RECENSIONE: Yarico, London Theatre Workshop ✭✭✭

Liberty Buckland nel ruolo di Yarico e Alex Spinney in quello di Thomas Inkle. Foto: Honeybunn Photography Yarico

London Theatre Workshop

3 marzo

3 stelle

Secondo il programma di sala, questa è «la storia d’amore che ha cambiato il corso della storia», «uno dei racconti abolizionisti più noti e avvincenti del XVIII secolo», che «ha continuato a essere tramandato fino a ben dentro il XIX secolo nei Caraibi e negli Stati Uniti, dove alla fine è stato assorbito dalla storia indigena di Pocahontas». Che abbia davvero cambiato il corso della storia è discutibile; ma non c’è dubbio che la vicenda di Yarico abbia una forza e un’universalità che la rendono un soggetto quasi perfetto per un musical o un’opera.

Un naufragio. Una bambina, abbandonata dalla sua gente, cresciuta dagli indigeni, con un solo libro di Shakespeare come legame con «il mondo reale». Un inglese dissoluto, divorato dalla dipendenza dal gioco, gettato in mare e trascinato a riva, salvato dalla bella ed esotica eroina, la Yarico del titolo, nel corpo e nello spirito. Il senso di comunità, evidente negli indigeni pacifici e felici che abitano l’isola che Yarico chiama casa per gran parte della sua vita. Il senso di suprema disfunzione che traspare nelle vite e nelle azioni «colte» dei bianchi inglesi «civilizzati». I vari punti in cui le due culture si scontrano. Un momento in cui l’incoscienza, figlia di una stupidità senza freni, conduce a un tradimento che distrugge due vite — o sembra farlo. Una gravidanza in catene. Una vita di servitù. Padroni di schiavi ignoranti e brutalmente indifferenti. Una possibilità di libertà. Un tradimento di altro tipo. Un fuoco ruggente. Redenzione.

Gli elementi narrativi offrono un vero terreno fertile per un lavoro di grande intensità drammatica ed esaltazione musicale. Yarico, nuovo musical di Carl Miller (libretto e testi), James McConnell (musiche) e Paul Leigh (testi), ora alla sua stagione di debutto al London Theatre Workshop, è un tentativo di bravura: modellare un musical per i nostri tempi a partire da un racconto di molto tempo fa. Che riesca così bene è merito della visione del team creativo e della partitura di McConnell che, pur con qualche disomogeneità, contiene molti momenti splendidi.

I nuovi musical, come orchidee da concorso, richiedono cure costose e meticolose se devono sbocciare al massimo del loro potenziale. Vista come presentazione in forma di workshop, la regia di Emily Gray di Yarico riesce a mettere in luce le potenzialità del pezzo, mostrando con chiarezza ciò che funziona e ciò che non funziona. La buona notizia è che persino le sezioni meno riuscite funzionano comunque meglio — o almeno non peggio — di certi passaggi in musical attualmente in scena nel West End (come le terrificanti sequenze di Harold Wilson o Mr Tooley in Made In Dagenham). E lo fa con risorse minime e il massimo dell’impegno.

Sarah Beaton firma una scenografia intelligente: superfici nere lucide e elementi in canna per evocare un’atmosfera esotica. È semplice ma sorprendentemente efficace, e l’uso della canna si rivela un’idea ispirata quando l’azione si sposta in una piantagione di canna da zucchero. Senza budget per grandi apparati, anche i costumi risultano molto efficaci: gli abbinamenti fra capi di vario tipo definiscono l’epoca e distinguono tra i diversi ruoli interpretati dal cast.

Zara Nunn, in qualità di direttrice musicale, mantiene un controllo saldo e riesce a ottenere momenti eccellenti nonostante le risorse limitate. Al centro della partitura c’è la sezione percussiva e il lavoro di Chris Brice è esemplare: ritmico e ipnotico, fornisce la spina dorsale dell’accompagnamento in modo da potenziare perfettamente la narrazione. Ottimo il contributo di tutti i membri della band di quattro elementi, soprattutto nel secondo atto, più melodico e trascinante. Nunn inoltre ottiene dal cast un suono vocale bello, caldo e magnetico nei grandi brani corali; melodie e armonie vengono valorizzate appieno.

Movimenti stilizzati e quadri scenici contribuiscono anche alla chiarezza del racconto. La storia salta da un luogo all’altro, da un gruppo di personaggi a un altro, più di una volta, e il lavoro di Jeanefer Jean-Charles come coreografa aiuta a tenere tutto insieme. In particolare nelle sezioni più tribali, il movimento è inquietante e cattura l’attenzione del pubblico senza difficoltà.

