ELEŞTİRİ: Judy!, Arts Theatre ✭✭✭

Judy!

Arts Theatre

27 Mayıs 2017

3 Yıldız

Bilet Al

Bir prodüksiyonun seçilen mekanla nasıl tamamen kabuk değiştirebileceğine dair bir örnek aranacaksa, işte o budur. Tiyatronun kurucusu ve direktörü Ray Rackham'ın tutkuyla hayata geçirdiği bu özgün Judy Garland biyografisi, New King's Road üzerindeki The Eel Brook pub'ının üst katındaki 60 kişilik eski London Theatre Workshop sahnesinde küçük ölçekli bir fringe oyunu olarak başlamıştı. Orada; başrolü her biri farklı bir oyuncu tarafından canlandırılan üç farklı anlatı hattının kesişmesiyle örülen hikayesi ve şov dünyası hatıralarıyla dolu dekorun içinde birbirine eşlik eden müzisyen-oyuncularıyla son derece sürükleyici ve şaşırtıcıydı. Ardından, başarısından güç alarak revize edilen bu dinamik prodüksiyon, Southwark Playhouse'un 240 kişilik büyük salonuna taşındı. Burada arena sahne düzeninde seyirciyle buluşan eser, izleyiciyi ana karakterin kaderiyle duygusal olarak bir bütün hissettirmeyi yine başarmıştı. Oyun büyük ilgi gördü ve göklere çıkarılan eleştiriler aldı. Görünüşe göre önünde hiçbir engel yoktu.

Ve şimdi, Southwark Playhouse'da sergilenen -çok başarılı olanlar dahil- pek az yapımın başına geldiği üzere, oyun West End'e transfer olarak 350 kişilik Arts Theatre'da yerini alıyor. Yapımcılığını Rackham, Michelle Hutchings ve aynı zamanda Genel Müdür olan Julie Clare ile üstleniyor.

Dramaturg Carolyn Scott Jeffs'in katkılarıyla yeniden elden geçirilen oyun, Tom Paris imzalı yeni bir tasarıma kavuşmuş. Bu tasarım, her ne kadar orijinal sahneleme amacını korusa da senaryonun gerektirdiği farklı zaman ve mekanların hızla yaratılabileceği jenerik bir stüdyo alanı sunuyor. Uzun yolculuk boyunca kadronun neredeyse tamamı korunmuş ve Newington Causeway'deki performanslarıyla büyük övgü toplayan oyuncular rollerini burada da yineliyorlar. Oyunun hala tam gaz devam etmesi gerekiyor; özellikle müzikal bölümlerdeki performanslar seyirciyi buna ikna etmek için elinden geleni yapıyor. Helen Sheals, Belinda Wollaston ve Lucy Penrose (ve izlediğim gün, Bayan Wollaston'ın rahatsızlığı nedeniyle Kostüm Tasarımcılığı ve Süpervizörlüğü görevinden bir anda sahneye terfi eden yedek oyuncu Millie Hobday), Garland repertuvarındaki hit şarkıları müthiş bir gözlem gücü ve işçilikle yorumluyorlar. Ancak, eski sihirli havaya sanki bir şeyler gölge düşürmüş. Oyunu iki kez izledim ve sebebinin ne olabileceğini sanırım biliyorum.

Mesele, sahne önündeki o proscenium kemeri (portal). Sahne ile seyirci arasındaki fiziksel konumlanmanın değişmesi, oyunun algılanışı üzerinde çarpıcı ve kesin bir etki yaratmış. Bizim açımızdan bakıldığında; artık karanlık bir boşlukta, aydınlatılmış eylemden kopuk bir şekilde oturuyoruz. Eskiden Chelsea'de aynı odayı paylaştığımızda veya Southwark'ta oyuncuların etrafını sardığımızda hissettiğimiz o katılımcı ruhun aksine, şimdi olayları sahne kemerinin diğer tarafında olup bitenleri soğukkanlılıkla 'izleyen' gözlemciler gibiyiz. Neden mi? Bunun üç ana sebebi var: oyunculuk tarzı, rejinin doğası ve senaryonun yapısı.

