GROSSES INTERVIEW: Die Schöpfer von Grey Gardens - Das Musical

Doug Wright, Michael Korie und Scott Frankel Douglas Mayo hatte nach der Eröffnungsnacht von Grey Gardens die Gelegenheit, mit den Schöpfern der Show, Scott Frankel (Musik), Michael Korie (Texte) und Doug Wright (Buch), zu sprechen, um die Show zu diskutieren und ihre Gedanken zur aktuellen Produktion im Southwark Playhouse zu erfahren.

An dem Morgen, an dem ich mit den Schöpfern sprach, waren die ersten von vielen 5-Sterne-Rezensionen für die Produktion eingetroffen und das Team war begeistert.

Nicht viele Menschen wissen, dass Grey Gardens das erste Musical war, das je aus einem Dokumentarfilm adaptiert wurde. Wie haben Sie die Adaption angegangen, um sie für die Bühne des Musiktheaters zum Laufen zu bringen? DW: Als sie mich das erste Mal ansprachen, sagte ich zu beiden, Scott und Michael, das sei eine absurde Prämisse MK: Und respektlos! DW: Ich sagte, der Film ist brillant. Ich verehre ihn. Jeder Versuch, ihn für das Theater zu übersetzen, wäre eine Übung in Künstlichkeit. Was den Dokumentarfilm Grey Gardens tiefgründig macht, ist, dass er Cinéma vérité ist.

Scott, der sehr klug und sehr weise ist, sagte zu mir, warum kommst du nicht nächste Woche zurück und sag uns dann nochmal, warum es so eine verrückte Idee ist. Also tat ich das. Ich sagte – es gibt keine Erzählung. Im Theater braucht man einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Später saßen Michael und Scott beim Mittagessen und sie hatten einen eher aufschlussreichen Moment.

MK: Wenn Scott sich auf ein Thema konzentriert, ist er fast talmudisch, er beschäftigt sich Tag und Nacht damit. Er versuchte herauszufinden, wie er Doug dazu bringen konnte, das Buch zu schreiben, denn er hatte das Gefühl, dass Doug der perfekte Dramatiker dafür war. Wir waren in einem Restaurant zum Mittagessen, das ein Papiertischtuch und einen Buntstift hatte, damit Kinder zeichnen können. Scott zeichnete zwei Kästchen und sagte „Schau dir das an!“. Ich verstand es, Akt Eins war die Vergangenheit, Akt Zwei waren die Siebziger, und der Raum zwischen den beiden Kästchen waren all die Dinge, die dazwischen passiert waren. Ich sagte, lass es uns Doug zeigen, also nahmen wir das Tischtuch mit, um es ihm zu zeigen, und er hatte dieselbe Reaktion.

DW: Indem wir es in die 40er und 70er Jahre aufteilten, sah ich eine Kausalität, die ich im Dokumentarfilm, so brillant er auch ist, nicht gesehen hatte. Plötzlich konnte ich ein narratives Gebilde erkennen. Für mich als Schriftsteller gab es mir die Chance, einen ersten Akt aus der Welt von Philip Barry und einen zweiten Akt (hoffentlich), der etwas von der verrückten Poesie von Samuel Beckett hat, zu gestalten. MK: Wir haben lange über die Geschichte gesprochen. Ediths Liebe zum Singen wurde zu einem Aspekt, der für das Erzählen der Geschichte entscheidend wurde. Als wir entdeckten, dass Little Edie mit Joe Kennedy Jnr ausgegangen war, dachten wir, na, was wäre, wenn es sich ein wenig weiterentwickelt hätte und sie sich verlobt hätten, dann hätte es eine Verlobungsparty geben können, die Big Edie vielleicht zu sabotieren versucht hätte. So entwickelte sich die Geschichte weiter. SF: Die Architektur ist kompliziert und ungewöhnlich. Doug hat seitdem eine weitere Dokumentation zu einer Musical-Adaption gemacht.

Obwohl es sich etwas moderner anfühlt, erfordert es in gewisser Weise ein wenig Eingewöhnung, weil es viel in der Zeit hin und her fließt und nicht immer alle Fragen beantwortet.

DW: Früh in unserem Prozess neigten wir manchmal zu Little Edie oder übernahmen Big Edie's Perspektive. Wir setzten uns mit Albert Maizels zusammen, der den Dokumentarfilm machte, und er gab uns einen warnenden Ratschlag, der lautete: „Gibt keinem der Charaktere die Schuld. Man darf nie vergessen, dass es im Kern eine Mutter-Tochter-Liebesgeschichte ist.“ Das war eine außerordentlich großzügige Äußerung von ihm und es wurde bei uns eingebrannt. Wir wussten, dass wir, wenn wir jemals einen Charakter zu hart angehen und dabei den anderen vernachlässigen würden, ihnen wirklich Unrecht tun würden. SF: Als ich den Film zum ersten Mal sah, dachte ich, er handele von einer übermächtigen, narzisstischen Mutter, die in einem Gewächshaus namens Grey Gardens lebte, was für sie und ihren schwulen Begleiter wirklich gut funktionierte, aber nicht annähernd so gut für ihre Tochter. Ich habe auch erkannt, dass es das ist, aber es ist auch die Geschichte einer großzügigen und fürsorglichen Mutter, die einem Tochter, die in der Welt nicht zurechtkommt, Zuflucht bot. MK: Big Edie würde das Haus nicht verkaufen, als kein Geld da war, genau aus diesem Grund, weil sie sonst in eine Einrichtung gebracht worden wäre.

