RECENSION: The Ward Of The Manor, St James Theatre ✭✭✭✭

The Ward Of The Manor

St James Theatre

09/09/15

4 stjärnor

‘Folk dricker te medan deras hjärtan brister.’ – Tjechov

Lesya Ukrainka-teatern gästar just nu St James Theatre med ett fascinerande program av Turgenjev, Tjechov och andra författare. Även om hela projektet sponsras av det ukrainska kulturministeriet kan teaterbesökare sitta lugnt i båten – den här festivalen står helt fritt från den tragiska bakgrunden med konflikten i Donbass. Faktum är att den fungerar som en vältalig påminnelse om det tidigare nära kulturella samarbetet mellan Ukraina och Ryssland, och hur detta blivit ännu ett offer i det pågående inbördeskriget. Det finns en lång tradition av att framföra ryska klassiker i Ukraina som sträcker sig tillbaka till Stanislavskij, och en av de stora behållningarna med detta gästspel är att se hur rik den dramatiska traditionen fortfarande är.

Säsongens öppningspjäs är mer känd under den engelska titeln Fortune’s Fool (i Sverige ibland som En herreman på dekis). Den skrevs 1848 och föregår därmed En månad på landet med några år. Ett bättre sätt att placera in den är kanske att säga att den tillhör samma värld som hans första riktiga framgång, En jägares dagbok (1852), en serie noveller med skarpsynta, tragikomiska observationer av karaktärer från landsbygden. Det är en lång enakts-pjäs på två timmar uppdelad på två huvudsakliga scener. Det ges ingen paus, vilket i det här fallet – med den extra koncentration som krävs för en föreställning på originalspråk med tolkning via hörlurar – hade varit välkommet.

Handlingen utspelar sig på ett stort, förfallat gods, likt det som Turgenjev själv växte upp på och senare ärvde. Den livliga unga arvingen Olga Petrovna har precis återvänt hem efter att ha tillbringat sina första sju år som gift i Moskva. Ett galleri av klassiska hushållskaraktärer som vi känner igen från Tjechov sätter scenen. Hennes man, Jeletskij, en stelbent tjänsteman som är betydligt äldre än hon själv, ställer till med fest för att fira hemkomsten och bjuder in alla grannar. Denna fest upptar större delen av den första scenen och urartar skål för skål till en rå och brutal mobbningslek med dystra konsekvenser för alla inblandade.

I centrum för detta står Kuzovkin, ”godsets skyddsling”, en av dessa begåvade män med oklar social status som ofta dyker upp i Turgenjevs verk. Han är varken adelsman eller tjänare, utan en äldre skribent på dekis som hoppades på ett arv som nu gått förlorat i en evighetslång rättstvist. Han har stannat kvar på godset efter att Olgas far, tillika hans vän och beskyddare, gått bort, och han är nu förståeligt nog orolig för sin framtid. En av de rika grannarna, den giftiga dandy-figuren Tropatjov, föraktar honom enbart för hans fattigdom och provocerar honom till att avslöja hemligheter om sitt förflutna – ett avslöjande som krossar godsets noggrant kalibrerade sociala ordning. Pjäsens andra hälft saknar den första delens gripande spänning och ägnas i stället åt att utforska innebörden av detta avslöjande och dess konsekvenser för karaktärerna, som alla bär på egna hemligheter och hämndlystnad.

Pjäsen är ingalunda okänd för oss; Alan Bates spelade huvudrollen i en hyllad uppsättning i Chichester på 90-talet, och mer nyligen satte Old Vic upp den med Iain Glen. Men med den speciella skådespelarstil som bjuds här känns det verkligen som en helt ny pjäs. Det är ett kraftfullt, ibland nästan maniskt uttryck som balanserar på den tunna linjen mellan tragiskt vemod och det absurdas groteska slapstick. Detta ligger milsvid från den sedvanliga, mer städade brittiska tolkningen av rysk repertoar, där man ibland förväxlar Tjechov med Terence Rattigan och bara visar oss tekopparna men aldrig de krossade hjärtana. Vid flera tillfällen räckte det – och var faktiskt bättre – att bara luta sig tillbaka, lyssna på den ryska dialogens vackra kadens och låta det fysiska skådespeleriet tala för sig själv.

Det finns i princip fyra huvudroller. Som Kuzovkin gav Viktor Aldosjin en totalprestation som ofta var lika utmattande att titta på som den måste ha varit att genomföra. Han tvingas spänna över ett enormt känsloregister, från inledande jovialitet till bitter, anklagande och förödmjukad degradering i slutet av fyllescenen, för att landa i en sorts visionär uppgivenhet som för tankarna till slutscenerna i Onkel Vanja. Hans hängivenhet och förmåga att förkroppsliga karaktärens plågade psykologi var djupt imponerande. Som hans elaka, snobbiga motpart Tropatjov tog Viktor Saraikin vara på varje tillfälle i texten för frestelser i stil med Jago. Det vore ett misstag att bara spela rollen som en satir över en dryg aristokrat; det är mycket mer effektivt att, som här, gräva djupare. Han lyckas skapa kaos just för att han är psykologiskt skarpsynt och missbrukar sin begåvning för att sömma upp den sociala väven.

Som paret vars relation står i centrum under andra hälften var Jeletskij (Oleg Zamiatin) och Olga (Anna Artemenko) mycket välmatchade – han, äldre och pompös, helt oförberedd på social turbulens; hon, flickaktig och elegant till en början men alltmer hårdhudad när hennes egen situation hotas. De gynnades dock inte helt av de tillbakablickar på familjelivet som vävts in i den andra scenen, vilket gjorde att energin stundtals planade ut.

Det som imponerade mest var den psykologiska komplexiteten och den fysiska bravuren i agerandet. Regissören Mikhail Reznikovich tillägnade uppsättningen minnet av sin mentor Georgij Tovstonogov, för vilken psykologisk realism var dramatikens sanning, och det arvet syntes tydligt här. För den som vill se vad en frigjord konstnärlig fantasi och strävan efter psykologisk sanning kan åstadkomma i en repertoar som ofta avfärdas som museal, är detta en verklig ögonöppnare, språkbarriären till trots.

I en gästspelsturné som denna finns inte utrymme för avancerad scenografi, och egentligen behövdes det inte heller. Istället möttes vi av en bred, draperad valvöppning i klassisk stil med en slående uppsättning borzoihundar [statyer] ovanpå. Detta fungerade utmärkt som rumsindelning och antydde interiörer. En uppsättning stilmöbler och ett välfyllt bord med dryck och tilltugg för festscenen var mer än tillräckligt för att skapa rätt atmosfär.

Eventuell enkelhet i scenografin kompenserades mer än väl av Maria Levitskayas praktfulla tidstypiska kostymer. Framgången låg inte bara i det fina hantverket och de vackra materialen, utan också i en historiskt medveten känsla för social status, där karaktärernas rang tydligt uttrycktes genom kläderna. Faktum är att man nästan kunde läsa hela pjäsens handling i Kuzovkins blekta och slitna plagg.

I väst tenderar vi fortfarande att se Stanislavskijs arv genom linsen av Strasbergs ”Method Acting”. Men när vi får chansen att, som här, se den genuina traditionen applicerad på material som var centralt för dess grundare, tvingas man verkligen tänka om kring hur Tjechov och hans samtida bör spelas. Gränsen mellan tragedi och fars, melankolisk passivitet och manisk absurdism visar sig vara mycket hårfin och instabil. Och det är bara positivt – det är det bästa sättet att se till att en ”klassiker” förblir vital och slipper lagret av tam och trygg respektabilitet.