리뷰: 인 더 하이츠, 킹스 크로스 극장 ✭✭✭✭✭

뮤지컬 인 더 하이츠 출연진. 사진: Johan Persson 인 더 하이츠

킹스 크로스 극장

15/10/2015

별점 5점

티켓 예매 듀크 엘링턴과 빌리 스트레이혼이 우리에게 ‘A-트레인을 타라(Take the A-train)’고 권했을 때, 그들이 목적지로 떠올린 곳은 할렘이었다. 당시 어퍼 맨해튼에서 가장 ‘핫한’ 동네였으니까. 그런데 인 더 하이츠의 무대를 처음 마주하는 순간, A-트레인 지하철 출구 표지가 더는 설명을 필요로 하지 않는다는 사실은 시대가 얼마나 바뀌었는지를 상징적으로 보여준다. 이제 그것은 라틴계 커뮤니티가 모여 사는 워싱턴 하이츠로 들어가는 자동문 같은 관문이다. 린마누엘 미란다의 라틴 팝, 살사, 힙합이 박력 있게 융합된 음악 속에서, 이곳은 끓어오르는 새로운 문화의 도가니로 선명하게 포착된다. 이 작품은 이미 수상 경력으로 화관을 두른 채 도착했다. 2008년 브로드웨이 초연 당시 다수의 토니상을 거머쥐었고, 지난해 사우스워크 플레이하우스에서도 큰 성공을 거뒀다(그 극장의 최근 ‘금빛 행진’을 이끈, 안목 있는 흥행작 라인업의 일부였다). 이제는 대부분의 캐스트와 크리에이티브 팀을 그대로 유지한 채, 훨씬 큰 공간으로 옮겨왔다. 그렇다면 테니스 코트만 한 크기의 킹스 크로스 극장 트래버스 무대에서는 어떤가? 그리고 현재 브로드웨이에서 해밀턴으로 또 한 번 창작적 전성기를 누리는 미란다 본인의 압도적인 다재다능함이 빠진 자리에서도, 이 작품은 얼마나 빛날까?

이 작품은 인물은 탄탄하지만 플롯은 다소 옅다. 키아라 알레그리아 우데스의 대본에서 실제로 ‘큰 사건’이 많이 벌어지지는 않는다. 구세대와 신세대의 충돌에서 웨스트 사이드 스토리의 그림자가 언뜻 비치지만, 공동체 내부 갈등이 끝까지 팽팽하게 밀고 나가는 방식은 아니다. 대신 젠트리피케이션이 시작되며 모든 인물은 바리오에서 쫓겨날 위협에 직면해 있다. 한여름의 열기가 지글지글하고, 정전이 소동을 일으키며, 떠남과 새로운 시작이 저울질된다. 하지만 인물들은 이미 충분히 입체적으로 완성돼 있고 다채롭다. 창의적인 코믹한 상호작용, 경쟁에서 비롯되는 마찰, 꿈과 새 커리어의 추구, 그리고 로맨스의 결말까지—그 모든 것을 펼칠 여지가 크다.

인 더 하이츠에서 우스나비 역의 샘 맥케이. 사진: Johan Persson

동네 보데가를 운영하는 우스나비(샘 맥케이)는 마음이 너무 따뜻해 돈을 제대로 벌지 못하는 타입이다. 그는 도미니카 공화국으로 돌아가거나, 도심 아파트를 간절히 원하지만 신용등급이 나오지 않아 번번이 좌절하는 바네사(제이드 이웬)와 손을 잡는 꿈을 꾼다(다만 그녀는 쉽게 다가갈 수 없어 보인다). 바네사가 일하는 미용실은 폐업 위기에 놓여 있지만, 그 전에 먼저 억척스러운 사장 다니엘라(빅토리아 해밀턴-배릿)부터 넘어야 한다. 옆집 로사리오스 택시 사무실은 케빈(데이비드 베델라)과 아내 카밀라(조지 벤슨)가 운영하는데, 유능한 디스패처 베니(조 아론 리드)의 노력에도 불구하고 재정은 불안정하다. 하지만 똑똑한 딸 니나(릴리 프레이저)는 동네를 떠나 스탠퍼드에 진학하는 데 성공했다. 이 모든 것을 다정하게 내려다보는 존재는 동네의 ‘할머니’ 아부엘라 클라우디아(이브 폴리카르포우)다.

