CRÍTICA: It's Only A Play, Teatro Gerald Schoenfeld ✭✭✭

Rupert Grint, à esquerda, Megan Mullally, Matthew Broderick, Nathan Lane e Stockard Channing protagonizam “It’s Only a Play” na Broadway. Foto: Joan Marcus It’s Only A Play

Gerald Schoenfeld Theatre

30 de outubro de 2014

Nathan Lane. Stockard Channing. Rupert Grint. Megan Mullally. F. Murray Abraham. Matthew Broderick. Com um elenco de tais luminárias, o que poderia correr mal? Sobretudo quando não estão a fazer Ibsen ou Chekhov (não que isso tivesse qualquer mal), mas uma peça “nova” saída da pena do multi-premiado Terrence McNally — e ainda por cima uma comédia? E é encenada por Jack O’Brien, célebre pela sua encenação vencedora de Tony de (Stoppard) The Coast of Utopia e (Shakespeare) Henry IV? A sério? O que poderia correr mal?

A estreia/retoma da peça de McNally, It’s Only A Play, encenada por O’Brien e agora em cena no Gerald Schoenfeld Theatre na Broadway, dá a resposta a essa pergunta com clareza e distinção.

Esta é a terceira vez que a peça de McNally tenta a sorte na Broadway. Ele reviu-a e actualizou-a para esta reposição. À excepção de dois aspectos, dificilmente poderia sonhar com um elenco melhor. E certamente não poderia esperar melhor cenografia (Scott Pask oferece um apartamento Art Déco glamoroso e glorioso) nem melhores figurinos (Ann Roth, que aqui tem um talento especial para trajes de noite de estreia). De facto, tudo no suporte técnico é de primeira categoria.

Mas, para uma terceira revisão, a peça de McNally tem um enredo que é o equivalente teatral de “finíssimo como uma hóstia”. Uma nova peça acaba de estrear na Broadway e a estrela, o autor, o encenador, o melhor amigo do autor e a produtora aguardam ansiosamente as críticas. Junte-se um aspirante a dramaturgo e um aspirante a actor, dezenas de piadas “para iniciados” sobre estrelas reais e a “sabedoria” convencional sobre o teatro e o seu funcionamento, e é mais ou menos isto. As críticas não são boas e instala-se o desânimo. Há uma “reviravolta” no fim, mas tudo o que faz é sublinhar a trivialidade do texto.

Réplicas afiadas — por vezes vis, por vezes espirituosas — são o verdadeiro propósito da noite. A peça de McNally não sabe muito bem o que é, além de uma ocasião para algum humor satírico sobre actores, críticos de teatro, escritores e a natureza caprichosa e fugaz do sucesso. Passa imenso tempo a largar nomes de estrelas que nem aparecem e a assá-las sem piedade, a dissecar o principal crítico do The New York Times e a atirar farpas a praticamente toda a gente com alguma ligação ao teatro. E, se ficasse por aí, seria um prazer quase wildeano — leve, cintilante, de hilaridade espumosa.

Mas há uma tentativa frouxa no segundo acto de acrescentar profundidade, de explorar questões de amizade e honestidade, de criar alguns momentos comoventes, de discutir perguntas importantes sobre o teatro. É um passo em falso e ameaça descarrilar o comboio da gargalhada.

Ainda assim, há muitas risadas a tirar das caricaturas e McNally sabe, sem dúvida, talhar uma frase de efeito mordaz e brilhante. É preciso ter bastante conhecimento da Broadway, da sua história e das suas estrelas para apanhar todas as piadas “para insiders” — gostei particularmente da confissão sofrida da personagem de Nathan Lane de que gostou de The Addams Family. Mas, se não souber que Lane protagonizou esse musical que, de forma inexplicável na minha opinião, teve críticas fracas, pode ter perdido a graça. E muitas outras, entregues mas não preparadas na própria peça.

Mas algumas escolhas do autor são inquietantes. Porque é que o destino de toda a produção — elenco e equipa — depende de uma crítica do The New York Times? Boas críticas não significam que um texto ou uma produção sejam ou não um sucesso. Nem as más. Quem decide é o público — e, sendo o teatro para o público, assim deve ser. Les Misérables e We Will Rock You dificilmente colheram críticas brilhantes quando estrearam, mas mantiveram-se em cena e em cena. Os críticos não têm — nem deveriam ter — o poder de fechar espectáculos, de condenar obras ao esquecimento. No entanto, é nessa premissa que It’s Only A Play assenta.

Se a intenção de McNally aqui era satirizar o poder dos críticos, não o conseguiu. Faz excelentes piadas sobre eles, mas abraça esse poder com um entusiasmo que parece bizarro. E as reacções das suas personagens à demolidora (mas hilariante) crítica fictícia de Ben Brantley não sugerem exactamente que McNally veja o futuro do teatro com optimismo.

Ainda assim, Jack O’Brien pega no material e espreme todas as gargalhadas possíveis (e algumas que nem deviam ser gargalhadas) com uma encenação hábil e clara que desvia o máximo de atenção possível das falhas da peça. A constelação de intérpretes ajuda-o nesse truque de prestidigitação.

