CRÍTICA: O Judeu de Malta, Teatro Swan ✭✭✭✭

O Judeu de Malta

Swan Theatre

20 de junho de 2015

4 estrelas

No mundo real, a Grécia está à beira da falência. Uma potência maior, a União Europeia, está a dizer à Grécia como se deve comportar, quanto deve pagar e quando — sob pena de consequências graves. O que aconteceria, pergunta-se, se o governo grego decretasse de repente que todos os milionários teriam de abdicar de todos os seus bens (guardando, digamos, 500 000 €) em nome do bem comum? E se os milionários recusassem? Perderiam tudo e enfrentariam prisão. Se fosse um milionário grego, o que faria? Aceitaria em silêncio? Submeter-se-ia, mas lutaria para derrubar o Governo que lhe roubou o estilo de vida?

Essencialmente, é este o tema explorado por Christopher Marlowe na sua peça de 1591/1592, O Judeu de Malta, um texto que antecede a mais conhecida peça de Shakespeare sobre um judeu em busca de vingança: O Mercador de Veneza. A influência de Marlowe sobre Shakespeare é evidente. Em ambas as peças, o judeu central perde riqueza e filha; enquanto Shylock é forçado a tornar-se cristão no final, o judeu de Marlowe é despojado da sua fé muito cedo. Ambos sofrem uma cruel “justiça” cristã e ambos são odiados pelos seus contemporâneos cristãos. Mas é aí que as semelhanças acabam.

Discute-se há muito a “peça-problema” de Shakespeare, sem se saber ao certo se é comédia ou drama. Produções diferentes dão respostas diferentes. Com a peça de Marlowe acontece o mesmo: T. S. Eliot considerou-a uma “farsa… humor cómico selvagem”; a primeira edição, em 1633, descreveu-a como “uma famosa tragédia”. Até Polónio teria dificuldade em classificá-la. Mas Eliot parece acertar em cheio: a peça é extrema, ridícula, satírica e grotesca. Abordá-la como uma farsa feroz e amarga é, provavelmente, a forma mais segura de libertar o seu arrebatamento interior.

Em cena no Swan Theatre da RSC está o revival de Justin Audibert de O Judeu de Malta. Na sua estreia como encenador, Audibert não segue o conselho de Eliot; opta por um rumo mais seguro, navegando entre a tragédia e a tragicomédia, até chegar a um ponto de risco em que o público não sabe se deve rir ou ficar chocado, à medida que as engrenagens da vingança assassina giram cada vez mais freneticamente. Tendo em conta o elenco que reuniu e a brio que consegue mesmo a meia velocidade, parece uma oportunidade seriamente desperdiçada o facto de Audibert não ter sido suficientemente ousado para avançar sem medo, sempre a fundo.

Não é como se o texto não desse pistas sobre a melhor forma de o representar — são precisas interpretações cheias, saborosas, avassaladoras. Esta é uma peça em que os habitantes de um convento são mortos com papas envenenadas; em que a filha de um judeu se torna freira cristã, duas vezes; em que, depois de comprar um escravo trácios, dono e escravo travam um duelo de “quem é pior” sobre os actos vis de que dizem gostar; em que os frades são chamados “lagartas religiosas”; em que o judeu pergunta se o roubo é a base do Cristianismo; em que um frade pergunta com a maior naturalidade se o judeu tem andado a “crucificar crianças”; e em que ninguém, verdadeiramente, tem qualidades redentoras. Quase grita “farsa”, mesmo que parte do tema seja repugnante e, tristemente, muito certeiro.

O problema é que, no Swan, a interpretação tem um peso que confunde o público. Quando o judeu e o seu escravo, Ithamore, assassinam o velho frade Bernardine, dá-se este diálogo:

Bernardine:         O que quer dizer com isso de me estrangular?

Ithamore:             Sim, porque costuma confessar.

Barabas:               Não nos culpe a nós, culpe o provérbio: “Confessa e serás enforcado”. Puxa com força.

Bernardine:         O quê, quer a minha vida?

