RECENSION: The Visit, Lyceum Theatre ✭✭✭✭✭

The Visit på Broadway. Foto: Joan Marcus The Visit

Lyceum Theatre

12 april 2015

5 stjärnor

Man lägger inte märke till kistan direkt. Det fläckfria bagaget är staplat så högt på den att den först bara ser ut som en mycket exklusiv resekoffert. Men sedan dras ens uppmärksamhet medvetet åt ett annat håll. Till den långe mannen i solglasögon, och de två andra männen med ansiktena målade med en ogenomskinlig vit cirkel; de bär gula handskar och skor och är oklanderligt klädda i traditionell förmiddagsdräkt. Och så besökaren, förstås. Klädd i kritvitt, en lång pälsfodrad kappa med matchande pälshatt som betonar hennes eleganta framtoning. De skulle kunna vara på väg till ett bröllop.

De tågar in från höger i fonden i en högtidlig procession. Sceneriet är magnifikt. En gång stod här ett ståtligt hus, men nu har det förfallit till en ruin. Skogen invaderar de sviktande fundamenten; trädrötter, löv och grenar finns överallt och understryker förfallet och de obevekliga krafterna i både tid och natur. Invånarna i Brachen, en plats någonstans i Europa, tynar alla bort; färg och liv har mjuknat i deras kinder, kläder och sinnen. Besökaren är levande. Pulserande levande.

Sedan ser man att det är en kista. Definitivt. En kista.

Och under 90 minuter av extatiskt berättande transporteras man till en plats där kärlek, död och konsekvenser dansar tillsammans, och där en seger för den sanna kärleken kanske inte är precis vad man först tror.

Detta är John Doyles exceptionella iscensättning av den sista musikalen från det legendariska teamet John Kander och Fred Ebb, The Visit, som nu spelas på Lyceum Theatre på Broadway med en oförtröttlig och djupt inspirerande Chita Rivera i huvudrollen. Med ett manus av Terrence McNally är detta en av Kander & Ebbs främsta musikaler. Det är utan tvekan den viktigaste musikalen som spelas på Broadway för tillfället – och det säger en hel del med tanke på den nuvarande konkurrensen.

Det här är på inget sätt en typisk musikal. Den tänjer på och leker med formen på ovanliga, provocerande och uppfinningsrika sätt. Jag kan inte minnas när jag senast såg ett ”eleven o'clock number” i en musikal där stjärnan inte sjunger – men det är precis vad som händer här: verket når sitt oförglömliga, hjärtskärande zenit när Chita Rivera, i rollen som besökaren, dansar med sitt yngre jag (den älvlikna Michelle Veintimilla) i ett ögonblick av rå, intensiv självinsikt. Det är lika kraftfullt som det är bräckligt. Outgrundligt vackert.

Doyle använder regin för att förstärka de teman som löper genom musik och text. Det förflutna är en ständigt närvarande karaktär i handlingen. Själva besöket sker på grund av det förflutna och avgör framtiden. De spöklika bilderna av huvudkaraktärernas yngre jag, Claire (Rivera) och Anton (Roger Rees och John Riddle som nu- och då-versioner), finns alltid där; de livar upp minnen eller fungerar som ett konstant eko av dåtiden och dess konsekvenser.

Likaså när de inte är direkt involverade i handlingen förblir stadsborna i skuggorna – de iakttar, begrundar och dömer. De representerar samhället och den gemensamma kulturen, prismat av ”respektabilitet” och ”tradition”. Handlingarna på mittscenen, oavsett om de tillhör nutid eller dåtid, påverkar och formar dem; och genom sin bara närvaro formar de i sin tur det förflutna, nuet och framtiden.

Varje gång hon träder in i handlingen är Claire en del av en formell procession. Mönstret är obevekligt och stelt. På ytan representerar Claire det förflutna som kommer ikapp nuet, men sanningen är mer fascinerande. Hon och hennes nästan militära följe förkroppsligar Rättvisan. Liksom alla former av rättvisa kommer Claires med ekande konsekvenser. Hon må vara klädd helt i vitt, men syftet med hennes besök är att avslöja andras sanna färger.

