РЕЦЕНЗІЯ: «Розбите серце», Театр Сема Вонамейкера ✭✭

Том Стюарт (Профіл) та Емі Морган (Пентея) у виставі «Розбите серце». Фото: Марк Бреннер «Розбите серце»

Театр Семя Вонамейкера

20 березня 2015 року

2 зірки

«Мене також вразила ця каламуть людського буття, що пронизує всю п’єсу: той факт, що люди спочатку ухвалюють рішення, а потім відмовляються від них, змінюють думку і намагаються спланувати те, що ніколи не приносить плодів. Я одразу почала думати: “Як підступитися до такої історії? Чи варто намагатися “вирішити” ці “проблеми”, чи дозволити п’єсі бути п’єсою?” І, звісно, значно цікавіше дати твору бути самим собою, адже всі ці суперечності, хибні сліди та глухі кути й роблять його таким людяним... Готуючись до репетицій, я переписала всю п'єсу від руки, рядок за рядком, адаптуючи її власною мовою... чим більше ми працюємо, тим більше історія відкривається нам. Я ніколи не відчувала такого з новою п’єсою настільки глибоко... “Розбите серце” — це п’єса для мислячих людей, п’єса, яка запрошує вас пройти разом з героями шлях самопізнання та самоаналізу... Зрештою, перед нами каролінська мильна опера. Кожен намагається виторгувати для себе найкращі умови, а чоловіки панують над жінками майже абсолютно».

Ці бентежні слова з’являються у програмці до «Розбитого серця», маловідомого твору Джона Форда, написаного приблизно у 1629 році, що нині йде у театрі Сема Вонамейкера, і належать режисерці вистави Керолайн Штайнбайс. Навіть без контексту ці твердження є показовими: вони з точністю вказують на те, де саме ця постановка катастрофічно зійшла з колії.

Завдання режисера — представити текст так, щоб розкрити задум автора. Якщо існують «проблеми», режисер має знайти спосіб їх вирішити або принаймні мінімізувати їх статус як «проблем». Цього можна досягти безліччю способів; єдиним обмеженням є лише майстерність самого постановника.

Сприймати «Розбите серце» як мильну оперу — це фундаментальна помилка. Автор досить чітко дав зрозуміти, що це трагедія, і текст, безумовно, звучить як трагедія. Люди жахливо вмирають через свої рішення або реакцію на вчинки інших. Більшість головних героїв гинуть у фіналі, і зовсім не з героїчних чи комічних причин. Це справжня симфонія внутрішніх страждань.

Це також твір, що міцно вкорінений у свій час. Форд писав про стандарти та етику Стародавньої Спарти, цивілізації, далекої від епохи, в якій жив він сам. Яку мету переслідує «переклад» п’єси сучасною мовою, якщо тільки не планувалося ставити виставу в цьому ж стилі? Хіба не краще було б зрозуміти сам текст, чому і коли він був написаний, щоб мати змогу донести його сенс сьогодні?

Призма «мильної опери», крізь яку Штайнбайс дивиться на цю роботу, докорінно неправильна. Вона вилучає з постановки пролог Форда, який досить розбірливо говорить про тон твору:

«Наша сцена — Спарта. Той, чиє майстерне перо

створило цей твір, назвав його “РОЗБИТЕ СЕРЦЕ”.

Ця назва не обіцяє глядачеві

Мавпячого реготу чи калікавих кпинів

Над місцем чи особами; жодна фальшива фраза

Жартів для борделю не шукає оплесків

У юрби: такі ниці пісні,

Для нечистих вух, не личать мовам скромним».

Незважаючи на те, що Форд застерігав публіку від очікування «мавпячого реготу», Штайнбайс змушує акторів подавати текст майже в дусі комедій Carry On. Кожен грає заради сміху. Одне діло, коли сміх виникає природно з тексту, характеру чи ситуації; зовсім інше — витискати жарти лише тому, що інший спосіб оживити текст виявився вам не під силу.

Наслідки такого підходу «мильної опери в стилі Carry On» виявилися фатальними. По-перше, глядач чекає на комедію, тому коли у другій дії починається серйозна кривава баня, виникає закономірне нерозуміння. По-друге, раннє перетворення персонажів на посміховиська заради дешевих жартів позбавляє їх справжньої драматичної сили в ті моменти сюжету, де ця сила вкрай необхідна. По-третє, складні образи, як-от Бассан, чий характер кардинально змінюється до і після смерті Пентеї, втрачають логіку та цілісність. Усе це суттєво заважає глядачеві зрозуміти та оцінити п’єсу.

Штайнбайс стверджує, що «Розбите серце» — це «п’єса для мислячих людей». Можливо. Але якби сама режисерка більше замислилася над матеріалом, глядачеві було б легше його сприймати. Дія відбувається у Спарті не випадково: вона досліджує спартанську філософію, що ставить зовнішній спокій і пристойність вище за внутрішнє щастя, а самовладання — над самовираженням. Шлюби з розрахунку мають свої наслідки, як і ставлення до жінки як до майна. Саме ці питання хвилюють Джона Форда.

