CRÍTICA: O Cavaleiro do Almofariz Ardente, Barbican Centre Londres ✭✭✭✭

Mark Ludmon analisa a produção de The Knight of the Burning Pestle, de Cheek by Jowl e do Moscow Pushkin Drama Theatre, no Barbican Centre

Foto: Johan Persson The Knight of the Burning Pestle

Barbican Centre, Londres

Quatro estrelas

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Oito atores sentam-se em cadeiras de plástico ao longo de um palco amplo, que de resto está despido, à exceção de uma grande caixa branca. A cabeça de um dos atores é projetada na caixa enquanto ele recita lentamente o prólogo obscuro da peça de 1607 de Francis Beaumont, The Knight of the Burning Pestle. A música sonora de Pavel Akimkin imprime um tom ominoso, enquanto o elenco é arrebatado por movimentos estilizados que antecipam as histórias das suas personagens. Tudo indica que nos espera uma noite de clássico drama jacobino ao estilo da Europa continental. Mas, de repente, o palco é invadido por Nell e George, um casal vindo da plateia, e a ação precipita-se num espetáculo caótico e muito divertido, que explora a forma teatral e a maneira como os espectadores reagem ao teatro.

Foto: Johan Persson

Trata-se de mais um clássico reinventado pelo encenador Declan Donnellan e pelo cenógrafo Nick Ormerod, de Cheek by Jowl, mas grande parte desta “metateatralidade” autoconsciente e autorreferencial é obra do próprio Beaumont. Embora esteja fortemente abreviada, a montagem continua assente na encenação de um drama familiar burguês, The London Merchant, em que o rico homem de negócios Venturewell tenta impedir o romance entre a filha, Luce, e o seu aprendiz, Jasper, ao prometê-la ao amigo Humphrey. Tal como aconteceu no Blackfriars Theatre de Londres em 1607, George e Nell interrompem para reclamar da peça e acabam por empurrar para o elenco mais um elemento da plateia — o sobrinho Rafe —, que se junta aos atores e acrescenta um novo enredo improvisado sobre um valente cavaleiro, a fazer lembrar Dom Quixote.

A peça ficou famosa por ter sido um fracasso, atribuído ao facto de o público jacobino não ter compreendido a sua ironia satírica. Hoje estamos muito mais familiarizados com o “meta”, tanto no teatro como na televisão, mas continua a haver algo de subversivo em quebrar a quarta parede entre o palco e a sala às escuras — sobretudo num espaço monolítico como o Barbican Centre. Cheek by Jowl atualiza Beaumont com câmaras de vídeo, projeção e microfones, e não são apenas as peças e os públicos do século XVII que estão a ser satirizados: quando Nell diz “devia haver um cenário e figurinos lindíssimos”, ela dá voz a muitos espectadores que sentem falta do naturalismo realista rejeitado por encenadores modernos europeus. “É um conceito”, explica defensivamente um dos atores, mas as interpretações estilizadas são repetidamente expostas como artificiais pela presença mais “vida real” de Nell e George, que partilham os seus comentários críticos a partir da lateral do palco.

Foto: Johan Persson

Agrippina Steklova e Alexander Feklistov estão encantadores e hilariantes como o casal que exibe todas as qualidades que os habituais frequentadores de teatro normalmente detestam. Conversam, interrompem e vão petiscando ao longo do espetáculo, sem se importarem com o facto de travarem a ação para pedir um autógrafo ou tirar uma selfie. O resto do elenco vai exibindo sinais de crescente exasperação e aflição à medida que satisfaz todas as exigências do casal, puxado como marionetas para a fantasia cavaleiresca. Kirill Chernyshenko e Anna Vardevanian, como Jasper e Luce, e Kirill Sbitnev, como Tim, o “escudeiro” relutante de Rafe, são deliciosos no seu sofrimento — Vardevanian, em particular, chega ao fim com o ar de uma carcaça quebrada e traumatizada.

Esta é a mais recente coprodução entre Cheek by Jowl e o Moscow Pushkin Drama Theatre, refletindo o envolvimento de décadas da companhia com o teatro russo. Em cena no Barbican, com legendas em inglês, é mais uma excelente oportunidade de ver o melhor do teatro da Europa continental — ainda que, desta vez, Cheek by Jowl esteja a brincar com ele.

Em cena até 8 de junho de 2019.

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