RECENSIE: The Ward Of The Manor, St James Theatre ✭✭✭✭

The Ward Of The Manor

St James Theatre

09/09/15

4 Sternen

‘Mensen drinken thee terwijl hun hart breekt.’ – Tsjechov

Het Lesya Ukrainka-theater is momenteel te gast in het St James Theatre met een intrigerend programma van Toergenjev, Tsjechov en andere schrijvers. Hoewel het hele project wordt gesponsord door het Oekraïense ministerie van Cultuur, kunnen theaterliefhebbers gerust zijn: dit festival staat volledig los van de huidige tragische conflicten in de Donbass-regio. Sterker nog, het dient als een krachtige herinnering aan de voormalige nauwe culturele samenwerking tussen Oekraïne en Rusland, en hoe dat partnerschap nu een van de vele slachtoffers is van de huidige burgeroorlog. Oekraïne kent een lange traditie van klassiek Russischtalig theater die teruggaat tot Stanislavski, en een van de grote pluspunten van deze gastreeks is om te zien hoe vitaal die dramatische traditie nog altijd is.

Dit openingsstuk van het seizoen is bij ons waarschijnlijk bekender onder de titel Het voordeel van de twijfel (of Fortune’s Fool), geschreven in 1848, kort voor Een maand op het land. Wellicht is het makkelijker te plaatsen als we zeggen dat het tot de wereld behoort van zijn eerste echte succes, Jagersverhalen (1852) – een reeks korte verhalen met scherpe, tragikomische observaties over personages van het platteland. Het is een lang toneelstuk in één bedrijf dat twee uur duurt en uit twee hoofdscènes bestaat. Er is geen pauze, hoewel dat in dit geval, gezien de extra concentratie die nodig is voor een voorstelling in de oorspronkelijke taal met een gedubde opname, best welkom zou zijn geweest.

Het verhaal speelt zich af op een groot, vervallen landgoed, vergelijkbaar met het landgoed waar Toergenjev opgroeide en dat hij later erfde. De levendige jonge erfgename, Olga Petrovna, is net teruggekeerd na de eerste zeven jaar van haar huwelijk in Moskou te hebben doorgebracht. Een bonte verzameling huisgenoten en bedienden – types die we allemaal kennen van Tsjechov – vormt het decor. Haar echtgenoot Jeljetski, een stijve ambtenaar die een stuk ouder is dan zij, geeft een feestje ter ere van hun thuiskomst waarvoor alle buren zijn uitgenodigd. Dit feest beslaat het grootste deel van de eerste scène en ontaardt toast na toast in een wreed, macho machtsspel met grimmige gevolgen voor alle betrokkenen.

Centraal staat Koezovkin, de ‘beschermeling van het landgoed’, een van die getalenteerde mannen met een ambigue sociale status die vaker voorkomen in het werk van Toergenjev. Hij is geen edelman met eigen middelen, maar ook geen gewone bediende. Koezovkin is een oudere schrijver die in armoede is vervallen en wiens hoop op een erfenis verloren is gegaan in een eindeloos juridisch getouwtrek. Na de dood van Olga’s vader, die zijn vriend en beschermheer was, is hij op het landgoed blijven wonen, begrijpelijkerwijs angstig over zijn onzekere toekomst. Een van de rijke buren, de kwaadaardige dandy Tropatsjov, veracht hem puur om zijn armoede en provoceert hem tot een onthulling over zijn verleden die de zorgvuldig in stand gehouden sociale pikorde op het landgoed volledig op scherp zet. Het tweede deel van het stuk mist de meeslepende spanning van het eerste deel en richt zich vooral op het onderzoeken van de gevolgen van die onthulling voor alle personages, die elk hun eigen geheimen en wraakgevoelens koesteren.

Dit stuk is voor de echte theaterliefhebber zeker niet onbekend; in de jaren negentig was er een geprezen productie in Chichester met Alan Bates die zelfs Broadway haalde. Maar door de ongewone acteerstijl die hier wordt getoond, voelt het echt als een nieuw stuk. Er is sprake van een energieke, soms bijna manische speelstijl die balanceert op de grens tussen tragische melancholie en de groteske, slapstick-achtige trekjes van het absurdistisch theater. Dit staat mijlenver af van de keurige, ingetogen Britse benadering van het Russische repertoire, waarbij Tsjechov soms wordt verward met Rattigan en we alleen de theekopjes zien in plaats van de gebroken harten. Op verschillende momenten was het genoeg, zelfs beter, om gewoon achterover te leunen, te luisteren naar de prachtige cadans van het Russisch en het fysieke actospel voor zich te laten spreken.