Berättelsen är både enkel och komplex. Claire och Anton var djupt förälskade när de var unga, men Anton valde att gifta sig med Matilde för att få tryggheten i hennes familjs butik. Claire lämnar staden av skäl som avslöjas under pjäsens gång och skapar sig ett nytt liv. Hon gifter sig ofta och blir en framgångsrik änka, vilket gör henne till världens rikaste kvinna.

Medan Claires förmögenhet växer, tynar hennes födelsestad sakteliga bort. Industrier läggs ned och fattigdomen blir djupt rotad. Så en dag får borgmästaren besked om att Claire återvänder till Brachen, och han och de andra invånarna hoppas kunna övertala henne att skänka en del av sin förmögenhet så att staden kan komma på fötter igen. Till bybornas stora förtjusning erbjuder Claire Brachen 10 miljarder dollar.

Men hon har ett specifikt pris i åtanke. Och huruvida staden är villig att betala det eller ej är centralt för den framväxande berättelsen. Att gå in mer på handlingen vore att beröva publiken de verkliga – och ofta överraskande eller skakande – vändningarna i McNallys manus. Sanningen är att ju mindre man vet om The Visit, desto större blir upplevelsen första gången man ser den.

Chita Rivera är oförglömlig som Claire; en lysande stjärna på Broadwayscenen i oförminskad glans. Rivera är felfri. Hon ser fantastisk ut, varje tum en ofattbart rik änka. Hennes hållning och utstrålning är hypnotisk; när hon är på scenen eller gör sin entré kan man inte låta bli att titta. Allt eftersom hon sakta men säkert avslöjar de sanningar och smärtor som har format hennes natur och drivit henne till detta besök, är Rivera en studie i raffinerad hämnd och skipande av rättvisa som placerar hennes Claire sida vid sida med Medea eller Elektra.

Samtidigt är Riveras Claire kvinna ut i fingerspetsarna, med ett tydligt minne av sin forna hängivelse till Anton och rötterna i staden där hon föddes. Hon är också slagfärdig och kan leverera en knivskarp observation, ett hot eller en analys med osviklig precision. Hennes vilja av stål, hennes vetande leende, hennes graciösa gång och hennes glupande intelligens – detta är bara några av de gnistrande fasetterna i den diamant som är Riveras Claire.

Vid 82 års ålder är det ingen överraskning att Rivera inte kan sjunga och dansa som förr, men hon gör det fortfarande bättre än de flesta. Hennes insatser i ”You, You, You”, ”Winter”, ”Love and Love Alone” och ”In The Forest Again” är extraordinära, fängslande och sensuella. Hennes samspel med Rees är otvetydigt djupt – om Romeo och Julia hade fått leva, hade de varit som Rees och Rivera här. Rivera är ständigt en fröjd, helt hängiven varje aspekt av karaktären och musiken.

Roger Rees matchar hennes hängivenhet genomgående. Hans Anton är en föränderlig karaktär, splittrad mellan den värld han lämnat bakom sig och den han har skapat, men ständigt på jakt efter ett sätt att både äta kakan och ha den kvar. Både hemsökt och opportunistisk gör Rees Anton till en nästan Shakespeariansk kandidat för försoning. Hans röst är fyllig och ärlig, och passande sliten när vidden av uppgiften han ställs inför sjunker in. Helt rättvist får publiken höra två extremer av Rees register i framförandena av ”I Know Claire” och ”Fear”. Det är en kraftfull prestation på alla sätt.

Som Frederich Kuhn, läraren, är Jason Danieley helt oigenkännlig, förutom när han sjunger och hans praktfulla röst avslöjar honom. Han går helt upp i karaktären, plågad av det moraliska dilemma han tvingas möta. Detta är mest uppenbart i hans solo ”The Only One” men märks även genomgående i pjäsen.

Mary Beth Peil, som Antons fru sedan många år, Matilde, ger en mästarlektion i porträtterandet av smärta och bitterhet. Med ytterst få ord målar hon upp en tydlig bild av vilken sorts kvinna hon är, och i sina tystnader är hon särskilt vältalig. När hon sitter eller står i skuggorna, stilla och vaksam med blicken som flackar och beräknar, är hon magnetisk. Man inser att man vill se produktionen igen bara för att helt kunna fokusera på Peils anmärkningsvärda arbete.

