CRITIQUE : Yarico, London Theatre Workshop ✭✭✭

Liberty Buckland dans le rôle de Yarico et Alex Spinney dans le rôle de Thomas Inkle. Photo : Honeybunn Photography Yarico

London Theatre Workshop

3 mars

3 étoiles

Selon le programme, il s'agit de « l'histoire d'amour qui a changé le cours de l'histoire », « l'un des récits anti-esclavagistes les plus connus et les plus captivants du XVIIIe siècle », qui « a continué à être raconté tout au long du XIXe siècle à travers les Caraïbes et aux États-Unis, où il a finalement été subsumé par l'histoire indigène de Pocahontas. » Bien que la prétention d'avoir changé le cours de l'histoire puisse être discutable, il ne fait aucun doute que le conte de Yarico a une puissance et une universalité qui en font un sujet presque parfait pour un traitement en tant que comédie musicale ou opéra.

Un naufrage. Une enfant, abandonnée par les siens, laissée pour être élevée par des autochtones, avec seulement un livre de Shakespeare comme lien avec « le monde réel ». Un Anglais dissolu, rongé par une addiction au jeu, jeté par-dessus bord et échoué sur le rivage, pour être sauvé par la belle héroïne exotique, l'éponyme Yarico, à la fois physiquement et spirituellement. Le sens de la communauté, évident chez les autochtones paisibles et heureux qui habitent l'île que Yarico a appelée chez elle pendant la majeure partie de sa vie. Le sens de la dysfonction suprême évident dans les vies et les actions « cultivées » des Blancs « civilisés » d'Angleterre. Les divers points où les deux cultures se heurtent. Un moment où l'insouciance, née d'une stupidité incontrôlée, conduit à une trahison qui détruit deux vies, ou semble le faire. Une grossesse enchaînée. Une vie de servitude. Des propriétaires d'esclaves ignorants et indifféremment brutaux. Une chance de liberté. Une trahison d'un autre genre. Un feu rugissant. Rédemption.

Les éléments narratifs offrent un véritable champ d'exploration pour une œuvre d'intensité dramatique et d'exhilaration musicale. Yarico, une nouvelle comédie musicale de Carl Miller (livret et paroles), James McConnell (musique) et Paul Leigh (paroles), actuellement en première saison au London Theatre Worksop, est une tentative audacieuse de créer une comédie musicale pour notre époque à partir de ce conte d'autrefois. Le fait qu'elle réussisse aussi bien qu'elle le fait témoigne de la vision des créateurs et de la partition de McConnell qui, bien que inconsistante, contient de nombreux moments merveilleux.

Les nouvelles comédies musicales, comme les orchidées précieuses, nécessitent beaucoup de soins coûteux et détaillés, si elles veulent s'épanouir pleinement. Vue comme une présentation en atelier, la mise en scène d'Emily Gray de Yarico réussit à démontrer les possibilités de la pièce et montre clairement ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. La bonne nouvelle est que même les sections qui ne fonctionnent pas particulièrement bien fonctionnent encore mieux, ou au moins pas pire que, les séquences dans les comédies musicales actuellement à l'affiche dans le West End (comme les horribles séquences Harold Wilson ou Mr Tooley dans Made In Dagenham). Et elle le fait avec des ressources minimales et un engagement maximal.

Sarah Beaton propose un décor astucieux – des surfaces noires polies et des morceaux de canne utilisés pour évoquer une atmosphère exotique. C'est simple mais remarquablement efficace, et l'utilisation de la canne s'avère être une inspiration lorsque l'action se déplace vers une plantation de canne. Sans argent pour de telles choses, les costumes sont également très efficaces, et il y a un sens dans les associations de divers types de vêtements qui établissent la période et distinguent entre les divers rôles que jouent les acteurs.

Zara Nunn, en tant que directrice musicale, maintient un contrôle ferme et parvient à atteindre d'excellents moments malgré les ressources limitées. Au cœur de la partition se trouve la percussion et le travail de Chris Brice est exemplaire ; rythmique et hypnotique, fournissant l'épine dorsale à l'accompagnement musical d'une manière qui complète parfaitement le récit. Il y avait un excellent travail de la part de tous les membres du groupe de quatre personnes, surtout dans le deuxième acte plus mélodieux et émouvant. Nunn apporte également un beau son vocal chaud et captivant de la part des interprètes lorsqu'ils chantent les grands hymnes ; les mélodies et les harmonies sont mises en valeur.

Des mouvements stylisés et des images scéniques contribuent également à la clarté de la narration. Le conte saute d'un endroit à l'autre, d'un ensemble de personnages à un autre, plus d'une fois, et le travail de Jeanefer Jean-Charles en tant que chorégraphe aide à tout cela. En particulier dans les sections plus tribales, le mouvement est fascinant et capte l'intérêt du public sans difficulté.