Barabas:               Puxa com força, digo eu — tu terias ficado com os meus bens.

É uma troca de falas indiscutivelmente engraçada, apesar de assentar num assassinato dos mais vis. E, no entanto, mesmo sendo já no quarto acto, o público não se sente suficientemente seguro para rir. Alguns riem, mas outros acham-nos sem gosto por o fazerem. O problema é que foi escrito para ser engraçado, devia ser engraçado, mas uma incerteza paira sobre a sala — e isso deve-se à encenação de Audibert — por não abraçar o prazer quase carnal que se pode tirar deste humor negro, suculento.

Talvez um exemplo ainda mais claro surja quando Abigail, a filha do judeu, sabendo que está a morrer, confessa o envolvimento do pai na morte dos seus dois pretendentes cristãos:

Abigail:           ...peço-lhe que guarde segredo, a morte apoderou-se do meu coração, ah, gentil frade,

Converta o meu pai para que ele possa ser salvo,

e testemunhe que eu morro como cristã.

Bernardine:   Sim, e também virgem — isso é o que mais me aflige.

E, no entanto, o público não se sentiu à vontade para rir, quando é claro que Marlowe pretendia o riso. Um riso chocado, desconfortável, talvez — mas riso ainda assim.

Uma interpretação mais luminosa, mais ousada, mais declaradamente saborosa e irreverente por parte deste elenco talentoso resolveria estes problemas.

Jasper Britton carrega a maior parte da peça como Barabas, o judeu titular. Longas madeixas ralas, olhos esbugalhados que tanto podem dançar furtivamente como fixar com zelo feroz, uma voz poderosa e ressonante, e um admirável sentido de clareza de propósito — Britton tem todas as ferramentas de que precisa para tirar o máximo partido do papel. E é extremamente cativante. O que acontece é que não sobe às alturas de hilaridade e de negrume que melhor serviriam a personagem. Ele consegue claramente fazer o que é preciso; só que não lhe pedem que o faça. Traz gravidade onde deveria haver uma jovialidade excêntrica e maldosa. Se conseguisse impregnar a interpretação com ambas, seria um acontecimento.

Há excelentes interpretações de suporte por todo o lado, mas nenhuma é tão extrema como se poderia desejar. Carton Stewart está em boa forma como Abigail, a freira por duas vezes, e Lanre Malaolu destaca-se como o astuto escravo Ithamore, disposto a fazer tudo a qualquer pessoa para salvar a própria pele e melhorar de vida.

Untuosos e moralistas, tanto Matthew Kelly como Geoffrey Freshwater são frades notavelmente detestáveis; um pouco mais de nojice poria estas lagartas gananciosas no ponto. Steven Pacey é pura duplicidade, fanfarronice e zelo burocrático como Ferneze, o governante fraco que inicia e fecha o ciclo de roubo e assassinato que caracteriza a peça. Beth Cordingly e Matthew Needham são adequadamente coloridos e idiossincráticos como uma prostituta calculista e o seu chulo avarento.

Colin Ryan e Andy Apollo divertem-se bastante como os pretendentes rivais pela mão de Abigail. Aliás, o ridículo Don Lodowick pavão de Apollo é o que mais se aproxima de acertar exactamente no registo farsesco certo.

O cenário de Lily Arnold é funcional (um conjunto de degraus e um pequeno tanque), mas não particularmente fabuloso. Oliver Fenwick consegue criar uma excelente luz de ambiente e, em conjunto com a eficaz banda sonora de Jonathan Girling, alcança uma clara demarcação das três raças em guerra aqui: cristãos, judeus e islâmicos.

Esta é uma boa produção de uma grande peça com um grande elenco. Libertem o louco selvagem que lhes vai por dentro e seria uma grande produção. É um pouco como um pudim cozido a vapor: óptimos ingredientes, óptima receita; mas sem as natas e o creme inglês, simplesmente não tem aquele brilho.

O Judeu de Malta está em cena no Swan Theatre, Stratford, até 29 de agosto de 2015