CRITIQUE : La Visite, Théâtre Lyceum ✭✭✭✭✭

La Visite à Broadway. Photo : Joan Marcus La Visite

Théâtre Lyceum

12 avril 2015

5 étoiles

Vous ne remarquez pas vraiment le cercueil au début. Les bagages impeccables sont empilés haut dessus, donc au départ, il semble n'être qu'une simple malle très coûteuse. Mais ensuite, votre attention est délibérément attirée ailleurs. Vers le grand homme avec des lunettes de soleil, et les deux autres hommes, leurs visages peints d'un cercle blanc opaque ; ils portent des gants jaunes et des chaussures et sont impeccablement vêtus de costumes traditionnels de cérémonie. Et, bien sûr, la visiteuse. Impeccablement vêtue de blanc, un long manteau bordé de fourrure, avec un chapeau de fourrure assorti, soulignant son allure élégante. Ils pourraient assister à un mariage.

Ils entrent par l'arrière droit de la scène, dans une procession majestueuse. La scène est magnifiquement décorée. Autrefois, il y avait ici une grande maison, mais elle est maintenant en ruines. La forêt envahit les supports défaillants, racines d'arbres, feuilles et branches sont partout, soulignant la décomposition et les forces implacables qui sont à la fois le temps et la nature. Les gens de Brachen, un endroit quelque part en Europe, sont tous en déclin, la couleur et la vie se sont dissipées de leurs joues, vêtements et sensibilités. La visiteuse est vivante. Vivement vivante.

Ensuite, vous voyez que c'est un cercueil. Définitivement. Un cercueil.

Et pendant 90 minutes de récit captivant, vous êtes transporté vers un endroit où l'amour, la mort et les conséquences dansent ensemble et où une victoire pour le véritable amour pourrait ne pas être ce que vous pensiez au départ.

Il s'agit de la mise en scène exceptionnelle de John Doyle du dernier musical de l'illustre équipe de John Kander et Fred Ebb, La Visite, maintenant en avant-premières au Théâtre Lyceum à Broadway, et avec en vedette l'indomptable et tout à fait inspirante Chita Rivera. Avec un livret de Terrence McNally, c'est l'un des meilleurs musicals de Kander & Ebb. Assurément, c'est le meilleur, le plus important, musical actuellement joué à Broadway - et cela en dit long, vu la concurrence actuelle.

Ce n'est en aucun cas, un musical typique. Il étire et joue avec le format de manière inhabituelle, provocante et inventive. Je ne me souviens pas de la dernière fois où le numéro de onze heures dans un musical implique que la star ne chante pas - mais c'est précisément ce qui se passe ici : la pièce atteint son sommet inoubliable et déchirant quand Chita Rivera, la visiteuse titulaire, danse avec sa version plus jeune (la féerique Michelle Veintimilla) dans un moment de réalisation de soi brut et intense. C'est aussi puissant que délicat. Indescriptiblement beau.

Doyle utilise la mise en scène pour souligner des thèmes qui sont proéminents dans la musique et le texte. Le passé est un personnage constant dans l'action. La visite titulaire a lieu à cause du passé et détermine l'avenir. Les images jeunes et fantomatiques des personnages principaux, Claire (Rivera) et Anton (Roger Rees et John Riddle dans les versions ancien et actuel) sont toujours présentes, soit pour donner vie aux souvenirs, soit pour fournir un écho constant du passé et de ses conséquences.

De même, quand ils ne sont pas engagés dans l'action immédiate, les habitants restent dans l'ombre, regardant, contemplant, jugeant. Ils représentent la société et les cultures partagées, le prisme de la 'respectabilité' et de la 'tradition'. Les actions au centre de la scène, qu'elles soient présentes ou passées, les influencent, les façonnent ; et, par leur seule présence, ils façonnent et affectent le passé, le présent et le futur.

Chaque fois qu'elle entre en action, Claire fait partie d'une procession formelle. Le motif est implacable et rigidement collet monté. En surface, Claire représente le passé rattrapant le présent ; mais la vérité est plus intrigante. Elle et sa suite presque militaire incarnent la Justice. Comme toutes les formes de justice, celle de Claire vient avec des conséquences retentissantes. Elle peut être vêtue de tout blanc, mais son but en faisant cette visite est de révéler les vraies couleurs des autres.

