РЕЦЕНЗІЯ: Judy! (Джуді!), Arts Theatre ✭✭✭

Джуді!

Arts Theatre

27 травня 2017

3 зірки

Забронювати квитки

Якщо й існує вистава, яка повністю змінюється залежно від місця проведення, то це саме цей випадок. Ця оригінальна біографія Джуді Ґарленд — справа всього життя засновника та художнього керівника театру Рея Рекхема — починалася як камерна постановка у невеликому приміщенні London Theatre Workshop (всього на 60 місць) над пабом The Eel Brook на Нью-Кінгс-роуд. Там вона захоплювала та дивувала своїм перетином трьох різних сюжетних ліній, кожну з яких вела окрема акторка, що грала головну роль; а актори-музиканти акомпанували собі та один одному в декораціях, зібраних із найрізноманітнішого шоу-бізнесового реквізиту та дрібничок. Згодом, окрилена успіхом, енергійно перероблена постановка переїхала до великої зали Southwark Playhouse на 240 місць. Там вистава проходила на сцені-платформі («thrust stage»), де глядачі знову відчували себе причетними та емоційно зливалися з долями головної героїні. Постановка привернула широку увагу та отримала захоплені відгуки. Здавалося, ніщо не зможе її зупинити.

І ось тепер, хоча лише кілька постановок Southwark Playhouse — навіть найуспішніших — зважуються на такий крок, шоу переїжджає до Вест-Енду, влаштувавшись у залі Arts Theatre на 350 місць. Рекхем також виступає продюсером разом із Мішель Гатчінгс та у співпраці з Джулі Клер, яка також є

генеральною менеджеркою. Шоу зазнало подальшої переробки завдяки драматургині Керолін Скотт-Джеффс та отримало нове оформлення від Тома Паріса, яке, проте, зберігає основну ідею оригінальної сцени: надати універсальний студійний простір, де різні часові періоди та місця, передбачені сценарієм, можуть виникати швидко й гнучко. Майже весь оригінальний акторський склад зберігся протягом цієї тривалої подорожі, і тут вони повторюють ролі, що принесли їм безліч схвальних відгуків на Ньюінгтон-Козвей. Вистава мала б і надалі йти як по маслу: виконання, а особливо музичні номери, змушують глядачів щиро цього бажати. Гелен Шилз, Белінда Волластон і Люсі Пенроуз (а в день, коли я відвідав виставу, і дублерка Міллі Гобдей, яку в останню мить перевели з посади дизайнерки костюмів через нездужання міс Волластон) представляють чудово продумані та технічно бездоганні версії хітів із репертуару Ґарленд. Але щось, схоже, завадило колишній магії. Я бачив виставу двічі і, здається, знаю, у чому річ.

Це — проscеніум, театральна арка. Зміна фізичного розташування акторів відносно публіки кардинально змінила сприйняття п'єси. З точки зору глядача, тепер ми сидимо в темному залі, відгороджені від освітленої дії. Тепер ми холодно «спостерігаємо» за подіями по той бік арки, не відчуваючи і близько того залучення, яке було, коли ми ділили з акторами одну кімнату в Челсі або оточували їх у Саутворку. Чому? Напевно, є три основні причини: стиль гри, характер режисури та структура сценарію.

Акторська гра багато в чому залишилася такою ж, як і на попередніх майданчиках. Вона не «вистрілює» в нас, на відміну від виконання великих музичних номерів, які подаються з фірмовою енергією та драйвом Ґарленд, її вродженим артистизмом і нестримним бажанням догодити публіці. Натомість ми ніби підслуховуємо розмови, а не втягуємося в них. Хтось може заперечити, що це не має значення — мовляв, цілком можливо мати постановку, де сценарій робить одне, а музичні номери — інше. Що ж, все пізнається на практиці, і зараз діалоги сприймаються значно приглушеніше, ніж раніше. Це факт. Жарти не «заходять» так вдало, бо вони ніби адресовані колегам по сцені, а не глядачам, і ми не можемо «співпереживати» персонажам так безпосередньо емоційно, як того вимагають музичні номери. Іншими словами, ми втрачаємо зв'язок із головною причиною того, чому Джуді Ґарленд важлива для нас сьогодні. Прямий емоційний відгук був її сенсом буття («raison d'etre»). Це причина, чому п’єса була написана та поставлена, і це причина, чому ми прийшли до театру.

Потім — характер режисури. Тут, як і раніше, режисером є сам Рекхем, і його бачення є ще одним фактором, що може обмежувати «охоплення» постановки. Щоб подолати бар'єр арки проscеніуму, потрібно неабияк допомагати акторам, вибудовуючи мізансцени, світло та всі інші деталі з неймовірною точністю та виваженістю. Коли погляд глядача так сфокусований на одній перспективі, бачачи всю дію «в лоб», кожен елемент гри сприймається зовсім інакше, ніж при круговому огляді. Я впевнений, що Рекхем відчуває, ніби зробив усе можливе для адаптації, але цього разу я не можу позбутися думки: можливо, все було б інакше, якби запросили людину зі свіжим поглядом, досвідченішу в постановці мюзиклів у Вест-Енді, для повної реінтерпретації шоу під ці цілком нові умови.

