CRÍTICA: Madame Rubinstein, Park Theatre ✭✭✭✭✭

Jonathan Forbes, Miriam Margolyes e Frances Barber em Madame Rubinstein. Foto: Simon Annand

Park Theatre

Quinta-feira, 3 de maio de 2017

5 estrelas

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Desde que os seres humanos pegaram pela primeira vez em woad, ou ocre, ou tinta de tatuagem, ou hena, têm usado a arte para transformar a aparência exterior do rosto e do corpo. Por vezes, essas mudanças são passageiras; outras vezes, duram uma vida inteira — mas fazem parte daquilo que nos torna humanos e ajudam-nos a expressar o nosso sentido de identidade, de pertença, de lealdade, de atitude perante a vida. Muito antes do advento da “era industrial”, técnicas, tradições, modas e — sim — originalidade já despertavam reconhecimento, devoção, fidelidade, hostilidade, ressentimento, inveja, raiva, ódio e toda uma série de outras respostas, emocionais ou ponderadas. Mas, como Walter Benjamin talvez observasse, é com a produção em massa, o abastecimento e o consumo que a “Indústria da Beleza” verdadeiramente se afirma — e é esse o recreio que este drama explora.

Dois colossos fundadores do que é hoje um gigante global de vários milhares de milhões de dólares por ano foram Helena Rubinstein e Elizabeth Arden — e é no seu sancta sanctorum, o mundo caracterizado pelos seus escritórios no topo de arranha-céus de Manhattan (e outros locais igualmente cobiçados), que esta peça nos leva. Ali, desfila diante dos nossos olhos a última década da vida de Rubinstein, oferecendo-nos, nos seus derradeiros anos, uma série de instantâneos que ilustram o negócio do sector da maquilhagem — e expondo as realidades profundas da condição humana que lhe servem de base.

Miriam Margolyes em Madame Rubinstein. Foto: Simon Annand Tendo encontrado por acaso uma proposta do autor, John Misto, quando estava na sua outra casa, na Austrália, a curiosidade de Miriam Margolyes foi suficientemente despertada para que abordasse o seu bom amigo e colega, o Director Artístico do Park Theatre, Jez Bond, incentivando-o a agarrar a ideia e a avançar com ela. Uma feliz conjugação da sua disponibilidade, do surgimento de fundos suficientes para pagar a aventura (graças aos produtores Oliver Mackwood, e Paul Tyrer e Jamie Clark), e da igualmente feliz coincidência de conseguir a grande Frances Barber para interpretar Arden, bem como o sempre útil Jonathan Forbes para assumir o terceiro vértice deste triângulo, como Patrick O’Higgins — o algo improvável assistente pessoal de Rubinstein, veterano de guerra e homossexual — e, de repente, a abertura de uma vaga no programa do Park e… voilà! — nasceu uma produção.

Bond não só encena este espectáculo, como também trabalhou o texto em oficina ao longo de nada menos do que dez versões. É possível que — com mais tempo — quisesse mais uma ou duas. Mas é o que temos, e os seus méritos são abundantes o suficiente para agradar, instruir e comover. Tendo começado com um forte sabor cinematográfico, a peça mantém uma dimensão épica, saltando de um ano para o seguinte, por entre acordos e manobras, espionagem industrial e competição implacável (sobretudo com o inimigo comum, detestado por ambas as senhoras, Charles Revson — hoje lembrado como uma espécie de filantropo, embora nunca o adivinhássemos pela forma como é arrasado por Lena e Liz). O objectivo do drama, claro, é oferecer-nos uma visão teatral, não um documentário. E é na linguagem cintilante, eléctrica e vívida do texto que o espectáculo dá vida a estas figuras — seduzindo e tocando quem assiste através das suas interacções extremamente variadas.

Frances Barber e Miriam Margolyes em Madame Rubinstein. Foto: Simon Annand

O palco está muitas vezes quase vazio, e a linguagem funciona melhor quando está menos sobrecarregada de mobiliário. No entanto, depois das mudanças de cena rápidas como mercúrio de Chinglish, a inclinação do cenógrafo desta produção, Alistair Turner, para elegantes peças de escritório de Manhattan — que têm de ser carregadas para dentro e para fora pelos assistentes de cena, numa penumbra sepulcral enquanto Miles Davis nos faz serenatas — sugere-me que esta peça poderá, no fim de contas, estar pensada para teatros onde tais elementos possam deslizar para dentro e para fora ao toque de um interruptor computadorizado. Não faz mal. Mark Howland ilumina tudo com gosto e discrição, com a música de Dimitri Scarlato a chegar até nós através do desenho de som de David Gregory. Podemos ignorar quaisquer costuras visíveis.

Porquê? Porque, por baixo da postura rápida e dura de duas empresárias ferozes (numa época em que a expressão mal existia), há tanto coração — e tão bonito — que não nos importamos com o progresso algo aos solavancos da narrativa (apesar de todas as camadas de polimento aplicadas pelo Sr. Bond). Isto, em última análise, é uma peça sobre o que é ser humano, e nada define mais um ser humano do que a forma como entra no mundo e a forma como dele sai — e ambas são aqui discutidas e representadas com um efeito extraordinariamente poderoso. Importamo-nos — importamo-nos mesmo — com o que acontece a Rubinstein e aos que a rodeiam. Na sua vida magnífica, vemos relâmpagos de fragmentos dos nossos próprios mundos; nas suas lutas, analogias com os nossos problemas ganham forma por um momento, antes de serem varridas pela vassoura irreprimível do tempo (e estejam atentos à piada da “vassoura”!).

Jonathan Forbes em Madame Rubinstein. Foto: Simon Annand

Sim, piadas. Este texto está carregado delas, e são levadas ao máximo pelos talentos gloriosos em palco. Margolyes é toda quietude e um poder urgente, rouge-et-noir; a sua dicção é como ácido a gravar um desenho numa chapa de cobre. Barber fala com aquela voz mágica que soa a oloroso misturado com natas duplas e polvilhado com trufa pirenaica. Cada segundo na companhia delas é como ler uma revista brilhante e luxuosa que não conseguimos largar. Já disse que ambas estão absolutamente deslumbrantes, com um guarda-roupa de fazer crescer água na boca — que presumivelmente tem de ficar guardado num cofre? O contraponto mais adstringente desta dupla é, necessariamente, o único homem que elas toleram no palco com elas: o Sr. O’Higgins. Ele começa com competência, mas torna-se verdadeiramente o comparsa vulnerável, desarrumado, muitas vezes impotente e pateta, necessitado dos seus constantes cuidados e atenção — caso contrário, sabe Deus em que estado se meteria. Aliás, chegamos a vê-lo brevemente como veio ao mundo — um lembrete certeiro de que o sexo, algures, se esconde por baixo de toda esta construção de aparências. É uma fórmula divertida, e funciona. A temporada no Park pode estar esgotada, mas penso que o stock pode voltar às lojas em qualquer dia… Fiquem atentos aos anúncios de novas reposições!

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