CRITIQUE : Le Cœur Brisé, Théâtre Sam Wanamaker ✭✭

Tom Stuart (Prophilus) et Amy Morgan (Penthea) dans The Broken Heart. Photo : Marc Brenner The Broken Heart

Théâtre Sam Wanamaker

20 mars 2015

2 Étoiles

"J'ai aussi été frappé par l'obscurité de l'existence humaine qui entoure toute la pièce : le fait que les gens semblent prendre une décision puis se rétracter, changer d'avis, et ensuite tenter de comploter pour quelque chose qui n'aboutit jamais. J'ai immédiatement commencé à réfléchir : 'Comment aborde-t-on une telle histoire ? Essayez-vous de 'résoudre' ces 'problèmes', ou laissez-vous la pièce être ce qu'elle est ? Et bien sûr, il est bien plus intéressant de laisser la pièce être ce qu'elle est, car toutes ses contradictions, ses fausses pistes et ses impasses sont ce qui la rend si humaine...En préparation pour les répétitions, j'ai écrit toute la pièce à la main, ligne par ligne, en la traduisant dans mon propre anglais...plus nous travaillons, plus l'histoire se révèle à nous. Je n'ai jamais ressenti cela avec une nouvelle pièce à un tel degré...The Broken Heart est une pièce de penseur, une pièce qui vous demande d'accompagner les personnages dans un voyage de découverte de soi, d'examen de soi...En fin de compte, nous avons affaire à un feuilleton carolin. Chacun essaie d'obtenir le meilleur accord possible de tout le monde et les hommes règnent presque totalement sur les femmes."

Ces mots énigmatiques apparaissent dans le programme de The Broken Heart, une œuvre relativement inconnue de John Ford, écrite pour la première fois, probablement, en 1629 et jouée actuellement au Théâtre Sam Wanamaker, et sont attribués à la directrice de la production, Caroline Steinbeis. Sans rien d'autre, ces déclarations sont révélatrices - elles indiquent, avec une certaine précision, où cette production a spectaculairement déraillé.

La tâche d'un directeur est de présenter le texte d'une manière qui éclaire le propos de l'auteur. S'il y a des 'problèmes', le directeur doit trouver un moyen de les résoudre ou au moins de diminuer leur statut de 'problèmes'. Cela peut être réalisé de nombreuses façons ; la compétence du directeur est le seul concept limitant.

Considérer The Broken Heart comme un feuilleton est le fondement d'une méprise. L'auteur semblait suffisamment clair qu'il s'agissait d'une tragédie et le texte sonne certainement comme une tragédie. Les gens meurent horriblement à cause de leurs décisions ou de leurs réactions aux décisions des autres. La plupart des principaux personnages sont morts à la fin, et non pour une raison héroïque ou comique. Il y a une symphonie d'agonie interne.

C'est aussi une œuvre très fermement ancrée à son époque. Ford écrivait sur les normes et l'éthique de l'ancienne Sparte, une civilisation différente de l'époque à laquelle il vivait. Quel but pourrait servir la 'traduction' de la pièce en langage moderne, à moins que la proposition ne soit de monter la reprise en utilisant cet idiome ? Il vaudrait bien mieux, sûrement, comprendre le texte lui-même, pourquoi et quand il a été écrit, afin de pouvoir communiquer le sens à l'époque moderne ?

Le prisme de Steinbeis pour cette reprise, le feuilleton, est fondamentalement mal conçu. Elle omet de la production le prologue de Ford qui est assez clair sur le ton de l'œuvre :

"Notre scène est Sparte. Celui dont le meilleur art

a peint cette œuvre l'appelle THE BROKEN HEART.

Le titre ne laisse ici attendre

Aucun rire de singe, ni quelque raillerie bancale

Concernant lieu ou personne ; aucune prétendue clause

De plaisanteries propres à un bordel ne recherche les applaudissements

De l'admiration vulgaire : ces chants bas,

Accordés à des oreilles impures, ne conviennent pas à des langues modestes."

Malgré la volonté de Ford que le public n'attende pas de "rire de singe", Steinbeis assure que le texte est traité presque comme une aventure de Carry On Gang par le casting. Tout le monde joue pour faire rire. Une chose est que le rire vienne naturellement du texte, du personnage ou de l'incident ; c'en est une autre que de jouer pour faire rire parce qu'une autre manière de donner vie au texte est hors de portée.

Les conséquences de cette approche feuilleton Carry On sont fatales. Premièrement, le public s'attend à une comédie, alors lorsque l'Acte Deux se transforme en un véritable bain de sang, il y a une incompréhension naturelle. Deuxièmement, la dénaturation prématurée des personnages pour des rires bon marché signifie qu'ils n'ont aucun pouvoir dramatique authentique lorsque l'intrigue devient telle qu'un tel pouvoir est nécessaire. Troisièmement, des rôles complexes, comme celui de Bassanes, qui semble changer complètement de caractéristiques avant et après la mort de Penthea, n'ont aucune chance de faire sens de manière cohérente. Tout cela affecte fondamentalement la capacité du public à comprendre et à apprécier la pièce.

