RECENSIONE: Il Cuore Spezzato, Teatro Sam Wanamaker ✭✭

Tom Stuart (Prophilus) e Amy Morgan (Penthea) in The Broken Heart. Foto: Marc Brenner The Broken Heart

Sam Wanamaker Theatre

20 marzo 2015

2 stelle

"Sono rimasta colpita anche dall’opacità dell’esistenza umana che avvolge l’intero dramma: il fatto che le persone sembrino prendere una decisione e poi rimangiarsela, cambiare idea, e quindi provare a tramare verso qualcosa che non si concretizza mai. Ho iniziato subito a pensare: 'Come ci si avvicina a una storia così? Si prova a 'risolvere' questi 'problemi', oppure si lascia che il testo sia il testo?' E naturalmente è molto più interessante lasciare che il testo sia il testo, perché tutte le sue contraddizioni, le false piste e i vicoli ciechi sono ciò che lo rende così umano... In preparazione alle prove ho ricopiato l’intero dramma a mano, riga per riga, traducendolo nel mio inglese... più lavoriamo, più la storia si rivela a noi. Non mi era mai capitato, con un nuovo spettacolo, in modo così marcato... The Broken Heart è un testo per pensatori, un testo che ti chiede di accompagnare i personaggi in un viaggio di auto-scoperta, auto-esame... In definitiva abbiamo a che fare con una soap opera caroliniana. Tutti cercano di ottenere il miglior vantaggio possibile gli uni dagli altri e gli uomini dominano sulle donne quasi in modo assoluto."

Queste parole, a dir poco sconcertanti, compaiono nel programma di sala di The Broken Heart, un’opera relativamente poco conosciuta di John Ford, scritta con ogni probabilità nel 1629 e ora in scena al Sam Wanamaker Theatre, e sono attribuite alla regista dell’allestimento, Caroline Steinbeis. Senza bisogno d’altro, queste affermazioni sono rivelatrici: indicano con una certa precisione dove questa produzione è uscita clamorosamente dai binari.

Il compito di un regista è presentare il testo in un modo che illumini l’intento dell’autore. Se ci sono dei "problemi", il regista deve trovare un modo per risolverli o quantomeno ridurne la percezione come tali. Questo può avvenire in molti modi; l’unico vero limite è l’abilità del regista.

Considerare The Broken Heart come una soap opera significa fraintenderlo alle fondamenta. L’autore pare abbastanza chiaro nel dire che si tratta di una tragedia, e il testo suona certamente come una tragedia. Le persone muoiono in modo orribile a causa delle loro decisioni o delle loro reazioni alle decisioni altrui. Gran parte del cast principale è morta al finale, e non per ragioni eroiche o comiche. C’è una sinfonia di agonia interiore.

È anche un testo saldamente figlio del suo tempo. Ford scriveva degli standard e dell’etica dell’antica Sparta, una civiltà diversa dall’epoca in cui viveva. Che senso avrebbe "tradurre" il dramma in un linguaggio moderno, a meno che l’idea non fosse quella di mettere in scena la ripresa proprio in quell’idioma? Molto meglio, verrebbe da dire, comprendere il testo com’è, perché e quando è stato scritto, per poter comunicare il suo significato oggi.

Il filtro scelto da Steinbeis per questa ripresa — la soap opera — è un’idea sbagliata alla radice. Elimina dallo spettacolo il prologo di Ford, che è abbastanza esplicito sul tono del pezzo:

"La scena è Sparta. Colui che con la migliore arte

ha tratto questo lavoro lo chiama THE BROKEN HEART.

Il titolo qui non alimenti alcuna aspettativa

Di risate scimmiesche, o di qualche storta canzonatura

Di luoghi o persone; nessuna finta clausola

Di motti da bordello in cerca d’applausi

Dalla rozza ammirazione: simili canti bassi,

Accordati a orecchie impure, non si addicono a lingue modeste."

Nonostante Ford voglia che il pubblico non si aspetti "risate scimmiesche", Steinbeis fa sì che il testo venga trattato dal cast quasi come una commedia alla Carry On. Tutti puntano alla risata. Un conto è che il comico emerga naturalmente dal testo, dal personaggio o dalla situazione; un altro è recitare per strappare risate perché un altro modo di far vivere il testo ti sfugge di mano.

Le conseguenze di questo approccio da Carry On/soap opera sono letali. Primo: il pubblico si aspetta una commedia, quindi quando il secondo atto diventa un serio bagno di sangue, la reazione naturale è l’incomprensione. Secondo: la precoce deformazione dei personaggi per ottenere risate a buon mercato fa sì che non abbiano alcuna autentica forza drammatica quando la trama svolta in punti dove quella forza sarebbe necessaria. Terzo: ruoli complessi, come Bassanes, che sembra cambiare completamente caratteristiche prima e dopo la morte di Penthea, non hanno alcuna possibilità di risultare coerenti. Tutto questo incide radicalmente sulla capacità del pubblico di comprendere e apprezzare il dramma.

