CRITIQUE : La Protégée du Manoir, Théâtre St James ✭✭✭✭

Le Pupille du Manoir

Théâtre Saint James

09/09/15

4 Étoiles

‘Les gens boivent du thé tandis que leurs cœurs se brisent.’ - Tchekhov

Le Théâtre Lesya Ukrainka est actuellement en résidence au Théâtre Saint James avec un programme intriguant de Turgenev, Tchekhov et d'autres écrivains. Bien que l'ensemble du projet soit parrainé par le ministère ukrainien de la Culture, les amateurs de théâtre peuvent être rassurés sur le fait que ce festival se distingue du contexte actuel du conflit désastreux dans la région du Donbass. En fait, il agit comme un rappel éloquent de l'ancienne collaboration culturelle étroite entre l'Ukraine et la Russie et comment celle-ci se tient comme une autre victime de la guerre civile actuelle. Il y a une longue tradition de performance du théâtre classique en langue russe en Ukraine qui remonte à Stanislavski, et l'une des grandes récompenses de cette résidence actuelle est de voir à quel point cette tradition dramatique reste riche.

Cette première pièce de leur saison est mieux connue en traduction anglaise sous le titre Fortune’s Fool, écrite en 1848, et donc légèrement antérieure à Un Mois à la Campagne. Il est peut-être plus utile de la situer en disant qu'elle appartient à l'univers de son premier véritable succès, Esquisses d'un Album de Chasseur (1852), une série de nouvelles offrant des observations tragi-comiques sur des épisodes et des personnages de la vie rurale. C'est une longue pièce en un acte, qui dure deux heures, avec deux scènes principales. Il n'y a pas d'entracte, bien que dans ce cas, avec la concentration supplémentaire requise pour une performance en langue originale avec enregistrement doublé, un court entracte aurait été le bienvenu.

L'action se déroule dans un grand domaine délabré semblable à celui où Turgenev a grandi et qu'il a ensuite hérité. La jeune propriétaire et héritière dynamique, Olga Petrovna, vient de rentrer chez elle après avoir passé les sept premières années de son mariage à Moscou. Une galerie de personnages domestiques typiques, que nous connaissons tous depuis Tchekhov, plante le décor. Son mari, Yeletsky, un fonctionnaire gouvernemental guindé, plutôt âgé, organise une fête pour célébrer leur retour à la maison, à laquelle tous les voisins sont invités. Cette fête occupe la plupart de la première scène alors qu'elle dégénère toast par toast en un jeu de brutalité machiste aux conséquences désastreuses pour tous les concernés.

Au cœur de tout cela se trouve Kuzovkin, le 'pupille du manoir', l'un de ces hommes talentueux au statut social ambigu qui apparaissent régulièrement dans l'œuvre de Turgenev. Ni un gentleman de revenus indépendants ni un simple serviteur, Kuzovkin est un écrivain âgé dans la précarité qui avait des espoirs d'héritage maintenant perdus dans un différend juridique interminable. Il est resté au domaine après la mort du père d'Olga, qui était son ami et mécène, et est maintenant compréhensiblement anxieux quant à son avenir incertain. L'un des riches voisins, un dandy venimeux, Tropatchov, le méprise purement pour sa pauvreté et le pousse à une révélation sur son propre passé qui fait exploser le monde social soigneusement calibré du domaine. La deuxième moitié de la pièce, qui manque de la tension captivante de la première, est consacrée à sonder la signification de cette révélation et à en tirer les implications pour tous les personnages, qui ont différentes choses à cacher et différents actes de vengeance à accomplir.

Cette pièce ne nous est pas inconnue. Il y a eu une production notable à Chichester dans les années 1990 avec Alan Bates qui a également voyagé à Broadway; et plus récemment, le Old Vic l'a mise en scène avec Iain Glen dans le rôle de Kuzovkin. Mais avec le style de jeu inconnu proposé ici, elle semble certainement être une nouvelle pièce. Il y a un style de livraison vigoureux, parfois physiquement maniaque, qui navigue entre la représentation de la mélancolie tragique et les frasques grotesques et burlesques du théâtre de l'absurde. Ceci est bien loin du jeu britannique plus polit de la répertoire russe, qui confond parfois Tchekhov avec Rattigan, et nous montre juste les tasses de thé et non les cœurs brisés. À plusieurs reprises, il était suffisant, voire mieux, de simplement s'asseoir, écouter les belles cadences du russe parlé, et laisser le jeu physique parler de lui-même.