Steinbeis déclare que The Broken Heart est une "pièce pour penseurs". Peut-être. Mais peut-être plus de réflexion de la part de la directrice permettrait de rendre la pièce plus facilement compréhensible par le public. La pièce est située à Sparte pour une raison : elle examine la philosophie spartiate, privilégiant le calme et la bienséance extérieurs au bonheur intérieur, favorisant l'autodiscipline à l'expression personnelle. Les mariages arrangés ont des conséquences, tout comme le fait de traiter les femmes comme des biens. Ce sont les sujets qui préoccupent John Ford.

Penthea aime Orgilus mais son frère, Ithocles, la force à épouser Bassanes. Bassanes s'inquiète que Penthea ne soit pas fidèle et devient obsédé par la possibilité de son infidélité. Orgilus organise une rencontre avec Penthea dans un jardin et lui exprime son désir pour elle, mais elle n'en veut pas car elle se considère indigne de lui (ayant été mariée contre sa volonté à Bassanes). Penthea rencontre son frère et le supplie de la laisser mourir plutôt que de maintenir les apparences dans un mariage malheureux. Ithocles profite de l'occasion pour demander à Penthea de l'aider à courtiser Calantha, la fille du roi. Malgré le destin qu'Ithocles a imposé à Penthea, elle accepte. Mais Calantha est indignée que Penthea ose discuter de ces choses avec elle. Honteuse et désespérée, Penthea devient folle et se laisse mourir de faim.

On ne peut pas vraiment imaginer Kenneth Williams et Barbara Windsor s'agiter et rire avec ce scénario, n'est-ce pas ? Ou Phil Mitchell, Sharon et Ian Beale ? Non. La pièce est une tragédie et c'est une tragédie que Steinbeis ne l'ait pas mise en scène comme telle.

Le problème ne vient pas du casting. Chacun attaque la pièce avec verve et dans le style choisi par Steinbeis. Que l'attaque soit mal conçue n'est pas de leur faute.

Joe Jameson émerge du mélange comme le meilleur. Il joue Nearchus, le prince d'Argos, une figure de plaisir fruité lorsqu'il arrive pour la première fois, au milieu de l'Acte Un. Jameson est précis et direct, il rend son personnage entier, drôle quand cela ne distrait pas, et royal et approprié à d'autres égards.

Il y a aussi un travail remarquable de la part d'Adam Lawrence qui joue deux rôles : Phulas, serviteur de Bassanes, un vassal efféminé à la langue bien pendue ; et Amelus, le compagnon loyal et dangereux de Nearchus. Ces performances sont si différentes et réelles qu'il est difficile de croire que Lawrence joue les deux. Il est superbe.

Il y a un excellent travail de la part de Tom Stuart (Prophilus) et Luke Thompson (Ithocles). Les deux jouent le type héroïque audacieux, mais Stuart est le bon et Thompson le méchant, bien qu'Ithocles essaie de se racheter. Thompson est particulièrement bon dans sa scène de mort, où les circonstances sont un peu bizarres.

La mise en scène empêche toute autre performance d'atteindre de grands sommets ; les motivations sont trop confuses pour permettre des caractérisations complètes. Sarah MacRae fait un travail admirable en tant que Calantha mais la ruée vers les rires crée un mystère de sa scène clé avec Penthea concernant les intentions d'Ithocles, la force à livrer son dialogue avant sa mort à toute vitesse et la voit s'engager dans deux séquences de danse distinctes, mais également futiles, qui privent sa performance de sens.

En tant que Penthea, Amy Morgan est légèrement trop enjouée pour le cadre et elle ne se remet jamais vraiment du spectacle muet ridicule qui se produit avant que l'action de la pièce ne commence réellement. Encore une fois, la quête de rires entrave la compréhension de la situation dans laquelle elle se trouve et du lourd fardeau qu'elle ressent.

Chacun de Brian Ferguson (Orgilus), Thalissa Teixeira (Euphrania), Owen Teale (Bassanes) et Patrick Godfrey (Amyclus) fait de son mieux, mais les contradictions entre le texte et le traitement de la mise en scène posent des obstacles presque insurmontables à leur recherche de clarté et de complétude.

Aucun des acteurs n'est aidé par la musique d'ambiance épouvantable de Simon Slater ou la chorégraphie idiote d'Imogen Knight. L'ouverture de l'Acte Deux, une sorte de pause danse étrange de coucou, est une des choses les plus bizarres que j'ai jamais vues sur une scène classique. Il y a aussi un chant atroce et un soutien orchestral très médiocre du groupe de quatre dirigé par Adrian Woodward. Tout cet "embellissement" ne fait que grincer et est contrapuntique à toute illumination du texte.

Le designer Max Jones propose de bons costumes, bien que la cuirasse dorée (et les ailes) qui descendent, comme la robe de bal de Cendrillon, des cieux pour le couronnement (et la mort) de Calantha soit exagérée à la manière d'Alexander McQueen. Mais il offre une excellente chaise et la manière du suicide au goutte-à-goutte lent d'Orgilus est complètement horrifique (et parfaite).

Il était inévitable qu'il y ait finalement une déception sur la scène du Théâtre Sam Wanamaker. Après le succès de l'œuvre bien connue 'Tis Pity She's A Whore de Ford, il est surprenant - et triste - que The Broken Heart soit la production qui brise cette série positive. Mais c'est ainsi.

Ce n'était pas juste le cœur de Calantha qui était brisé à la fin de cet épisode de Carry On Caroline.

The Broken Heart

est à l'affiche du Sam Wanamaker Playhouse jusqu'au 18 avril 2015