note de bas de page. ... Ça a déjà commencé. Je peux le sentir arriver. Tous les bords bruts de la douleur émoussent, s'atrophient, s'épuisent.”

Le résultat est une série de vignettes, des bribes de la bataille entre Katherine et Cal pour savoir qui a le plus blessé Andre ou qui ne l'a pas assez aimé, juxtaposées à la haine de Will pour le fantôme omniprésent d'Andre et à son désir essentiellement maternel d'apaiser les eaux troubles. Et contre tout cela, il y a la douceur, l'ouverture, la naïveté non-jugeante du petit Bud de six ans qui aime simplement parce que tout ce qu'il connaît, c'est l'amour inconditionnel et total.

Ce n'est pas un hasard si McNally a fixé l'âge de Bud à six ans. Bud a vécu aussi longtemps que Cal et Andre étaient ensemble. Pour Katherine, il devient l'incarnation vivante de leur amour, même s'il n'est pas l'enfant d'Andre. Contre elle-même, elle veut que Bud ait une part d'Andre en lui. L'image finale, figée et déchirante, d'une douleur intenable - les lumières s'éteignent et Katherine, désolée et désespérée, regarde le bienheureux Bud et ses parents aimants, qui sont embrassés sur le canapé, regardant dans le parc qui s'assombrit, tandis que le morceau préféré de Mozart d'Andre joue - voit Katherine réaliser que ses choix, ses décisions, ses mots l'ont menée à un endroit où elle ne fera jamais partie d'aucune famille.

Mais malgré de nombreux moments de réelle angoisse et d'engagement émotionnel véritable, la pièce ne prend jamais vraiment forme comme une pièce de théâtre. L'écriture ne permet pas aux personnages d'être des êtres humains pleinement réalisés et l'interprétation ne peut compenser cela, malgré qu'elle soit, dans la plupart des cas, de premier ordre.

En se posant un instant, l'utilisation du mot "mères" dans le titre mérite réflexion. Au début, cela semble étrange - car Katherine n'est mère que d'Andre. Avant longtemps, il devient clair que, qu'elle le veuille ou non, elle a aussi été une "mère" (même si ce n'est pas de manière maternelle) pour Cal et la possibilité se profile qu'elle pourrait être une "grand-mère" pour Bud. Au fur et à mesure que la pièce progresse, il s'avère qu'elle a eu un autre enfant, qu'elle a également abandonné en faisant un choix, bien qu'un choix nettement différent. Enfin, Will est aussi un "mère" pour Bud : il parle presque poétiquement du processus de naissance et de maternité, est celui qui fournit les soins primaires à Bud et travaille à domicile. Ainsi, de manière intéressante, McNally joue de manière provocatrice avec le concept de "mères".

Ce que cette pièce a besoin, c'est de plus de connectivité, plus d'explication, plus de compréhension des personnages, de leurs motivations, craintes, regrets et désirs. Il ne s'agit pas de tout expliquer; il y a plus de richesse inexplorée dans les histoires et les vies entremêlées de ces quatre personnes.

Par exemple, Will n'a qu'un court échange pour transmettre la profondeur de son antipathie envers la mémoire d'Andre. Ce n'est pas suffisant. C'est particulièrement vrai lorsqu'il s'agit de Will, qui finit par lire des passages du journal qui est la motivation de Katherine pour contacter Cal. Un autre exemple surgit lorsque Cal touche du doigt mais n'explore ni n'explique les circonstances dans lesquelles Andre a été infecté. Le public ne sait jamais si Cal a été trahi ou s'il a approuvé les escapades d'Andre. Dans les deux exemples, et il y en a bien d'autres, McNally laisse le sol inexploré, préférant immortaliser les progrès réalisés dans la reconnaissance des couples homosexuels dans la société plutôt que d'exposer le linge sale, les motivations et les caractéristiques cachées des personnages.

Restent inexplorées des questions telles que : pourquoi Katherine n'a-t-elle jamais contacté Andre après qu'il soit tombé malade ; pourquoi Cal n'a-t-il pas contacté Katherine lorsque Andre est tombé malade ; pourquoi ni Katherine ni Cal ne s'opposent à ce que Will lise le journal même si les deux le considéraient comme sacro-saint ; pourquoi Katherine ne peut-elle pas voir qu'Andre reflète sa propre vie dans le fait qu'il a fui l'endroit où il a grandi dès qu'il a pu.