Il y a essentiellement quatre rôles principaux. En tant que Kuzovkin, Viktor Aldoshin a donné une performance magistrale souvent aussi épuisante à voir qu'elle devait l'être à donner. Il doit englober toute une gamme d'émotions, de la jovialité avunculaire au début à la dégradation humiliée, amère et acrimonieuse à la fin de la scène de beuverie, et une sorte de résignation visionnaire et escapiste à la fin qui entre dans le même monde mental que les dernières pages de Oncle Vania. Son engagement et son incarnation de la psychologie torturée de son personnage étaient immensément impressionnants. En tant que son Némésis vicieux et efféminé, Tropatchov, Viktor Saraikin a saisi toutes les occasions offertes par le texte pour une tentation à la Iago. Il serait une erreur de jouer ce rôle simplement comme une satire d'un certain type d'aristocrate grossier et vénal qui méprise ceux qui sont moins chanceux que lui-même. Il est bien mieux, comme ici, de creuser plus profondément : il est si efficace en tant que fauteur de troubles parce qu'il est véritablement perspicace psychologiquement et abuse de ses dons pour créer un chaos social.

Le couple dont la relation est au centre de la seconde moitié, Yeletsky (Oleg Zamiatin) et Olga (Anna Artemenko) étaient très bien assortis – lui, plus âgé, légèrement pompeux, et mal préparé à la désorientation sociale et aux révélations inconfortables; elle, girly et élégante au début mais de plus en plus déterminée une fois que sa propre situation est mise en danger. Cependant, ils n'ont pas été si bien servis par l'évocation rétrospective de la vie familiale antérieure intégrée dans la deuxième scène qui les a laissés quelque peu à l'arrêt.

Ce qui a impressionné par-dessus tout, c'est la complexité psychologique et le brio physique de la mise en scène. Le directeur Mikhail Reznikovich a dédié cette production à la mémoire de son mentor Georgy Tovstonogov, pour qui le réalisme psychologique était le talisman de la vérité dans le drame, et cet héritage était certainement visible ici. Pour ceux qui souhaitent voir ce que la libération de l'imagination de l'acteur et la quête de vérité psychologique peuvent accomplir dans un répertoire souvent considéré comme une pure curiosité d'époque, c'est vraiment une révélation, en dépit de la barrière linguistique.

Dans une production itinérante telle que celle-ci, il n'y a pas beaucoup de latitude pour des décors élaborés et de toute façon il y en avait peu besoin. À la place, nous avons eu un large arc drapé dans le style classique avec une série frappante de chiens borzoï au sommet: cela a bien servi comme division de base des zones en haut et en bas de la scène, et une certaine indication des portes intérieures. Il y avait une gamme de meubles de style d'époque, une belle table de boissons et d'amuse-gueules pour la scène de fête et c'était plus que suffisant pour suggérer l'ambiance appropriée.

Toute austérité dans le cadre a été largement compensée par les somptueux costumes d'époque pour hommes et femmes, le travail de Maria Levitskaya. Ce succès n'était pas simplement une question de coupe fine et de matériaux magnifiques, mais également due à un sens soigneux et historiquement informé des gradations sociales, avec les rangs des participants bien exprimés à travers les vêtements. En fait, on pouvait à un certain niveau lire toute l'histoire de la pièce dans l'array fanée, défraîchie et mal ajustée de vêtements donnés à Kuzovkin.

Nous sommes encore trop enclins en Occident à voir l'héritage de Stanislavski à travers les distorsions de l'Acting Method des Strasbergs. Mais quand nous avons l'occasion, comme ici, de voir toute cette tradition héritée à l'œuvre dans des matériaux qui étaient centraux pour la pratique et les intentions du fondateur, cela vous fait vraiment repenser la manière dont Tchekhov et ses contemporains devraient être traités au théâtre. La frontière entre tragédie et farce, passivité mélancolique et action absurde et maniaque est montrée comme étant très étroite et instable, et c'est à n'en pas douter une bonne chose, la meilleure manière d'assurer qu'un 'classique' reste frais et évite une patine de respectabilité docile et sûre.