L'histoire est à la fois simple et complexe. Claire et Anton étaient désespérément amoureux quand ils étaient plus jeunes, mais Anton a choisi d'épouser Matilde et de gagner la sécurité de la boutique familiale de celle-ci. Claire, pour des raisons révélées au fur et à mesure que la pièce progresse, quitte la ville et forge une nouvelle vie. Elle se marie souvent et "enterre bien", devenant ainsi la femme la plus riche du monde.

Tandis que la fortune de Claire s'améliore, la ville où elle est née décline progressivement. L'industrie cesse, la pauvreté s'installe. Puis, un jour, le maire reçoit un mot que Claire revient à Brachen et lui et les autres habitants espèrent la persuader de se séparer d'une partie de sa fortune pour permettre à la ville de se rétablir. À l'excitation des villageois, Claire offre 10 milliards de dollars à Brachen.

Mais elle a un prix précis en tête. Et que la ville soit prête ou non à le payer est central au déroulement du récit. Être plus précis sur l'intrigue reviendrait à nier les véritables – et souvent surprenantes ou saisissantes – rebondissements du livret de McNally. Vraiment, moins on en sait sur La Visite, plus grande sera la première expérience de la voir.

Chita Rivera est inoubliable dans le rôle de Claire ; étoile incandescente de la scène Broadway dans une gloire intacte, Rivera est irréprochable. Elle est étonnante, chaque centimètre l'insondable riche veuve. Sa prestance et son allure sont hypnotiques ; quand elle est sur scène ou arrive sur scène, vous êtes contraint de la regarder. À mesure qu'elle révèle lentement mais sûrement les vérités et les douleurs qui ont forgé sa nature et poussé sa visite, Rivera est un modèle de vengeance rigoureuse et d'équilibrage de comptes qui place sa Claire à la hauteur de Médée ou Électre.

De même, la Claire de Rivera est toute femme, avec un souvenir clair de son adoration d'il y a longtemps pour Anton et des résonances de la ville où elle est née. Elle est aussi spirituelle, et peut délivrer une observation tranchante, une menace ou une analyse avec une précision infaillible. Sa volonté d'acier, son sourire complice, son allure gracieuse, son sourire contagieux, son intelligence vorace - ce ne sont là que quelques-unes des facettes brillantes du diamant que Rivera crée en tant que Claire.

À 82 ans, il n'est pas surprenant que Rivera ne puisse plus chanter et danser comme elle le faisait autrefois, mais elle peut encore faire les deux mieux que beaucoup. Son travail dans "Vous, Vous, Vous", "Hiver", "L'amour et l'amour seul" et "Dans la forêt encore" est extraordinaire, captivant et sensuel. Son rapport avec Rees est sans équivoque profond - si Roméo et Juliette avaient vécu, ils auraient été comme Rees et Rivera ici. Totalement engagée dans chaque aspect du personnage et du musical, Rivera est constamment une joie.

Roger Rees égale continuellement son engagement. Son Anton est un personnage mercuriel, déchiré entre le monde qu'il a laissé derrière et celui qu'il a créé, mais toujours à la recherche d'un moyen d'avoir sa part et bien plus encore. À la fois hanté et opportuniste, Rees fait d'Anton un candidat presque shakespearien pour la rédemption. Sa voix est riche et vraie, et appropriément fatiguée lorsque l'ampleur de la tâche qui lui est assignée se fait sentir. Comme c'est de mise, le public voit et entend deux extrêmes de la gamme de Rees dans la livraison de "Je Connais Claire" et "Peur". C'est une performance puissante à tous égards.

Comme Frederich Kuhn, le professeur, Jason Danieley est complètement méconnaissable, sauf quand il chante et alors sa voix splendide le trahit. Il est entièrement immergé dans le personnage, déchiré par le dilemme moral qu'il doit affronter. Cela est le plus évident dans son solo, "Le Seul" mais aussi continuellement tout au long.

Mary Beth Peil, en tant que femme de longue date d'Anton, Matilde, donne un masterclass dans la représentation de la douleur et du ressentiment. Avec très peu de mots, elle peint un tableau très clair du genre de femme qu'elle est et dans ses silences, elle est particulièrement éloquente. Lorsqu'elle s'assoit ou se tient dans l'ombre, immobile et attentive, ses yeux allant d'un endroit à l'autre, évaluant, calculant, manigançant, elle est captivante. Vous réalisez que vous voulez voir la production à nouveau juste pour vous concentrer entièrement sur le travail remarquable de Peil.