In de kern zijn er vier hoofdrollen. Als Koezovkin gaf Viktor Aldoshin een overweldigende vertolking die even uitputtend was om naar te kijken als om te spelen. Hij doorloopt een enorm scala aan emoties: van goedmoedige vrolijkheid aan het begin tot bittere, vernederende degradatie aan het einde van de drinkscène, eindigend in een soort visionaire berusting die doet denken aan de laatste pagina's van Oom Vanja. Zijn toewijding aan de getergde psychologie van zijn personage was indrukwekkend. Viktor Saraikin, als zijn vileine, ijdele aartsvijand Tropatsjov, benutte alle kansen in de tekst voor een Jago-achtige verleiding. Het zou een fout zijn om deze rol puur als een satire op een grove, corrupte aristocraat neer te zetten. Juist door dieper te graven – zoals hier gebeurt – wordt hij effectief: hij is zo’n succesvolle onruststoker omdat hij psychologisch scherpzinnig is en zijn gaven misbruikt om sociale chaos te stichten.

Als het echtpaar wiens relatie centraal staat in de tweede helft, waren Jeljetski (Oleg Zamiatin) en Olga (Anna Artemenko) uitstekend aan elkaar gewaagd – hij, de oudere, ietwat pompeuze man die niet voorbereid is op sociale ontwrichting; zij, meisjesachtig en elegant aan het begin, maar steeds harder zodra haar eigen positie in gevaar komt. Toch kwamen zij minder goed uit de verf in de terugblikken naar het eerdere gezinsleven in de tweede scène, waardoor hun momentum wat wegviel.

Wat bovenal indruk maakte, was de psychologische complexiteit en de brute fysieke kracht van het acteren. Regisseur Mikhail Reznikovich droeg deze productie op aan de nagedachtenis van zijn mentor Georgy Tovstonogov, voor wie psychologisch realisme de kern van waarheid in drama was. Die erfenis was hier overduidelijk zichtbaar. Voor wie wil zien wat de verbeeldingskracht van een acteur en het streven naar psychologische waarheid kunnen bereiken in een genre dat vaak als een louter historisch curiosum wordt gezien, is dit echt een openbaring, taalbarrière of niet.

Bij een reizende productie als deze is er weinig ruimte voor een uitgebreid decor, en dat was eigenlijk ook niet nodig. In plaats daarvan hadden we een brede, klassiek gedrapeerde boog met een opvallende rij borzoi-honden erop: dit werkte goed als verdeling tussen de verschillende speelvlakken en gaf een suggestie van het interieur. Met wat stijlvol antiek meubilair en een goedgevulde tafel voor de feestscène werd de juiste sfeer moeiteloos neergezet.

Eventuele soberheid in het decor werd ruimschoots gecompenseerd door de weelderige kostuums voor zowel de mannen als de vrouwen, van de hand van Maria Levitskaya. Het succes zat hem niet alleen in de verfijnde snit en de prachtige stoffen, maar ook in het scherpe oog voor historische sociale rangen; de status van de aanwezigen was perfect af te lezen aan hun kleding. In feite kon je het hele verhaal al aflezen aan de vale, versleten en slecht zittende kleding van Koezovkin.

In het Westen zijn we nog te vaak geneigd om de nalatenschap van Stanislavski te zien door de vervormde bril van ‘The Method’ van de Strasbergs. Maar wanneer we de kans krijgen om die volledige traditie aan het werk te zien in het materiaal dat aan de basis lag van de visie van de grondlegger, dwingt dat je echt tot een herwaardering van hoe Tsjechov en zijn tijdgenoten gespeeld moeten worden. De grens tussen tragedie en farce, tussen melancholische passiviteit en manische absurditeit, blijkt flinterdun en instabiel. Dat is alleen maar goed; het is de beste manier om te zorgen dat een ‘klassieker’ fris blijft en niet ten onder gaat aan een laagje saaie, veilige deftigheid.