Oyunculukların çoğu önceki mekanlardakiyle aynı kalmış. Garland'ın o kendine has enerjisi, şovmenlik ruhu ve seyirciyi memnun etme arzusuyla söylenen büyük müzikal numaraların aksine, diyaloglar bize 'doğrudan' ulaşmıyor. Onun yerine konuşmalara kulak misafiri oluyormuşuz gibi bir his uyanıyor. Bazıları, senaryonun başka, müziklerin başka bir telden çalmasının sorun olmadığını savunabilir; ancak meyvenin tadı yenince anlaşılır. Şu anki durumda diyalog kısımları eskisine göre çok daha sönük kalıyor. Bu bir gerçek. Şakalar hedefine ulaşmıyor çünkü seyirciyle değil de sadece sahnedeki oyuncular arasında paylaşılıyormuş gibi duruyor. Müziklerin hala hissettirdiği o doğrudan duygusal bağı karakterlerle kuramıyoruz. Bir başka deyişle, bugün Judy Garland'ın hala neden önemli olduğunun temel sebebini ıskalıyoruz. Doğrudan duygusal temas onun varlık sebebiydi (raison d'etre). Bu oyunun yazılma ve sergilenme sebebi de bu, bizim tiyatroya gelme sebebimiz de.

Bir de rejinin doğası var. Rackham'ın kendi yönetimindeki reji, prodüksiyonun 'erişimini' kısıtlayan bir diğer faktör olabilir. Bir sahne kemerinin yarattığı engeli aşmak için oyunculara yardım etmeniz; mizanpajı, hareketleri, ışıkları ve tüm prodüksiyon unsurlarını inanılmaz bir titizlik ve hassas bir işçilikle kurgulamanız gerekir. Seyircinin bakış açısı tek bir noktaya odaklandığında ve tüm aksiyonu karşıdan gördüğünde, performansın her bir unsuru arena sahnedekinden tamamen farklı şekilde algılanır. Rackham'ın bu uyumu sağlamak için elinden geleni yaptığından eminim; ancak bu sefer West End müzikalleri konusunda daha deneyimli, taze bir gözün, oyunu bu tamamen farklı koşullar için yeniden yorumlamasının daha iyi sonuç verebileceğini düşünmeden edemiyorum.

Son olarak senaryo. Bu metnin en can alıcı noktası doğrusal (linear) olmamasıdır. Seyirci olayla aynı mekandayken veya etrafını çevrelemişken bu durum büyüleyicidir. Ancak burada, olayları uzaktan incelediğimizde, metin ile kalbi oluşturan müzik numaraları arasındaki büyük tarz uçurumu göze çarpıyor. O meşhur hit şarkılar neredeyse istisnasız Amerikan müzikal komedisinin 'altın çağına' ait son derece doğrusal küçük hikayelerdir. Senaryonun parçalı, derleme dünyasında bu şarkılar biraz eğreti duruyor ve seyirciyi metnin gittiği yönün tam tersine çekiyor. Ara ara montaj veya harmanlama anları yakalasak da genel olarak senaryo ve müzik, estetik açıdan birbirine zıt amaçlara hizmet ediyor; bu durum da seyircinin sahip olduğu o amansız perspektif yüzünden iyice gün yüzüne çıkıyor.

Dolayısıyla oyunculuk tarzı, reji ve senaryonun birleşimiyle seyirci, tüm içgüdüleri ana karakterin o sevgi dolu, insani dünyasına kapılıp gitmek istese de istemeyerek bu oyunu 'yargılamak' zorunda kalıyor. Anlatılan hikaye zihinsel olarak takdir edilebilir ama kalbinizi ona açmak zor. Oyunu ilk kez izleyenler de benzer tepkiler veriyor; burada duygularımızdan ziyade aklımıza hitap ediliyor. Evet, şarkılar sayesinde hala gözyaşı dökenler var; ancak karakterin kendisi, başına gelenler veya yaptıkları hakkında benzer bir duygusal bağ kuranla henüz karşılaşmadım. Eğer bu yapımcıların bilinçli tercihiyse, Judy Garland'ın o meşhur ve burada başarıyla canlandırılan son derece duygusal şarkı söyleme tarzı düşünüldüğünde, bu bir hayli şaşırtıcı.