Lika enastående på alla sätt är John Riddle och Michelle Veintimilla, som spelar de unga versionerna av Claire och Anton under deras passionerade romans. Båda är noga med att efterlikna drag hos sina äldre jag (och vice versa) och att tydligt visa vad som står på spel, åtminstone för Claire. Känslan av en loj men varaktig och överväldigande passion är nästan påtaglig. De sjunger och dansar med den lätthet och hängivenhet som hos två varelser som blivit en, graciöst och med full övertygelse.

Det finns inga svaga länkar i ensemblen på sexton personer. David Garrison, Matthew Deming, Chris Newcomer och Elena Shaddow är särskilt föredömliga och ger detaljerade, nyanserade prestationer som hela tiden engagerar och väcker tankar.

Musikaliskt är partituret oändligt fascinerande. Mer i samma anda som Spindelkvinnans kyss än Chicago, skapar Kander ett specifikt sound för staden Brachen och dess olika tidsepoker. Han använder olika typer av sånger för att föra karaktärsutvecklingen och handlingen framåt. ”Yellow Shoes”, kanske skivans mest typiska Kander-melodi, är fartfylld och trallvänlig, men den bubblar ovanpå en allvarlig vändning i handlingen. Många av numren förstärker stämningen eller förklarar intrigen, men vissa är helt enkelt bedövande vackra. ”A Car Ride” och ”In The Forest Again” är extraordinära musikaliska ögonblick i ett partitur fyllt av pärlor.

Man misstänker att om musiken hade varit komponerad av Sondheim, skulle hyllningarna ha haglat över kompositören. Att det ens är möjligt att tänka att ett verk av Kander skulle kunna vara skrivet av Sondheim säger mer än något annat om Kanders bredd och vilja att prova nya former. Hans användning av två körer här är ny terräng för honom, men synnerligen effektiv. Faktum är att föreställningen aldrig är bättre än när ensemblen sjunger med full kraft och ger liv åt harmoni och melodi, samtidigt som de tydligt förmedlar den flodvåg av underliggande känslor och reaktioner som pågår.

Detta är ett strålande Kander-partitur, ett av hans absolut bästa. Vem annars har försökt sig på en musikalisk hämndtragedi och lyckats så väl?

Ebbs texter är skarpa och kluriga; ibland självbelåtna, ibland flärdfulla, ibland romantiska, ibland skrämmande – men alltid mitt i prick. Inte en minut går till spillo. Den drabbande historien berättas i ett rasande tempo, trycket lättar aldrig och avslöjandena och vändningarna avlöser varandra när Claires tidsfrist för invånarna att acceptera hennes bud obevekligt närmar sig. Klockan tickar och det reflekteras i dialog, text och musik. Det gör även förändring och acceptans.

Scott Pask, utan tvekan Broadways mest upptagna scenograf, ramar in berättelsen perfekt – en enda blick på den förtorkade grandiositeten säger mer än sidor av dialog om tillståndet i dagens Brachen och hur Claires minnen av staden ser ut. Japhy Weideman lyser upp varje hörn av scenrummet när det behövs och skapar suggestiva stämningsskiften med färgtoner som känns som en del av musiken. Ann Hould-Wards kostymer är helt perfekta.

Doyle och koreografen Graciela Daniele ser till att scenbilderna alltid är förtrollande. Daniele har inga stora shownummer att sätta upp, men hon lyckas genomsyra de moment som kräver dans med eleganta och helt rättmätiga rörelser. De balettliknande, förföriska virvlarna hos unga Anton och Claire och numret ”Yellow Shoes” är som natt och dag, men båda sitter som en smäck.

David Louds musikaliska ledning var oklanderlig. Musiken spelas med glöd och intensitet, och han ser till att sången är felfri och artikulationen glasklar. Orkestern på tio personer täcker många instrument och den klangliga variationen var välkommen; om man inte kan ha en större orkester är en sådan här uppställning en utmärkt kompromiss.

Gör inga misstag: det här är ingen musikalkomedi. Det är något helt annat. Om man tar den till sig och låter den skölja över en, blir man rikligt belönad. Det här är förstklassigt på alla sätt och, mer särdeles för musikalformen som helhet, en uppfriskande – men skakande – ny riktning.

BOKA BILJETTER TILL THE VISIT PÅ BROADWAY