RECENSIONE: Il Protetto Del Maniero, Teatro St James ✭✭✭✭

Il pupillo della tenuta

St James Theatre

09/09/15

4 stelle

‘La gente beve tè mentre i cuori si spezzano.’ - Čechov

Il Teatro Lesja Ukrajinka è attualmente in residenza allo St James Theatre con un programma intrigante dedicato a Turgenev e Čechov e ad altri autori. Benché l’intero progetto sia sponsorizzato dal Ministero della Cultura ucraino, i potenziali spettatori possono stare tranquilli: questo festival si distingue nettamente dallo sfondo dell’attuale, disastrosa guerra nel Donbass. Anzi, funziona come un eloquente promemoria della precedente, stretta collaborazione culturale tra Ucraina e Russia e di come anche questa sia diventata un’ulteriore vittima dell’attuale guerra civile. In Ucraina esiste una lunga tradizione di teatro classico in lingua russa che risale a Stanislavskij, e uno dei grandi piaceri di questa residenza è vedere quanto quella tradizione drammatica sia ancora oggi ricca e vitale.

Questo spettacolo d’apertura della stagione è forse più noto in traduzione inglese come Fortune’s Fool, scritto nel 1848 e dunque di poco precedente a Un mese in campagna. Forse è ancora più utile collocarlo dicendo che appartiene al mondo del suo primo vero successo, Memorie di un cacciatore (1852), una raccolta di racconti brevi che offre osservazioni acute, tragico-comiche, su episodi e personaggi della vita rurale. È un lungo atto unico, di due ore, articolato in due scene principali. Non c’è intervallo, anche se in questo caso – con la concentrazione extra richiesta da uno spettacolo in lingua originale con registrazione doppiata – una breve pausa sarebbe stata gradita.

L’azione è ambientata in una grande tenuta di campagna, malandata e sgangherata, simile a quella in cui Turgenev crebbe e che più tardi ereditò. La giovane e vivace proprietaria ed ereditiera, Olga Petrovna, è appena rientrata a casa dopo aver trascorso i primi sette anni di matrimonio a Mosca. Una galleria di personaggi domestici “di repertorio”, che tutti riconosciamo da Čechov, prepara la scena. Suo marito, Eleckij, un grigio funzionario governativo, piuttosto più anziano di lei, organizza una festa per celebrare il loro ritorno, invitando tutti i vicini. Questa festa occupa gran parte della prima scena e, brindisi dopo brindisi, degenera in un gioco di bullismo virile e brutale, con conseguenze fosche per tutti i presenti.

Al centro c’è Kuzovkin, il “pupillo della tenuta”: uno di quei uomini di talento dalla posizione sociale ambigua che ricorrono spesso nell’opera di Turgenev. Né gentiluomo di mezzi propri né semplice servitore, Kuzovkin è uno scrittore anziano caduto in miseria, che aveva sperato in un’eredità poi svanita in un interminabile contenzioso legale. È rimasto nella tenuta dopo la morte del padre di Olga, che era suo amico e protettore, ed è comprensibilmente in ansia per un futuro incerto. Uno dei vicini benestanti, Tropachëv, un dandy velenoso, lo disprezza unicamente per la sua povertà e lo provoca fino a strappargli una rivelazione sul proprio passato che fa saltare in aria il delicato equilibrio sociale della tenuta. La seconda metà del testo, che non raggiunge la tensione avvincente della prima, è dedicata a scandagliare il senso di quella rivelazione e a ricavarne le implicazioni per tutti i personaggi, ciascuno con qualcosa da nascondere e con la propria vendetta da consumare.

Questo testo non ci è affatto sconosciuto. C’è stata una memorabile produzione a Chichester negli anni ’90 con Alan Bates, poi approdata anche a Broadway; e più di recente l’Old Vic lo ha riproposto con Iain Glen nel ruolo di Kuzovkin. Ma con lo stile di recitazione, per noi meno familiare, che viene proposto qui, sembra davvero un’opera nuova. La restituzione è vigorosa, a tratti fisicamente frenetica: cammina su una linea sottile tra la malinconia tragica e le grottesche gag da slapstick del teatro dell’assurdo. È l’esatto opposto della più consueta, e più “educata”, tradizione britannica nel repertorio russo, che a volte scambia Čechov per Rattigan e ci mostra le tazze da tè ma non i cuori spezzati. In più di un momento era sufficiente – anzi, era meglio – sedersi, ascoltare le bellissime cadenze del russo parlato e lasciare che fosse il lavoro fisico degli attori a dire il resto.