Sahne kemeri bize bunun her şeyden önce bir tiyatro oyunu olduğunu hatırlatıyor. Müziksiz uzun diyalog sahneleri var ve ancak sıra geldiğinde üç başrol oyuncusu şarkı söylüyor. Aslında bu tam olarak doğru değil: zaman zaman kadronun geri kalanı da armonilere eşlik ediyor. Oyuncular ayrıca sahnede sürekli görünen çeşitli enstrümanları da çalıyorlar; bu durum önceki gösterimlerde pek sorun teşkil etmiyordu ancak burada, özellikle ihtiyaç duyulmadığı anlarda oyuncuların bazen çok uzun süreler enstrümanlarının başında beklemeleri biraz tuhaf görünebiliyor. Neden böyle yaptıkları pek net değil. Simon Holt'un düzenlemeleri hala harika duyuluyor, bu yüzden bu durumu çok da kafaya takmamalıyız.

Yine de prodüksiyonun 'dili' biraz gizemli, neredeyse kapalı kalıyor: örneğin neden üç farklı Judy var ve neden bazen aynı alanı paylaşıp -hatta bazen- beraber şarkı söylüyorlar? Eskiden bu açıklama gerektirmezdi ama şimdi bir şekilde anlatılmasına ihtiyaç duyuyoruz. Ya da Harry Anton neden Sid Luft'un hem gençliğini hem yaşlılığını neredeyse iki farklı kişiymiş gibi canlandırıyor da Garland'ın ebeveynleri Ethel ve Frank Gumm'ı oynayan Amanda Bailey ve Joe Shefer tek bir zaman dilimine kilitlenmiş durumdalar? Eskiden çok sempatik gelen bu zamansal tutarsızlıklar şimdi kafa karıştırma eğiliminde. Neden mi? Chris Whittaker'ın koreografisi birkaç müzikal numaraya canlandırıcı bir hava katıyor; ancak sahnedekilerin büyük çoğunluğu bir, iki veya üç aktris dans ederken hareketsiz durarak veya sadece yürüyerek buna dahil olmuyor. Geçen yüzyılın en büyük şarkı ve dans dehalarından birinin adıyla pazarlanan bir West End şovu için bu durum biraz eksantrik kaçabilir. Tom Elliot Reade (Roger Edens), Don Cotter (L B Mayer), Perry Meadowcroft (George Schlatter) ve Chris McGuigan (Norman Jewison) gibi isimlerden oluşan kalabalık bir kadro ve hatta kanatlarda bekleyen dört kişilik ek bir orkestra var. Ancak tüm bu kaynaklar yeterince kullanılmamış gibi görünüyor. Yine kendimize soruyoruz: Neden? Sahne kemerinin o inceleyici bakışı, bu soruları sormaya zorluyor ancak prodüksiyon hazır bir cevap sunmuyor. Bir gizemle karşılaştığında izleyici tehlikeli bir şekilde bunu kendi başına çözmeye başlar.

Nitekim Christopher Dickens'ın canlandırdığı Hunt Stromberg Jnr, CBS kanalının taleplerine uyması için Judy'ye baskı uygularken, seyirci de zihninde hikaye için bir rota çizmeye başlıyor: Kahramanın ulaşması gereken 'hedef' bu mu? Ya da Carmella Brown'ın Judith Kramer'ı, Judy'nin karavanının dışına bir 'sarı tuğlalı yol' boyandığını söylediğinde, oyunun bizi Oz'a geri götürmesini mi beklemeliyiz? Bir bakıma senaryo bunu yapıyor; bizi sonunda 'The Wizard of Oz'un o meşhur bulutları ve gökyüzü eşliğinde 'Over the Rainbow'un tam performansına ulaştırıyor (filmin tek 'gerçek' görüntüsü budur, geri kalanı tıpkı bu oyun gibi tamamen stüdyo kurgusudur). Ancak o yolda yürürken, oyundaki diğer pek çok şeyi rasyonalize etmek çok zor. Ve oyunda o kadar çok gerçekçi baskı var ki (TV reytingleri, anketler, odak grup raporları, bilimsel analizler vb.), ister istemez mantıklı olma ihtiyacı hissediyoruz.

Arts Theatre seyircisi için bu durumun ne ifade edeceği zamanla görülecek. Bence bir göz atmaya değer ama o eski büyüsü artık yok.

ARTS THEATRE'DAKI JUDY! İÇİN BİLET ALIN