무대의 배치는 인물들의 세계를 그대로 비춘다. 트래버스 한쪽 끝에는 보데가와 클라우디아의 집과 발코니가 크게 자리하고, 반대쪽에는 미용실과 미니캡 사무실이 있다. 고정된 거처가 없는 인물들—우스나비의 사촌이자 말썽꾸러기 소니(클리브 셉템버), 그래피티 아티스트(안티온 머리-스트로한), 피라과 판매상(바스 콘스탄티), 그리고 이웃 합창단—은 그 사이를 누빈다. 한쪽 스크린 뒤에는 필 콘웰이 이끄는 민첩하고 브라스가 빛나는, 정확무결한 오케스트라가 자리하며, 필요할 때마다 개빈 말렛의 트럼펫이 힘들이지 않고 높이 치솟는다. 각 막마다 넘버가 열두 곡가량 있고, 대사·랩 가사·완전히 오케스트레이션된 넘버(솔로, 듀엣, 앙상블)의 경계는 유연하게 스며든다. 이런 층위를 먼저 나열한 것은, 당연히 저녁 공연의 밑그림을 그려 보이기 위해서이기도 하지만, 동시에 이런 뮤지컬의 성공이 어느 한 사람에 달린 것이 아니라 수많은 퍼즐 조각과 기여가 맞물릴 때 가능하다는 점을 강조하기 위해서이기도 하다. 이제 관객이 몇 곡의 ‘귀에 남는 멜로디’나 ‘히트 넘버’를 기념품처럼 챙겨 가던 시대는 지나갔다. 대신 우리는 더 이상 분해할 수 없는 ‘공연 전체의 총체적 경험’을 마주한다. 그런 의미에서 인 더 하이츠는 기술적으로도, 예술적으로도 대단한 성공작이다. 주로 젊은 관객들로 보이는 객석을 둘러보니, 끊임없는 비트와 곡예 같은 안무, 번뜩이는 위트의 랩 가사에 맞춰 미소 짓고 박자를 타는 모습이 보였다. 지금 뮤지컬 씬의 최전선이 어디인지, 그리고 당분간 그 자리를 지킬 곳이 어딘지 분명하게 느껴졌다. 세대교체의 중요한 신호로, 미란다가 최근 손드하임과 로런츠와 함께 웨스트 사이드 스토리 스페인어 버전 작업에 참여했다는 사실도 어쩌면 시사적이다.

출연진과 제작진의 수준이 이렇게 높고, 전체가 집단적 성취에 크게 의존할 때 특정 개인만을 콕 집어 특별히 칭찬하는 일은 공정하지 않을 수도 있다. 그래서 아래는 그저, 순전히 내 주관으로 뽑은 하이라이트와 인상적인 순간들이다.

무엇보다 움직임과 춤부터 말해야 한다. 경험이 풍부한 안무가 드루 맥오니 덕분에, 공연 내내 시선을 완전히 붙잡아 둔다. 개별 인물에 눈이 꽂히든 앙상블 전체를 훑든, 약한 고리는 없다. 곳곳에서 세밀한 상상력과 신체적 기량이 작동한다. 특히 군중 장면에서 이동식 비상계단 두 개를 활용해 무대에 ‘깊이’뿐 아니라 ‘높이’까지 더해 주는 방식이 인상 깊었다.

그 많은 단어를 또렷하고 지적으로, 그리고 완전히 설득력 있는 억양으로 관객에게 전달해 내는 성취는 아무리 강조해도 지나치지 않다. 이야기할 것이 있고, 보석 같은 한 줄 대사를 꽂아 넣어야 한다는 것을 알기에, 가수들은 랩의 기관총 같은 속도감과 명료함 사이에서 훌륭한 균형점을 찾아냈다. 특히 샘 맥케이와 조 아론 리드처럼 숙련된 배우들이 뿜어낼 때 그 쾌감은 더욱 크다. 동시에, 숨을 고르는 듯한 부드러운 정지 구간들도 있어 감탄을 자아낸다.

샘 맥케이와 인 더 하이츠 출연진. 사진: Johan Persson

디자이너 가브리엘라 슬레이드의 의상은 원색과 블링으로 번쩍이는, 요란하고도 유쾌한 폭발이다. 비교하자면 카르멘 바트망헬리드지가 베이지로 보일 정도다. 하워드 허드슨의 조명에는 대담하고 장난기 있는 효과가 여럿 있는데—예를 들면 어둠 속에서 빛나는 테이크아웃 커피 컵이 그렇고, 정전 순간에 수십 대 휴대폰의 빛이 스윙하듯 오르내리며 무대를 밝히는 장면은 특히 인상적이다. 연출가 루크 셰퍼드는 흐름을 우아하게 유지하며, 이 큰 공간의 자원을 최대치로 활용하도록 만든다. 단 하나 아쉬운 점이라면, 전반부가 75분으로 약간 길게 느껴진다는 것. 어떤 곡도 빼야 할 필요는 없다—모두 제 몫을 해낸다. 다만 반복되는 부분을 조금만 더 과감하고 영리하게 다듬는다면 더 좋은 효과를 볼 수 있겠다.

앞서 말했듯, 이 작품의 노래들은 공연 전체의 경험을 넘어 ‘개별 곡’으로만 두드러지도록 설계된 것은 아니다. 하지만 2막에서 박수로 공연을 멈춰 세운 순간이 하나 있었는데, 바로 조지 벤슨이 부른 ‘Enough’의 당당한 퍼포먼스다. 자신을 드러내고, 더는 외면당하지 않겠다는 선언이 초월적인 순간으로 피어오르며 그날 밤 특별한 존재감을 얻었다.

정리하자면, 이 작품은 지금까지 받아 온 모든 찬사를 충분히 받을 자격이 있으며, 킹스 크로스 극장에서도, 더 큰 웨스트엔드 공연장에서도 장기 공연으로 이어져야 한다. 다음 날 나는 오페라를 보러 콜리세움으로 향했는데, ENO가 요즘 고전하는 그 2,600석을 이 작품이라면 열광적인 젊은 관객들로 가득 채울 수 있겠다는 생각이 떠나지 않았다. 런던은 언제쯤 장르에 맞는 공간을 제대로 매칭해, 콜리세움을 블록버스터 뮤지컬의 ‘집’으로 삼게 될까?

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