I ruoli principali sono essenzialmente quattro. Nel ruolo di Kuzovkin, Viktor Aldošin ha offerto un’interpretazione totalizzante, spesso impegnativa da guardare quanto deve esserlo stata da sostenere. Deve attraversare un ventaglio enorme di emozioni: dalla bonomia quasi da zio all’inizio, alla degradazione amara, recriminatoria e umiliata alla fine della scena del bere, fino a una sorta di rassegnazione visionaria ed evasiva che entra nello stesso universo mentale delle ultime pagine di Zio Vanja. La sua dedizione e la capacità di abitare la psicologia torturata del personaggio sono state davvero impressionanti. Nel ruolo del suo nemico crudele e lezioso, Tropachëv, Viktor Saraikin ha colto ogni occasione del testo per una tentazione alla Iago. Sarebbe un errore interpretare il personaggio soltanto come satira di un certo tipo di aristocratico grossolano e venale che disprezza chi è meno fortunato di lui. Molto meglio, come qui, andare più a fondo: è così efficace come seminatore di zizzania perché è davvero perspicace dal punto di vista psicologico e usa i suoi doni per scatenare il caos sociale.

Come coppia al centro della seconda metà, Eleckij (Oleg Zamjatin) e Olga (Anna Artemenko) erano molto ben assortiti: lui, più anziano, un po’ pomposo e impreparato allo scompaginamento sociale e alle rivelazioni scomode; lei, all’inizio giovane e raffinata, ma sempre più determinata quando la propria posizione viene messa a rischio. Tuttavia, nella seconda scena non sono stati aiutati dall’evocazione retrospettiva della vita familiare precedente, che li ha lasciati un po’ senza slancio.

Ciò che colpisce più di tutto è la complessità psicologica e la bravura fisica della recitazione. Il regista Mykhailo Reznikovych ha dedicato questa produzione alla memoria del suo mentore Georgij Tovstonogov, per il quale il realismo psicologico era il talismano della verità in teatro; e questa eredità si è vista chiaramente. Per chi voglia capire cosa possano ottenere la liberazione dell’immaginazione dell’attore e la ricerca della verità psicologica in un repertorio spesso liquidato come mera curiosità d’epoca, questa è davvero una rivelazione, barriera linguistica o no.

In una produzione in tournée come questa non c’è molto spazio per scenografie elaborate e, in ogni caso, ce n’era ben poca necessità. Al loro posto, un ampio arco drappeggiato in stile classico con, sopra, un notevole gruppo di cani borzoi: un elemento che funzionava bene come divisione di base tra zone in fondo scena e in primo piano, e come accenno a porte e interni. C’erano poi alcuni eleganti arredi d’epoca, un bel tavolo di bevande e stuzzichini per la scena della festa: più che sufficienti a suggerire l’atmosfera giusta.

Ogni austerità dell’allestimento era ampiamente compensata dai sontuosi costumi d’epoca, per uomini e donne, firmati Maria Levitskaya. Il risultato non dipendeva soltanto dalla buona sartoria e dai materiali splendidi, ma anche da un senso accurato e storicamente informato delle gradazioni sociali, con i ranghi dei partecipanti espressi con chiarezza attraverso l’abbigliamento. In effetti, a un certo livello, si potrebbe leggere l’intera storia del personaggio nella gamma scolorita, lacera e malcerta dei vestiti troppo larghi e fuori misura assegnati a Kuzovkin.

In Occidente siamo ancora fin troppo inclini a vedere l’eredità di Stanislavskij attraverso le distorsioni del Method Acting degli Strasberg. Ma quando ci capita, come qui, di osservare all’opera quella tradizione ereditaria nella sua pienezza, applicata a materiali che erano centrali nella pratica e nelle intenzioni del fondatore, ci porta davvero a ripensare il modo in cui Čechov e i suoi contemporanei dovrebbero essere messi in scena. Il confine tra tragedia e farsa, tra passività malinconica e azione assurda e maniacale, si rivela sottilissimo e instabile: e non può che essere un bene, il modo migliore per fare in modo che un “classico” resti fresco ed eviti la patina di una rispettabilità addomesticata e rassicurante.