C'est vraiment une occasion manquée, car les notions sous-jacentes et les possibilités offertes par les personnages pourraient constituer une soirée électrique au théâtre.

Ce qui améliore tout, simplement, c'est Tyne Daly.

Elle est incroyablement douée dans le rôle de la survivante unique de sa famille, cassante, vicieuse, arrogante et totalement incompréhensive. Elle est pleine de fureur à peine dissimulée mais aussi de douleur - profondément gravée, profondément ressentie et, selon elle, profondément imméritée. Elle ne voit jamais comment elle a contribué à son propre état lamentable et sa rancœur de plusieurs décennies envers Cal, simplement parce qu'il a aimé son fils, l'enveloppe comme un linceul. Avec une voix deux tiers Ethel Merman et un tiers Évangéliste, Daly domine la scène.

C'est dans les silences, les moments où elle est laissée seule sur scène, déconcertée, confuse, indignée, aliénée qu'elle brille vraiment. Avec une bouche ouverte et des yeux brillants de colère, elle communique l'horreur de la situation de Katherine avec une clarté aiguë et une spécificité presque démoniaque. Elle est merveilleuse.

Selon moi, les meilleures scènes de la pièce se déroulent lors de ses diverses confrontations avec Will, joué par Bobby Steggart. McNally donne peu de temps sur scène à Will et peu de choses à dire, il est plus réactif que proactif. Mais Steggart tire le meilleur parti de ce qu'il a, offrant un exemple parfait de comment faire "quelque chose à partir de rien". L'un des grands défauts ici est qu'il n'y a pas plus d'exploration du personnage de Will.

Dans le rôle de Bud, Grayson Taylor est charmant et vif, plein de chaleur, rayonnant d'acceptation. Petit, blond et affirmé, il relève les débats à chaque apparition.

Curieusement, la meilleure partie masculine écrite, celle avec des couches, des problèmes cachés et des coins aigus, est celle-ci, interprétée par l'acteur le moins talentueux. Frederick Weller, dont tout le corps et le visage semblent perpétuellement crispés (de la même manière que les cheveux de Felix dans The Odd Couple) n'arrive jamais à dénouer la complexité profonde qui est Cal. Il sort mal de chaque rencontre avec Daly et Steggart, et cela ne devrait pas être le cas.

Cal a été choisi par Andre. Le public, et Katherine, doivent voir pourquoi c'était le cas, mais il n'y a rien d'attrayant, d'invitant, d'attachant ou de séduisant dans la performance de Weller. Bien que Steggart vous fasse croire à l'union Cal/Will, rien de ce que fait Weller n'ajoute à cette conviction. Il n'y a aucun sens du détail de vies vécues ensemble pendant onze ans, aucune introspection, aucune considération pour les autres - en réalité aucun sens - du tout - d'une personne complexe avec un cœur aimant et palpitant et de vastes angoisses, peurs et dégoût non traités.

Weller manque occasion après occasion. Il semble ne pas remarquer l'attention aux détails avec laquelle Daly et Steggart vivifient leurs personnages. C'est profondément décevant.

Ce n'est pas une grande pièce. Mais c'est un théâtre important. Ses thèmes, sujets, harmonies sous-jacentes et résonances sont des sujets importants et valables qui devraient être débattus lors de soirées au théâtre accessibles et divertissantes. Comme celle-ci.

Le couple plus âgé à côté de moi était très inconfortable pendant la majeure partie de la représentation. À la fin, il lui a dit : "Qui savait qu'ils se souciaient des enfants ?" Elle a répondu : "Allons boire un verre. (Pause) Ce ne sont pas des chiens, vous savez." Je les ai regardés de travers alors qu'ils se défilaient.

Mais j'ai pensé que cette production les avait au moins éclairés d'une petite manière.

Et cela, et le souvenir permanent de ces années horribles où le sida a ravagé le monde, est plus qu'une justification suffisante pour le travail de McNally ici, aussi imparfait soit-il.

Mères et fils vaut la peine d'être vue, car elle suscitera des questions et des discussions ; non pas parce que c'est une grande pièce.