Steinbeis dichiara che The Broken Heart è un "testo per pensatori". Forse. Ma forse un po’ più di riflessione da parte della regista renderebbe il dramma più comprensibile al pubblico. L’ambientazione a Sparta non è casuale: mette a fuoco la filosofia spartana, che privilegia la calma e il decoro esteriori rispetto alla felicità interiore, l’autocontrollo rispetto all’auto-espressione. I matrimoni combinati hanno conseguenze, così come trattare le donne come proprietà. È di questo che si occupa John Ford.

Penthea ama Orgilus ma suo fratello, Ithocles, la costringe a sposare Bassanes. Bassanes teme che Penthea non gli sia fedele e diventa ossessionato dalla possibilità di un suo tradimento. Orgilus organizza un incontro con Penthea in un giardino e insiste sul suo desiderio per lei, ma lei non ne vuole sapere perché si considera indegna di lui (essendo stata costretta a sposare Bassanes contro la propria volontà). Penthea incontra suo fratello e lo supplica di permetterle di morire piuttosto che salvare le apparenze in un matrimonio infelice. Ithocles coglie l’occasione per chiederle di aiutarlo a corteggiare Calantha, la figlia del re. Nonostante il destino che Ithocles le ha imposto, lei accetta. Ma Calantha è indignata che Penthea osi parlare con lei di tali cose. Umiliata e desolata, Penthea impazzisce e si lascia morire di fame.

Non riuscite proprio a immaginare Kenneth Williams e Barbara Windsor che ridacchiano e si dimenano con una trama del genere, vero? O Phil Mitchell, Sharon e Ian Beale? No. Il dramma è una tragedia, ed è tragico che Steinbeis non l’abbia diretto come tale.

Il cast non è il problema. Ognuno si getta sul testo con verve e nello stile scelto da Steinbeis. Se l’impostazione è sbagliata, non è colpa loro.

Joe Jameson emerge come il migliore. Interpreta Nearchus, Principe di Argo, figura di divertente esuberanza quando arriva per la prima volta a metà del primo atto. Jameson è preciso e diretto, dà interezza al personaggio: divertente quando non distrae, e regale e pertinente sotto ogni altro aspetto.

C’è anche un lavoro notevole di Adam Lawrence, che interpreta due ruoli: Phulas, servo di Bassanes, un vassallo effeminato e dalla battuta pronta; e Amelus, il compagno saldo e letale di Nearchus. Sono interpretazioni così diverse, e così vere, che è difficile credere sia lo stesso attore. È superbo.

Ottimo anche il lavoro di Tom Stuart (Prophilus) e Luke Thompson (Ithocles). Entrambi incarnano il tipo dell’eroe spavaldo, ma Stuart è il buono e Thompson il cattivo, anche se Ithocles prova a redimersi. Thompson è particolarmente efficace nella scena della morte, dove le circostanze sono un po’ bizzarre.

La regia impedisce a molte delle altre interpretazioni di raggiungere vette più alte; le motivazioni sono troppo nebulose per costruire caratterizzazioni compiute. Sarah MacRae fa un lavoro encomiabile come Calantha, ma la corsa alla risata rende misteriosa la sua scena chiave con Penthea sulle intenzioni di Ithocles, la costringe a sparare le battute a velocità folle prima della propria morte e la vede impegnata in due sequenze di danza separate, ma ugualmente sciocche, che svuotano la sua prova di senso.

Nei panni di Penthea, Amy Morgan è un filo troppo frizzante per il contesto e non si riprende mai davvero dalla ridicola pantomima che precede l’avvio vero e proprio dell’azione. Anche qui, la ricerca della risata ostacola la comprensione della situazione in cui si trova e del pesante fardello che sente.

Brian Ferguson (Orgilus), Thalissa Teixeira (Euphrania), Owen Teale (Bassanes) e Patrick Godfrey (Amyclus) fanno del loro meglio, ma le contraddizioni tra testo e trattamento registico pongono ostacoli quasi insormontabili alla loro ricerca di chiarezza e completezza.

Nessuno del cast è aiutato dall’orribile musica di scena di Simon Slater o dall’idiota coreografia di Imogen Knight. L’apertura del secondo atto, una sorta di assurda pausa danzata da orologio a cucù, è una delle cose più strane che abbia mai visto su un palcoscenico classico. C’è anche del canto atroce e un supporto orchestrale molto povero da parte della band di quattro elementi guidata da Adrian Woodward. Tutto questo "abbellimento" stona ed è in contrappunto con qualsiasi tentativo di illuminare il testo.

Lo scenografo Max Jones offre alcuni bei costumi, anche se la corazza dorata (con tanto di ali) che cala dal cielo, come l’abito da ballo di Cenerentola, per l’incoronazione (e la morte) di Calantha è eccessiva in un modo che ricorda Alexander McQueen. Però firma anche un’ottima sedia e il modo in cui Orgilus si suicida goccia dopo goccia è completamente orrifico (e perfetto).

Era inevitabile che prima o poi al Sam Wanamaker ci sarebbe stata una delusione. Dopo il successo del più noto 'Tis Pity She's A Whore, sorprende — ed è triste — che sia proprio The Broken Heart a interrompere la serie positiva. Ma così è.

Alla fine di questo episodio di Carry On Caroline non è stato spezzato solo il cuore di Calantha.

The Broken Heart è in scena al Sam Wanamaker Playhouse fino al 18 aprile 2015