Certaines des choix de mise en scène de Gray ne semblaient pas parfaitement préparer le terrain pour le succès de l'œuvre. Le casting sans distinction de couleur est présent de nos jours. Mais il n'atteint pas toujours les résultats souhaités. Lorsqu'une histoire inconnue est racontée d'une nouvelle façon, et que cette histoire repose fondamentalement sur des pensées dépassées sur la couleur de peau, il est plus qu'un peu difficile de faire correspondre la réflexion à l'interprétation lorsque ce type de casting entre en jeu. Cela a été accentué, à certains égards, par l'utilisation des accents ; il n'y avait pas de cohérence d'approche qui facilitait le suivi de l'intrigue. Cela dit, après un certain temps, les techniques employées par Gray ont atteint une sorte de cohérence, de sorte que, surtout dans le deuxième acte, les changements de costume et d'accent sont devenus partie intégrante du langage de communication : ce n'était pas une question de noir et blanc, mais plutôt « Maintenant, qui est-ce ? » lorsqu'une scène ou un costume changeait.

Dans sa forme actuelle, la pièce est trop pesante. Le deuxième acte est bien plus assuré que le premier acte et il est nécessaire de revoir le matériel (dans certains cas, de l'augmenter) afin de se concentrer sur le récit de Yarico elle-même. Comme s'il existait un « Guide d'écriture de comédie musicale », le livret accorde beaucoup d'attention à deux personnages secondaires, Cicero et Nono, mais c'est une erreur. Le temps accordé à ces personnages pourrait être mieux utilisé pour explorer la vie de Yarico. Il ne s'agit pas de la façon dont ces personnages ont été joués, mais de la priorité donnée à la narration et de la manière de maximiser l'impact de la comédie musicale dans son ensemble.

De même, la partition de McConnell nécessite un travail dans le premier acte. Le deuxième acte démontre sa capacité à écrire d'excellentes chansons de scène, allant de numéros comiques qui établissent magnifiquement la scène (Chocolate, Take A Step) à de grands numéros entraînants et palpitants (The Things We Carry With Us, The Same And Not The Same et Spirit Eternal). Le premier acte a besoin de plus de son attention, surtout dans la musique fournie pour le personnage masculin central, l'amant et traître de Yarico, Thomas. Ce personnage a besoin de musique qui reflète les fantômes qui le hantent et la joie que Yarico lui apporte - sa décomposition dans The Dice Game pourrait bénéficier d'une participation musicale accrue pour lui - c'est d'une certaine manière, le moment Suicide de Javert pour ce personnage, un auto-prendre de conscience graphique le submergeant. Une attention accrue à la musique pour le parcours spécifique des deux personnages principaux porterait ici ses fruits.

Ce qui rend l'expérience entière digne d'être vue et savourée, c'est la performance centrale exceptionnelle de Liberty Buckland dans le rôle de Yarico. Buckland a une voix merveilleuse, pleine de couleur et d'expression, et elle sait parfaitement comment l'utiliser au mieux. Elle est aussi une actrice intelligente et captivante et elle imprègne son rôle difficile d'une réelle grâce.

Il y a un excellent travail de personnage de la part de Melanie Marshall (Ma Cuffe), Tori Allen-Martin (Nona), Keisha Amponsa Banson (Jessica - un cours magistral sur la façon de faire quelque chose à partir de très peu) et Charlotte E Hamblin (la terrible Lady Worthy). Michael Mahoney est impressionnant dans le rôle de Frank et plus d'une fois on s'est demandé ce qu'il aurait pu faire de Cicero, un rôle pour lequel Jean-Luke Worrell semblait être un choix improbable.

Alex Spinney a une voix excellente et assurée, légère et agile, et il n'éprouve certainement aucune difficulté à jouer le rôle principal attractif, mais il semblait trop pur et joli pour le genre de vie et d'addictions que l'histoire indique qui font de Thomas Inkle ce qu'il est. Il n'y avait pas suffisamment de chimie entre Spinney et Buckland et cela, associé à l'absence de matériel musical qui donnait vraiment un aperçu de leur convoitise/amour/besoin pour l'autre, a eu pour résultat que le personnage paraissait plus fade que ce qui devait être prévu. Thomas est brut et irrégulier là où Spinney est lisse et crémeux ; ce n'était pas un casting idéal, mais un interprète à surveiller. En effet, Spinney a fait un excellent travail dans tous les autres rôles qu'il a joués, surtout dans le numéro Chocolate.

En y repensant, il y avait un vrai fossé entre les actes. Dès que le deuxième acte s'est terminé, j'ai eu envie de le revoir, d'écouter à nouveau cette musique. Le premier acte n'a pas suscité le même niveau d'intérêt intense et impliqué. C'est une question pour le matériel – avec focus, et un peu de retravail et d'accordement, Yarico pourrait être tout à fait remarquable. L'histoire est engageante (où ailleurs pouvez-vous trouver une fusion de Shakespeare avec l'esclavage ?), les personnages sont intrigants et la partition est déjà excellente à bien des égards.

Un coup de chapeau aux producteurs John et Jodie Kidd pour avoir donné vie à cette nouvelle comédie musicale. Elle mérite d'être vue tant pour le talent du casting que pour le potentiel de dire, quelque temps dans les années à venir, « J'ai vu cette première production de LTW vous savez » dans un foyer du West End.

Yarico se joue au London Theatre Workshop jusqu'au 28 mars 2015.