CRÍTICA: Doze Homens Furiosos, Teatro Garrick ✭✭✭

Doze Homens em Fúria Doze Homens em Fúria Garrick Theatre 12 de novembro de 2013

Reginald Rose sabia estruturar uma peça de teatro e sabia escrever um diálogo limpo e contido, real e com eco, que fazia avançar ou aprofundar as personagens, era engraçado ou incisivo (ou ambas as coisas) e servia a peça com uma naturalidade impressionante. A sua obra mais famosa — e com toda a justiça — é Doze Homens em Fúria, actualmente em reposição no Garrick Theatre, numa produção encenada por Christopher Haydon.

A peça acompanha as deliberações de um júri composto exclusivamente por homens num julgamento por homicídio — quando a peça começa, 11 jurados consideram o arguido culpado; no final, é proferido um veredicto de Não Culpado. Muitas vezes parece que a peça é sobre a retidão da justiça, mas não é: é sobre pessoas comuns a fazerem coisas fora do comum, sobre o papel que as pessoas do dia-a-dia têm de desempenhar numa sociedade saudável. E é também um exame sério e completo de como o preconceito pode destruir vidas.

Em muitos aspectos, a peça é à antiga, mas isso é uma virtude, não um defeito. Pode elevar-se quando os actores são suficientemente inteligentes (e subtis) para acertarem em cheio nas suas personagens (nenhuma se confunde com outra), representando um retrato diversificado da sociedade.

Hoje em dia, é difícil perceber por que razão a peça não é apresentada sem intervalo; seguramente, a tensão permitiria uma apresentação assim e a duração ficaria bem abaixo das duas horas.

A peça quase não precisa de cenografia, mas aqui a produção é muito bem servida pelo cenário engenhoso de Michael Pavelka (com uma mesa giratória dos jurados que nunca se vê efectivamente a mover, mas que o faz regularmente) e pela iluminação inteligente de Mark Howland.

Para funcionar como deve ser, porém, a peça precisa de doze actores notáveis, nenhum dos quais com necessidade de se sentir a estrela. Cada personagem tem o seu momento de brilho, e a peça resulta melhor quando isso é permitido, quando o drama se desenrola como a sinfonia que realmente é, atingindo crescendos e depois recuando, reagrupando-se, voltando a crescer e a atingir picos repetidamente à medida que diferentes jurados/instrumentos passam para primeiro plano.

Mas há cinco jurados-chave (3, 4, 8, 9 e 10) sobre cujos ombros assentam as passagens centrais.

Martin Shaw é um excelente 8, o jurado que acredita na Dúvida Razoável e que, lentamente, vai mudando a opinião dos outros. Robert Vaughn está bem como o velho, 9, mas lê muitas falas (a partir de um guião claramente escondido na mesa) e é frequentemente visto em cena a ensaiar falas que ainda não chegou a dizer. No entanto, quando está plenamente dentro do momento, é hipnotizante.

Jeff Fahey (3, o pai ferido, ressentido com a juventude) e Miles Richardson (10, o racista nojento) não estão à altura do desafio global das suas personagens hediondas e, infelizmente, perdem-se momentos dramáticos essenciais. Isto pode ter mais a ver com opções de encenação do que com capacidade interpretativa, porque ambos parecem ser capazes de entregar muito mais. Mas a verdadeira tensão que cada um desses dois jurados, separadamente, pode gerar nunca é alcançada aqui.

Nesta noite, Luke Shaw entrou como 4 e foi pouco convincente em todos os sentidos: há uma frieza subterrânea e uma certeza de convicção no 4 que aqui estiveram completamente ausentes. O 4 é tão preconceituoso quanto o 10, mas apenas em relação à sua própria superioridade. É um pilar fundamental do drama e, sem isso, perde-se muito.

Martin Turner (11, o imigrante) e Nick Moran (7, o fã de basebol) são ambos bastante excelentes nas suas caracterizações, embora precisem de dedicar mais tempo aos sotaques e aos ritmos das suas falas.

Robert Blythe (6), Edward Franklin (5) e Jon Carver (o substituto do Presidente do Júri) saem-se todos de forma admirável; os restantes, nem por isso.

É uma noite de teatro que vale a pena, bastante absorvente, mas não atinge o nível de entusiasmo que deveria. E isso não parece ter a ver com o elenco. Antes, tem a ver com uma encenação apagada, que coloca mais ênfase no movimento do que nos trunfos que o diálogo e as viragens do enredo oferecem.