RECENSION: Judy!, Arts Theatre ✭✭✭

Judy!

Arts Theatre

27 maj 2017

3 stjärnor

Boka biljetter

Om det någonsin funnits ett fall där en föreställning helt transformerats av valet av scen, så är det detta. Denna originella biografi om Judy Garland – ett passionsprojekt av teaterns grundare och regissör Ray Rackham – började som en småskalig pjäs på Londons krogteaterscen, i London Theatre Workshops gamla lokaler med 60 platser ovanför puben The Eel Brook på New King's Road. Där var den engagerande och överraskande, med sin flätade berättarstil där tre olika skådespelerskor spelade huvudrollen i olika skeden av livet, ackompanjerade av skådespelarmusiker i en miljö fylld av showcasprylar och krimskrams. Efter framgången flyttade den kraftigt omarbetade produktionen till Southwark Playhouses stora sal med 240 platser, där den spelades på en utskjutande scen. Återigen kände publiken sig djupt involverad i titelgestaltens öde. Uppsättningen fick stor uppmärksamhet och strålande recensioner. Inget verkade kunna stoppa den.

Och nu, trots att få uppsättningar från Southwark Playhouse – även de mest framgångsrika – gör det, har föreställningen tagit steget till West End och flyttat in på Arts Theatre med sina 350 platser. Rackham producerar själv, tillsammans med Michelle Hutchings och i samarbete med Julie Clare, som även är

General Manager. Föreställningen har genomgått ytterligare bearbetning av dramaturgen Carolyn Scott Jeffs och fått en ny scenografi av Tom Paris. Den bevarar dock ursprungsidén om en neutral studiomiljö där manuskriptets olika tider och platser snabbt och flexibelt kan trollas fram. Nästan hela originalensemblen har följt med på resan och repriserar de rollprestationer som gav dem så mycket beröm på Newington Causeway. Föreställningen borde gå för full maskin: skådespelarna, och särskilt musiknumren, får publiken att verkligen vilja att den ska lyckas. Helen Sheals, Belinda Wollaston och Lucy Penrose (samt vid mitt besök understudyn Millie Hobday, som med kort varsel fick lämna rollen som kostymdesigner för att hoppa in för en sjuk fröken Wollaston) levererar vackra och fingertoppskänsliga tolkningar av hitsen ur Garlands låtskatt. Men något tycks ha kommit i vägen för den gamla magin. Jag har sett föreställningen två gånger och jag tror att jag vet vad det är.

Det är prosceniebågen. Den fysiska ompositioneringen av föreställningen i förhållande till publiken har en drastisk effekt på hur pjäsen tas emot. Från publikens platser sitter vi nu i ett mörklagt rum, distanserade från det upplysta skeendet. Vi ”betraktar” nu svalt det som händer på andra sidan prosceniet, utan att känna oss i närheten så delaktiga som när vi delade samma rum i Chelsea eller omringade ensemblen i Southwark. Varför? Det finns nog tre huvudsakliga anledningar: skådespeleristilen, regins natur och manusets struktur.

Mycket av skådespeleriet är sig likt från tidigare scener. Det når inte riktigt ut över rampen till oss, till skillnad från de stora musiknumren som fortfarande levereras med Garlands signifikanta energi, hennes medfödda känsla för show och hennes intensiva behov av att vara publiken till lags. Istället känns det som att vi tjuvlyssnar på samtal snarare än att dras in i dem. Vissa menar kanske att det inte borde spela någon roll – att man kan ha en uppsättning där manuset gör en sak och musiken en annan. Men som man brukar säga: beviset ligger i smaken, och just nu är dialogpartierna betydligt mer dämpade i sin effekt än tidigare. Det är ett faktum. Skämten landar inte lika bra eftersom de tycks delas mellan skådespelarna på scenen och inte med oss i publiken, och vi lyckas inte känna för karaktärerna på det där omedelbara, emotionella sättet som musiknumren fortfarande frammanar. Med andra ord tappar vi kontakten med själva kärnan till varför Judy Garland fortfarande betyder något för oss idag. Hennes raison d’être var den direkta känslomässiga kontakten. Det är anledningen till att pjäsen skrevs och produceras, och det är anledningen till att vi har gått till teatern.

Sedan har vi regins natur. Rackham regisserar även här själv, och regin är ytterligare en faktor som kan begränsa produktionens genomslagskraft. För att bryta igenom barriären som en prosceniebåge utgör måste man hjälpa skådespelarna genom att arrangera blockeringar, rörelser, ljus och allt annat med en enorm precision och fingertoppskänsla. När publikens blick fokuseras på ett enda perspektiv, där allt ses framifrån, tolkas varje element i föreställningen på ett helt annat sätt än vid en ”in-the-round”-scen. Rackham anser säkert att han har gjort allt för att anpassa sig, men vid detta tillfälle kan jag inte låta bli att tänka att det kanske hade behövts ett par helt nya ögon – någon med större erfarenhet av att sätta upp musikaler i West End – för att genomföra en total omtolkning av föreställningen för dessa helt nya förutsättningar.