Micah Stock estreia-se na Broadway como parte do ilustre elenco “acima do título” e faz mais do que a sua parte. É uma interpretação muito cativante de uma personagem francamente inverosímil. Ele interpreta Gus, o recém-chegado actor desempregado que trabalha como uma espécie de empregado de mesa na casa da produtora da nova peça da Broadway. Para ele é novidade que as pessoas do teatro não se tratam por “senhor” e preferem “querido”, “meu amor” e afins; no entanto, está tão impregnado de tradição teatral que pode, quando necessário, soltar uma versão deslumbrantemente engraçada de “Defying Gravity” para levantar o ânimo da multidão reunida.

Stock é excelente. Aproveita ao máximo todas as oportunidades cómicas e há pequenos detalhes (como a postura com os pés para dentro e a mania de corrigir a roupa) que revelam o pensamento e o cuidado postos na interpretação. À medida que a noite avança e Gus se sente mais à vontade com o ambiente e com aqueles a quem serve, Stock deixa a personagem tornar-se cada vez mais gay, culminando no seu número tolo à Wicked — um verdadeiro ponto alto da noite.

Stockard Channing triunfa como a rejeitada de Hollywood: a actriz infantil que fez cirurgia estética depois de uma má crítica à sua interpretação de Baby June em Gypsy; uma figura quebrada, a beber e a drogar-se, com pulseira electrónica no tornozelo, uma homicida em liberdade condicional que, no essencial, responde à pergunta “O que aconteceu a Baby Jane?”. Foi para a Broadway, para protagonizar uma peça nova, na esperança de relançar a carreira.

Channing é magnífica. Lança farpas venenosas com alegria despreocupada, explora os vários níveis de depressão e fúria maníaca que definem a sua personagem de glamour gasto e, contra todas as probabilidades, consegue conquistar simpatia quando são lidas as críticas que a esquartejam. É mestra na pausa, no olhar rápido que fisga uma gargalhada, e sabe sustentar e prolongar o riso como uma verdadeira artista de vaudeville.

Megan Mullally mostra que actriz extraordinária é com a sua interpretação robusta, charmosa e completamente tresloucada da produtora simples e incrivelmente rica que financiou a peça que acabou de estrear. É uma personagem maravilhosamente completa e a fervilhar de diversão frenética. Está deslumbrante e entrega tudo.

F. Murray Abraham tem talvez o papel mais difícil: um crítico de teatro de quem ninguém gosta. (Alguém gosta de um crítico de teatro?) Tem ainda o azar acrescido de ter ofendido praticamente o resto do elenco, de uma forma ou de outra, por vezes de maneira cruel; além disso, escreveu uma peça nova que está desesperado por ver produzida, mas à qual tem medo de associar o nome; e é careca, mas tenta esconder isso com uma peruca. Abraham leva tudo com naturalidade, até o prato de lasanha que Patti LuPone lhe despeja na cabeça (fora de cena, entenda-se, e não na vida real). Contido, preciso, um exemplo de timing cómico e dicção perfeita, Abraham cria uma grande criatura cómica.

Por outro lado, Matthew Broderick faz uma grande imitação de uma árvore robótica. Parece não tanto estar a “cumprir calendário” como a entregar a interpretação por pombo-correio. A sua forma monocórdica de dizer as falas, pontuada pelo seu característico guincho peculiar, não faz nada para animar a peça. Deita fora mais gargalhadas do que as que consegue arrancar. É uma interpretação estranha, desinteressada e aborrecida. Poder-se-ia argumentar que o faz de propósito, para satirizar o quão aborrecidos os grandes autores podem ser na vida real; mas, se fosse esse o caso, esperava-se clareza nisso. (E, de qualquer modo, os autores raramente são aborrecidos.) Mas não houve essa clareza. Uma desilusão monumental.

Rupert Grint está mal escalado como o famoso encenador britânico de quem os críticos de teatro não conseguem dizer mal. É um tufo de erva seca de angústia e arrogância casual, mas pouco credível. Ou interessante. Há uma sequência com um fantoche que é o seu ponto alto, mas, de resto, personifica o “pouco” do pouco inspirado. O seu horrível conjunto de noite de estreia é a melhor parte da sua prestação, embora duvide que algum dos actuais prodígios (“wunderkinds”) da encenação britânica fosse apanhado morto com tal indumentária.

A noite pertence a Nathan Lane, hilariante e venenoso como James Wicker, um actor que recusou o papel principal na peça escrita pelo seu melhor amigo por achar que era um barrete. Dispara pérolas cómicas e insultos maliciosos com prazer; um lançador humano de granadas de riso. E depois, quando a peça vira para um tom mais sombrio, muda de registo com mestria. Lane está em forma nítida e soberba, e a peça está no seu melhor quando ele e Channing trocam réplicas farpadas como numa partida de ténis.

It’s Only A Play é, sem pudor, um veículo de estrelas, feito para atrair o público a ver as estrelas a fazerem o seu número — todos os seis membros do elenco, incluindo o estreante, aparecem acima do título da peça no letreiro. O conselho de Hamlet de que “a peça é a coisa” não é seguido aqui. Sem as estrelas, isto não estaria na Broadway. Apesar de não haver nada de “apenas” em ser uma peça, It’s Only A Play tenta sugerir o contrário.

Mas graças a Lane, Channing, Mullally, Abraham e Stock, mostra, isso sim, o quão tremendamente engraçados podem ser actores talentosos.