CRITIQUE : Sense Of An Ending, Théâtre 503 ✭✭✭✭

Un Sens de la Fin

Théâtre 503

15 mai 2015

4 Étoiles

Des stores vénitiens fournissent un rideau transparent devant un intérieur en bois avec quelques ampoules nues suspendues et deux portes en fond de scène intégrées dans une cloison en verre. Un fusil et une casquette sont posés sur l'une des trois chaises. Une nonne balance doucement un encensoir alors que nous prenons place. Les stores sont levés par un homme en uniforme qui s'avère être un gardien de prison, et nous nous retrouvons à Kigali, au Rwanda, pour le drame sans concession de Ken Urban qui se situe à la fin des années 1990 dans le sillage du génocide. Deux nonnes hutues, Sœur Justina (Lynette Clarke) et Sœur Alice (Akiya Henry), attendent d'être jugées pour complicité présumée dans un massacre qui a eu lieu dans leur propre église. Elles ont accepté de donner une seule interview à un journaliste américain, Charles (Ben Onwukwe), avant leur transfert en Belgique pour être jugées. Aux côtés des déclarations des nonnes, nous entendons les points de vue caustiques et sceptiques du garde de sécurité tutsi du journaliste, Paul (Abubakar Salim), et nous faisons l'expérience du témoignage saisissant du seul témoin survivant, Dusabi (Kevin Golding). Avec le journaliste, nous dans le public sommes amenés à réfléchir où peut se situer l'équilibre de la vérité et comment, s'il est possible, un «sens de la fin» peut être trouvé face à des actes d'une telle brutalité que leur ampleur est difficile à appréhender et imaginer. Comment un cadre dramatique peut-il plausiblement être trouvé pour des événements réels qui ont coûté, selon une estimation prudente, au moins 800 000 vies de Tutsis en seulement 100 jours?

C'est la première européenne d'une pièce qui a déjà remporté le prix de la Meilleure Nouvelle Pièce au Festival de Théâtre de Williamstown. À juste titre. L'auteur résiste judicieusement à la tentation de transformer cette pièce en un thriller criminel et, au lieu de se concentrer uniquement ou strictement sur la culpabilité ou l'innocence des nonnes, Urban nous invite à réfléchir à une gamme de grandes questions troublantes : le plus évidemment, la portée et l'échelle du génocide et l'étendue de la responsabilité morale de ceux qui y sont mêlés ; mais aussi le rôle et les responsabilités du journaliste dans l'enregistrement et l'investigation de ces horreurs, et la question de savoir si le pardon est possible ou significatif dans de telles circonstances. Peut-être surtout sommes-nous invités à réfléchir à la nature même de la vérité – tant savoir à qui croire et s'il peut réellement y avoir une vérité identifiable unique qui soit moralement non ambiguë, par opposition à différentes perceptions qui méritent toutes un certain degré de crédibilité et de respect. Ce sont là de grandes questions lourdes et importantes – en effet, il est difficile d'imaginer des questions plus significatives – mais Urban mérite les plus hauts éloges pour les présenter avec beaucoup d'humour et un dialogue naturaliste raffiné qui construit les personnages efficacement, et qui laisse les choses agréablement ouvertes. Nous avons suffisamment d'espace pour peser les implications de ce que nous entendons tout en savourant un drame efficace et émouvant, aux nombreux rebondissements captivants en cours de route.

Une grande partie de la pièce consiste en les interviews entre Charles et les nonnes elles-mêmes. Ben Onwukwe réussit très bien à représenter les insécurités personnelles de son personnage ainsi que ses incertitudes quant à sa meilleure conduite à suivre en tant que journaliste responsable. Nous apprenons qu'il a accepté cette mission comme un moyen de récupérer sa réputation après une entorse à l'éthique journalistique, et que son propre manque de courage lors d'une mission précédente a conduit à la mort d'un collègue. En raison de sa propre faille et de ses doutes, nous sommes prêts à l'accepter comme la conscience du public. Ses doutes et ses angoisses deviennent très efficacement les nôtres à la fin. En revanche, Sœur Justina commence par être le personnage le plus coriace - une religieuse aînée, avisée et déterminée à dire la vérité telle qu'elle la voit, tout en essayant d'utiliser l'occasion de cette interview comme une publicité gratuite pour aider leur cause au procès. Cependant, Lynette Clarke trace habilement son effondrement progressif de confiance à mesure que la pièce avance – ce qui commence par une autorité tranchante se révèle être une coquille fragile qui se fissure sous un questionnement externe et interne. En revanche, la sœur Alice apparemment plus vulnérable et influençable se révèle être beaucoup plus douée dans sa bataille d'esprit avec Charles. Akiya Henry montre son personnage gagnant en assurance et développant même une grande sensibilité médiatique dans les scènes finales, tout en conservant un air inquiétant d'hystérie refoulée dans son comportement et ses attitudes. En tant que Paul, le garde de sécurité tutsi, Abubakar Salim joue un rôle important dans l'équilibrage de la plausibilité du cas des nonnes avec une alternative qui remet en question. À côté de leurs déclarations, nous devons peser toutes les preuves de l'autre côté qui sont racontées par lui, accompagnées de quelques beaux moments de colère et d'humour macabre. Un autre rôle de soutien crucial est apporté par Kevin Golding : en tant que seul témoin et survivant de ce qui s'est réellement passé dans le massacre à l'église, c'est à travers son récit que nous vivons finalement les événements en flashback narratif. C'est ce moment qui force Charles – et nous, le public – à repenser notre sens des événements. Il serait facile pour l'auteur et l'acteur de surjouer cette scène mélodramatique, mais en conservant un sens de l'ambiguïté et de l'incertitude dans la confusion tendue des événements, l'effet est de le rendre plus convaincant comme témoin, et de nous emmener plus profondément au cœur des ténèbres. Sans ce voyage, l'acte de pardon qui survient près de la fin de la pièce serait à peine croyable.

Alors que cette belle pièce se dirigeait vers sa fin nuancée, je ne pouvais m'empêcher de faire une comparaison avec une œuvre antérieure qui plaçait des nonnes dans un contexte de choix impossible : l'opéra de Poulenc, Dialogues des Carmélites. Dans les années 1950, avec la France encore traumatisée par les compromis moraux de Vichy, il était plus facile d'imaginer leur embrassade d'une clarté d'intégrité morale et de détermination face à la brutalité de l'État. Mais la conclusion ici est que les faits ne parlent plus d'eux-mêmes et que ni les vérités ni les mensonges ne font sens en tant que catégories noires-et-blanches... comme le titre le suggère, il n'y a pas de «fins» définitives, seulement divers récits qui peuvent être des fictions plus ou moins importantes. Ce n'est pas un plaidoyer pour un relativisme – une action morale individuelle est toujours possible pour la cause du bien et du mal, mais il reste difficile de généraliser à partir des fragments calcinés que l'histoire contemporaine nous laisse à méditer. Un Sens de la Fin se joue jusqu'au 6 juin 2015 au Théâtre 503