Slutligen, manuset. Hela poängen med pjäsens text är att den inte är linjär. Det är fascinerande när publiken befinner sig i samma utrymme som skådespelarna eller sitter runt dem. Men här, när vi granskar förloppet på avstånd, kan vi inte undgå att notera den enorma stilistiska klyftan mellan manuset och musiknumren som utgör dess hjärta. Sångerna, de berömda hitsen som skapade legenden Judy, är nästan utan undantag linjära mini-berättelser från den amerikanska musikalkomedins guldålder. I manusets fragmentariska klippboksvärld känns de malplacerade och tycks dra publiken i en helt annan riktning än själva texten. Vi får enstaka ögonblick av montage, men på det stora hela motarbetar manus och musik varandra estetiskt, vilket ställs på sin spets av den omedvetet kritiska utsiktspunkt publiken tvingas inta.

Genom en kombination av skådespelarstil, regi och manus tvingas publiken motvilligt att ”sitta till doms” över pjäsen, trots att alla instinkter vill ge efter för engagemanget i huvudfigurens kärlek och mänsklighet. Man kan uppskatta historien intellektuellt, men det är svårt att låta hjärtat vara med. Förstagångsbesökare rapporterar liknande upplevelser; det är huvudet som tilltalas här, inte så mycket känslorna. Visst, vissa berörs fortfarande till tårar – av sångerna – men jag har inte hört folk uttrycka samma sak om ”karaktären” eller hennes öde, och ännu mindre om hennes egna val. Om detta är skaparnas avsikt så är det överraskande, med tanke på den extremt känslosamma sångstil som Judy Garland är känd för och som här återskapas så levande.

Prosceniet påminner oss om att detta mer än något annat är en pjäs. Det finns långa dialogscener utan musik, och när sången väl kommer utförs den enbart av de tre huvudrollerna. Eller, det är inte helt sant: då och då kallas resten av ensemblen in för att köra. Ensemblen spelar även musiken på instrument som hela tiden står synliga på scenen; detta verkade inte spela någon roll i tidigare uppsättningar, men här ser det lite märkligt ut, särskilt när de inte behövs och tvingas sitta eller stå vid sina instrument under väldigt långa perioder. Det är oklart varför de gör det. Simon Holts arrangemang låter fortfarande fantastiska, så vi borde inte låta oss störas.

Ändå förblir produktionens ”språk” gåtfullt, nästan hermetiskt: varför finns det till exempel tre olika Judy och varför befinner de sig ibland i samma rum och sjunger till och med tillsammans? Tidigare behövde det ingen förklaring, men nu krävs det på något sätt att vi blir informerade. Och varför spelar en skådespelare – Harry Anton – både den yngre och äldre Sid Luft som två helt olika personer, medan Amanda Bailey och Joe Shefer som Garlands föräldrar, Ethel och Frank Gumm, är låsta i en enda tidszon? Dessa tidsmässiga inkonsekvenser, som kändes så charmiga förut, tenderar nu att förvirra. Varför? Chris Whittakers koreografi ger ett välkommet lyft åt ett fåtal musiknummer, men de flesta på scenen berörs inte av den utan står stilla eller går omkring medan en, två eller tre skådespelerskor dansar. För en West End-show som bygger på namnet hos en av förra seklets främsta artister kan det verka en smula excentriskt. Ensemblen är stor och inkluderar även Tom Elliot Reade som Roger Edens, Don Cotter som L B Mayer, Perry Meadowcroft som George Schlatter och Chris McGuigan som Norman Jewison, samt ett fyrmannaband i kulisserna. Men alla dessa resurser känns underutnyttjade. Återigen undrar vi varför? Prosceniets granskande blick framtvingar dessa frågor som produktionen inte ger några självklara svar på. Inför ett mysterium börjar publiken farligt nog försöka lösa det på egen hand.

När Christopher Dickens, i rollen som Hunt Stromberg Jr, intensivt försöker få Judy att gå med på CBS krav för hennes TV-show, börjar publiken pussla ihop en förväntad handling: är detta målet huvudpersonen måste nå? Eller när Carmella Browns Judith Kramer förklarar att man målat en ”yellow brick road” utanför Judys husvagn i studion, ska vi då förvänta oss att showen tar oss längs den vägen tillbaka till Oz? På sätt och vis är det precis vad manuset gör – det landar till slut i en kraftfull version av ”Over the Rainbow”, komplett med de berömda molnen och den öppna himlen från inledningen av Trollkarlen från Oz (det enda ”riktiga” materialet i hela filmen, som i övrigt är en ren studiokonstruktion, precis som denna pjäs). Men längs den vägen är väldigt mycket av det som händer i föreställningen svårt att förklara logiskt. Och det finns en sådan naturalistisk press i pjäsen (tittarsiffror, opinionsmätningar, fokusgrupper, vetenskaplig analys) att vi oundvikligen känner oss manade att vara rationella.

Det återstår att se hur detta landar hos publiken på Arts. Jag tycker att den är värd att se, men den har slutat utstråla den magi den en gång hade.

BOKA BILJETTER TILL JUDY! PÅ ARTS THEATRE