Également superbes, dans tous les sens, sont John Riddle et Michelle Veintimilla, qui incarnent les jeunes versions de Claire et Anton au moment de leur grande romance passionnelle. Tous deux prennent grand soin d'imiter des aspects de leurs aînés (et vice versa) et de démontrer clairement les enjeux, au moins pour Claire. Le sentiment de passion langoureuse, durable mais écrasante est presque tangible. Ils chantent et dansent avec l'aisance et l'engagement de deux qui ne font qu'un, avec grâce, et une conviction totale.

Il n'y a pas de maillon faible dans le casting de seize. David Garrison, Matthew Deming, Chris Newcomer et Elena Shaddow sont spécialement exemplaires, offrant des performances détaillées et nuancées qui sont constamment engageantes et provocantes.

Musicalement, la partition est infiniment fascinante. Plus dans la sphère de Kiss Of The Spiderwoman que de Chicago, Kander crée un son spécifique pour la ville et les époques de Brachen et utilise différents types de chansons pour faire divers points de développement de personnages ou d'intrigue. "Chaussures Jaunes", peut-être l'air le plus évidemment Kander de la partition, est joyeux et entraînant, mais il bouillonne au-dessus d'un développement important de l'intrigue. Nombre des numéros rehaussent l'humeur, expliquent des points de l'intrigue, développent des personnages - mais certains sont simplement magnifiques. "Un Tour en Voiture" et "Dans la Forêt Encore" sont des moments musicaux extraordinaires dans une partition parsemée de joyaux.

On peut supposer que si la partition avait été composée par Sondheim, des louanges auraient rapidement été prodiguées sur le compositeur. Qu'il soit possible de penser qu'une partition de Kander pourrait avoir été composée par Sondheim en dit plus sur l'étendue de Kander et sa volonté d'essayer de nouvelles formes que n'importe quoi d'autre. Son utilisation de deux chœurs ici est un terrain frais pour lui mais extraordinairement efficace. En effet, le spectacle n'est jamais meilleur que lorsque l'ensemble chante à pleine puissance, animant harmonie et mélodie tout en communiquant, très clairement, le torrent d'émotions et de réactions souterraines.

C'est une partition de Kander glorieuse, l'une de ses meilleures. Qui d'autre a tenté une Tragédie Musicale de Vengeance et a réussi aussi bien ?

Les paroles d'Ebb sont aiguës et astucieuses, parfois suffisantes, parfois désinvoltes, parfois romantiques, parfois alarmantes - toujours impeccables. Pas une minute n'est gaspillée. Le conte dévastateur est raconté à un rythme effréné, la pression ne relâchant jamais, les révélations et rebondissements venant à un rythme soutenu alors que l'échéance de Claire pour l'acceptation de son marché approche inexorablement. L'horloge tourne et se reflète dans le dialogue, les paroles et la partition. De même que le changement et l'acceptation.

Scott Pask, sûrement le concepteur de décors le plus occupé de Broadway, fournit un cadre parfait pour le conte - un coup d'œil suffisant à la grandeur desséchée vous en dit plus que des pages de dialogues ne pourraient sur l'état actuel de Brachen et ce que les souvenirs de Claire en seraient. Japhy Weideman apporte de la lumière à chaque recoin de l'espace lorsque c'est nécessaire et crée des changements d'ambiance importants avec des teintes qui semblent faire partie de la partition. Les costumes d'Ann Hould-Ward sont tout à fait parfaits.

Doyle et la chorégraphe Graciela Daniele s'assurent que les tableaux sur scène sont toujours enchanteurs. Daniele n'a pas de grands numéros à mettre en scène, mais elle parvient à imprégner ceux qui nécessitent de la danse avec des mouvements élégants et parfaitement appropriés. Les tourbillons séducteurs et balnéaires des jeunes Anton et Claire et la routine "Chaussures Jaunes" sont des mondes à part, mais irrésistiblement appropriés.

La direction musicale de David Loud était exemplaire. La musique est jouée avec verve et ferveur, et il s'assure que le chant est impeccable et la diction cristalline. L'orchestre de dix musiciens couvre de nombreux instruments et la variété tonale était bienvenue ; s'il n'est pas possible d'avoir un plus grand orchestre, alors un tel que celui-ci est un excellent compromis.

Ne vous y trompez pas : ce n'est pas une comédie musicale. C'est tout autre chose. Si vous l'embrassez et laissez vous engloutir, vous serez richement récompensé. C'est du premier ordre à tous égards et, plus important pour la vie de la forme musicale, une nouvelle direction vivifiante – mais déchirante.

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