Нарешті, сценарій. Головна фішка цієї п'єси в тому, що вона нелінійна. Це захоплює, коли глядач перебуває в тому ж просторі, де все відбувається, або оточує його. Проте тут, коли ми розглядаємо дію з певної відстані, ми мимоволі помічаємо величезну стилістичну прірву між сценарієм і музичними номерами, які є його серцем. Ці пісні, знамениті хіти, що створили легенду, майже без винятку є класичними лінійними міні-історіями «золотої ери» американської музичної комедії. У розрізненому світі сценарію, схожому на альбом із вирізками, вони виглядають дещо дивно і тягнуть глядача в зовсім інший бік від того, куди веде сам сценарій. Часом ми бачимо моменти міксу чи монтажу, але загалом сценарій та музика працюють на різні естетичні цілі, і це стає особливо помітним через незручну позицію спостерігача, яку змушені зайняти глядачі.

Тож через поєднання акторського стилю, режисури та сценарію глядач неохоче змушений «вершити суд» над цією п’єсою, навіть коли всі його інстинкти прагнуть піддатися емоційному залученню в любов і людяність головної героїні. Можна інтелектуально оцінити історію, яку тобі розповідають, але важко відкрити їй серце. Люди, які приходять на виставу вперше, повідомляють про схожі враження: апелюють більше до голови, ніж до почуттів. Правда, дехто все ще плаче — під час пісень — але я не чув, щоб люди говорили щось подібне про «персонажа» або про те, що з нею стається, а тим паче про те, що вона робить сама. Якщо це свідомий намір творців шоу, то мушу сказати, що це дивує, враховуючи надзвичайно емоційний стиль співу, яким славилася Джуді Ґарленд і який тут так яскраво відтворено.

Просценіум нагадує нам, що це, перш за все, п’єса. Тут є довгі сцени діалогів без музики, а коли вона з’являється, усі пісні виконують лише три головні героїні. Ну, це не зовсім так: час від часу інші актори створюють гармонії. Також склад забезпечує живий супровід на інструментах, які постійно знаходяться на сцені. Це не здавалося проблемою під час попередніх показів, але тут виглядає дещо дивно — особливо коли музиканти не задіяні і змушені сидіти або стояти біля своїх інструментів іноді дуже тривалий час. Не зовсім зрозуміло, навіщо це потрібно. Аранжування Саймона Голта все ще звучать чудово, тому це не має нас відволікати.

Проте «мова» постановки залишається загадковою, майже герметичною: наприклад, чому тут три різні Джуді, і чому вони іноді перебувають в одному просторі, а подекуди — навіть співають разом? Раніше це не вимагало пояснень, але тепер чомусь хочеться їх отримати. Або чому один актор — Гаррі Антон — грає і молодого, і старшого Сіда Люфта, майже як двох абсолютно різних людей, тоді як Аманда Бейлі та Джо Шефер, що грають батьків Ґарленд, Етель і Френка Ґаммів, замкнені в одному часовому поясі? Ці часові невідповідності, які раніше здавалися такими чарівними, тепер мають тенденцію заплутувати. Чому? Хореографія Кріса Віттакера додає довгоочікуваного драйву кільком музичним номерам, але переважна більшість акторів на сцені залишаються до неї не залученими: вони стоять нерухомо або просто ходять, поки одна, дві чи три акторки танцюють. Для шоу Вест-Енду, яке спекулює на імені однієї з найвидатніших артисток вар’єте минулого століття, це може здатися дещо ексцентричним. У виставі великий склад, зокрема Том Елліот Рід у ролі Роджера Еденса, Дон Коттер у ролі Л. Б. Майєра, Перрі Медоукрофт у ролі Джорджа Шлаттера та Кріс Макгвіган у ролі Нормана Джуісона, і навіть додатковий гурт із чотирьох осіб, який здебільшого перебуває за лаштунками. Але всі ці ресурси здаються недовикористаними. Знову ж таки, виникає питання: чому? Прискіпливий погляд через арку сцени змушує ставити ці запитання, на які постановка не дає готових відповідей. Стикаючись із загадкою, глядач — що небезпечно — починає намагатися розгадати її сам.

Тож, коли Гант Стромберг-молодший у виконанні Крістофера Діккенса наполегливо намагається змусити Джуді підкоритися вимогам мережі CBS щодо її телешоу, глядач починає подумки вибудовувати траєкторію розвитку сюжету: чи є це «метою», якої має досягти головна героїня? Або коли Джудіт Крамер (Кармелла Браун) заявляє, що за межами трейлера Джуді в студії намалювали дорогу з жовтої цегли, чи маємо ми очікувати, що шоу поведе нас цією дорогою назад до Оз? У певному сенсі сценарій саме це і робить — врешті-решт приводячи нас до повноцінного виконання «Over the Rainbow» навіть із тими самими хмарами та широким небом із початкових титрів «Чарівника країни Оз» (це єдині «справжні» кадри у всьому фільмі, який в іншому — як і ця п’єса — є повністю студійною конструкцією). Але на цьому шляху чимало інших речей, що відбуваються в шоу, дуже важко раціоналізувати. А оскільки у виставі багато натуралістичного тиску (телерейтинги, опитування громадської думки, звіти фокус-груп, науковий аналіз тощо), ми неминуче відчуваємо потребу бути раціональними.

Що ж, час покаже, як на це відреагує глядач у Arts Theatre. Я думаю, що виставу варто подивитися, але вона перестала випромінювати ту магію, яку мала колись.

ЗАБРОНЮВАТИ КВИТКИ НА «ДЖУДІ!» В ARTS THEATRE