Alcune scelte registiche di Gray non sembravano spianare la strada al successo del lavoro con la necessaria fluidità. Oggi il casting “colour-blind” è diffusissimo. Ma non sempre ottiene i risultati desiderati. Quando una storia poco conosciuta viene raccontata in modo nuovo, e quella storia si fonda in modo essenziale su un modo di pensare superato riguardo al colore della pelle, diventa più che un po’ difficile conciliare il sottotesto con ciò che avviene in scena quando entra in gioco il casting colour-blind. In parte questo è stato accentuato anche dall’uso degli accenti: mancava una coerenza d’impostazione che rendesse più semplice seguire la trama. Detto ciò, col tempo le tecniche impiegate da Gray hanno raggiunto una sorta di coerenza, così che, soprattutto nel secondo atto, cambi di costume e di accento sono diventati parte del linguaggio di comunicazione: non era tanto una questione di bianco e nero, quanto piuttosto di «E ora, chi è questo?» ogni volta che cambiavano scena o costume.

Nella forma attuale, lo spettacolo è troppo macchinoso. Il secondo atto è molto più sicuro del primo e occorre lavorare per snellire il materiale (in alcuni casi, ampliarlo) in modo da concentrarsi sul racconto di Yarico stessa. Quasi come se ci fosse un qualche «Manuale per scrivere Musical Theatre», il libretto dedica moltissimo spazio a due personaggi secondari, Cicero e Nono, ma è una scelta fuorviante. Il tempo concesso a quei personaggi potrebbe essere impiegato più utilmente per esplorare la vita di Yarico. Non è una critica a come quei ruoli siano stati interpretati, bensì alle priorità della narrazione e a come ottenere il miglior impatto complessivo del musical.

Allo stesso modo, la partitura di McConnell ha bisogno di lavoro nel primo atto. Il secondo atto dimostra la sua capacità di scrivere ottimi brani da musical, spaziando dai numeri comici che ambientano splendidamente le scene (Chocolate, Take A Step) a grandi pezzi energici e trascinanti (The Things We Carry With Us, The Same And Not The Same e Spirit Eternal). Il primo atto richiede maggior cura, soprattutto nella musica riservata al personaggio maschile centrale, amante e traditore di Yarico, Thomas. Quel personaggio ha bisogno di musica che rifletta i fantasmi che lo perseguitano e la gioia che Yarico gli porta — il suo crollo in The Dice Game beneficerebbe di un coinvolgimento musicale più incisivo per lui —: in un certo senso è il momento alla Javert’s Suicide per questo personaggio, una brutale presa di coscienza che lo travolge. Una maggiore attenzione, nella musica, al percorso specifico dei due protagonisti ripagherebbe ampiamente.

Ciò che rende l’esperienza complessiva davvero degna di essere vista e assaporata è la straordinaria prova centrale di Liberty Buckland nel ruolo di Yarico. Buckland ha una voce meravigliosa, ricca di colore ed espressione, e sa esattamente come usarla al meglio. È anche un’attrice intelligente e coinvolgente, e conferisce al suo ruolo complesso una grazia autentica.

Ottimo il lavoro sui personaggi di Melanie Marshall (Ma Cuffe), Tori Allen-Martin (Nona), Keisha Amponsa Banson (Jessica — una masterclass nel ricavare molto da pochissimo) e Charlotte E Hamblin (la terrificante Lady Worthy). Michael Mahoney è notevole nei panni di Frank e più di una volta ci si è chiesti cosa avrebbe potuto fare con Cicero, un ruolo per il quale Jean-Luke Worrell è parso una scelta poco convincente.

Alex Spinney ha una voce eccellente e sicura, leggera e agile, e di certo non fatica a incarnare l’affascinante protagonista maschile, ma è sembrato troppo puro e grazioso per il tipo di vita e di dipendenze che, secondo la storia, fanno di Thomas Inkle ciò che è. Tra Spinney e Buckland c’era poca chimica e questo, unito alla mancanza di materiale musicale che offrisse un vero sguardo sulla loro brama/amore/bisogno reciproco, ha fatto sì che il personaggio risultasse più anodino di quanto probabilmente fosse nelle intenzioni. Thomas è ruvido e spigoloso, mentre Spinney è levigato e cremoso; non è un abbinamento ideale, ma è un interprete da tenere d’occhio. Del resto, Spinney ha fatto un lavoro eccellente in tutti gli altri ruoli che ha interpretato, soprattutto nel numero Chocolate.

A ripensarci, sembrava esserci un vero abisso tra i due atti. Appena finito il secondo atto, avevo voglia di rivederlo, di riascoltare quella musica. Il primo atto non ha suscitato lo stesso livello di partecipazione intensa. È una questione di materiale: con maggiore focalizzazione e qualche revisione e messa a punto, Yarico potrebbe diventare davvero notevole. La storia è coinvolgente (dove mai si trova una fusione tra Shakespeare e la schiavitù?), i personaggi sono intriganti e la partitura è già eccellente sotto molti aspetti.

Onore ai produttori John e Jodie Kidd per aver dato vita a questo nuovo musical. Vale davvero la pena vederlo, sia per il talento del cast sia per la possibilità di poter dire, un giorno, tra qualche anno, nel foyer di un teatro del West End: «Io ho visto la primissima produzione LTW, sai».

Yarico è in scena al London Theatre Workshop fino al 28 marzo 2015.