Пентея кохає Оргіла, але її брат Ітокл змушує її вийти заміж за Бассана. Бассан страждає від ревнощів і стає одержимим думкою про невірність дружини. Оргіл влаштовує зустріч із Пентеєю в саду, благаючи про кохання, але вона відкидає його, бо вважає себе негідною (бувши виданою заміж проти волі). Пентея зустрічається з братом і благає дозволити їй померти, аніж тримати обличчя в нещасливому шлюбі. Ітокл використовує цю нагоду, щоб попросити Пентею допомогти йому завоювати Каланту, доньку короля. Попри те, як брат розпорядився її долею, Пентея погоджується. Але Каланта обурена тим, що Пентея наважується обговорювати з нею такі речі. Осоромлена та спустошена, Пентея втрачає глузд і морить себе голодом до смерті.

Навряд чи ви можете уявити Кеннета Вільямса чи Барбару Віндзор у такій сюжетній лінії, чи не так? Або Філа Мітчелла, Шерон та Іана Біла з «Жителів Іст-Енду»? Ні. Ця п’єса — трагедія, і справжня трагедія в тому, що Штайнбайс не поставила її як таку.

Акторський склад не є причиною невдачі. Кожен із них береться за справу з азартом і в тому стилі, який обрала режисерка. Те, що цей напрямок помилковий — не їхня провина.

Найкраще себе проявив Джо Джеймсон. Він грає Неарха, принца Аргоса, — персонажа з часткою комічного гонору, який з’являється посеред першої дії. Джеймсон грає точно і прямолінійно, створюючи цілісний образ: він смішний там, де це не відволікає, і величний там, де це доречно.

Варто відзначити видатну роботу Адама Лоуренса, який виконує дві ролі: Фуласа, манірного та гострого на язик слугу Бассана, та Амела, відданого та небезпечного супутника Неарха. Ці ролі настільки різні та живі, що важко повірити, ніби їх грає одна людина. Він неперевершений.

Чудово працюють Том Стюарт (Профіл) та Люк Томпсон (Ітокл). Обидва грають тип відважних героїв, але Стюарт — «позитивний», а Томпсон — «негідник», хоча Ітокл і намагається спокутувати провину. Томпсон особливо переконливий у сцені своєї смерті, попри дещо дивні обставини.

Режисура не дає іншим акторам розкритися повною мірою; мотиви персонажів надто розмиті. Сара Макрей робить усе можливе в ролі Каланти, але гонитва за сміхом перетворює її ключову сцену з Пентеєю про наміри Ітокла на загадку, змушує її виголошувати передсмертний монолог зі швидкістю кулемета та брати участь у двох безглуздих танцювальних номерах, які позбавляють її роль будь-якого сенсу.

Емі Морган у ролі Пентеї здається надто жвавою для такої обстановки, і вона так і не оговтується після безглуздої німої сцени, з якої починається вистава. Знову ж таки, прагнення розсмішити публіку заважає зрозуміти трагізм її становища та тягар, що лежить на її душі.

Браян Фергюсон (Оргіл), Талісса Тейшейра (Евфранія), Оуен Тіл (Бассан) та Патрік Годфрі (Амікл) роблять усе, що в їхніх силах, але суперечність між текстом і режисерським трактуванням ставить майже нездоланні перешкоди на шляху до створення чітких і завершених образів.

Акторам зовсім не допомагає жахливий музичний супровід Саймона Слейтера чи безглузда хореографія Імоджен Найт. Початок другої дії — щось на кшталт танцю «зозулі з годинника» — це одна з найдивніших речей, які я коли-небудь бачив на класичній сцені. Окрім того, ми чуємо жахливий спів та дуже слабку підтримку від квартету музикантів під керівництвом Адріана Вудворда. Усі ці «прикраси» лише ріжуть слух і йдуть врозріз із будь-якою спробою висвітлити сенс тексту.

Дизайнер Макс Джонс створив непогані костюми, хоча золотий нагрудник (з крилами), який спускається з небес, як бальна сукня Попелюшки, для коронації (і смерті) Каланти — це вже занадто, у стилі Александра Маккуїна. Проте він вигадав чудовий стілець, а сцена самогубства Оргіла через кровопускання виглядає по-справжньому жахливо (і ідеально).

Було неминуче, що рано чи пізно на сцені Сема Вонамейкера трапиться розчарування. Після успіху відомої драми Форда «Шкода, що вона розпусниця», дивно і прикро, що саме вистава «Розбите серце» перервала смугу вдалих постановок. Але що маємо, те маємо.

Наприкінці цієї серії «Керолайн, ну ти й даєш» (Carry On Caroline) розбитим виявилося не лише серце Каланти.

Вистава «Розбите серце» йде у Sam Wanamaker Playhouse до 18 квітня 2015 року