Die Bewohner von Grey Gardens sind zwei der außergewöhnlichsten Charaktere im Musical-Theater. Am Ende des ersten Akts verlässt Little Edie Grey Gardens, aber zu Beginn des zweiten Akts, dreißig Jahre später, ist sie zurück. Das führt zu einigen interessanten Momenten zwischen Mutter und Tochter, nicht wahr? SF: Im ersten Akt schafft sie es, am Ende herauszukommen, und am Ende des zweiten Akts ist sie kurz davor, erneut zu gehen, schafft es aber nicht. MK: Wir haben dies erforscht und einen großen Teil der Show in Sundance geschrieben, das ein Kunstzentrum an der Grenze von Florida und Georgia ist, in einem Sumpf, einem sehr luxuriösen Sumpf.

Doug kam in meine Hütte und sagte, ich habe es herausgefunden – Akt Eins und Akt Zwei sind dasselbe, Little Edie versucht, das Haus zu verlassen und schafft es nicht – schreib ein Lied darüber.

DW: Ich denke, die Außenwelt deckte all ihre Einschränkungen, ihre Schwächen und Pathologien auf und Grey Gardens nährte sie, sodass sie immer an den Ort zurückkehrte, wo sie genährt wurde, auch wenn ihre Mutter manchmal teuflisch erschien. Ja, es schien, als wäre da irgendwo ein bisschen Momma Rose drin gewesen. SF: Ich sah das definitiv in dieser Version, wo die Mutter im ersten Akt mit Joe Kennedy spricht und sagt „sie ist eine geborene Künstlerin“. Es ist sehr klar, dass sie offensichtlich über sich selbst spricht.

Wie vergleicht sich diese Produktion im Southwark Playhouse mit anderen Produktionen, die Sie gesehen haben? SF: Wir haben die Show in Japan und Rio gesehen, würdest du glauben, sowie überall in den USA. MK: Ich sehe die Show besonders gern in einem anderen Land. Wie hat es Ihnen in Großbritannien gefallen? Hier wird Exzentrizität sicherlich besser akzeptiert. SF: Ja, hier gibt es sicherlich eine Geschichte von Aristokraten im UK, die in Landhäusern leben, ohne genug Geld zu haben. Das ist hier nicht unbekannt. DW: Wir waren besonders bewegt, solch beeindruckende Talente (Sheila Hancock und Jenna Russell) auf unser Material angewendet zu sehen. Wir alle hatten das Gefühl, dass Thom Sutherland die emotionalen Ecken des Materials wirklich ausgegraben und sie auf eine wirklich gekonnte und scharfsinnige Weise in den Vordergrund gerückt hat. Ich denke, es wäre unaufrichtig zu sagen, dass wir nicht absolut in der Luft getanzt haben letzte Nacht.

Es ist eine beeindruckende Besetzung. Jedes einzelne Besetzungsmitglied war absolut herausragend. Es war wirklich berührend.

SF: Ich sprach mit jemandem, der den Dokumentarfilm nicht kannte, der zur Eröffnungsnacht hier war. Sie sagten, dass besonders in der modernen Gesellschaft viele Dinge nicht besprochen werden, insbesondere die psychologischen Dynamiken zwischen Eltern und Kindern. Ich habe einige Besetzungsmitglieder und deren Mütter gesehen. Einige sind überschwänglich in ihrem Lob, aber andere sind stoisch und zurückhaltend. Mein Freund kommentierte, dass er es faszinierend fand, einen Blick auf einige der unschöneren Teile menschlichen Verhaltens zu werfen. Es macht sie nicht weniger menschlich, und wir alle haben sie, aber es war interessant, darüber zu sprechen und Dinge zu erleben, die hier gezielt nicht diskutiert werden.

DW: Auch die Vorstellung, dass die am meisten gequälten und komplexesten Beziehungen fast immer zwischen einem Elternteil und einem Kind sind. SF: Die besten Eltern lassen ihre Kinder so sein, wie sie sind und sein wollen, und die komplizierteren Eltern sind nicht in der Lage, sich selbst von dem Kind und ihren eigenen frustrierten Ambitionen und ihrer Vorstellung davon, was die Erzählung im Leben des Kindes sein sollte, zu lösen. Nachdem Sie das Musical uraufgeführt haben, hat HBO ihren eigenen Film über Grey Gardens mit Jessica Lange und Drew Barrymore gemacht. Was waren Ihre Gedanken zu dem Film? SF: Ich habe den Film genossen, und beide Frauen sind besonders gut darin. Einer der großen Unterschiede zwischen unserer Show und dem HBO-Film ist, dass sie sehr gezielt spekulieren, was in der Pause unseres Stücks passiert ist. Was passiert, als Little Edie Grey Gardens zum ersten Mal verlässt und nach New York geht. Es gibt kleine Hinweise im Dokumentarfilm, und es gibt einige Spekulationen, dass sie vielleicht eine Affäre mit einem verheirateten Mann hatte, die vielleicht schiefging. Der Hauptunterschied zwischen den beiden ist, dass wir sehr gezielt nicht spekulieren wollten, weil wir dachten, es wäre reicher, keine Brotkrumenspur über die Pause hinwegzulegen. Keine der beiden Damen hat recht, und keine liegt falsch. Beide sind schuldig, sie haben sich gegenseitig zerstört und gerettet, und es ist alles wahr. Wir wollten nicht alle Winkel spielen, deswegen ist Grey Gardens der perfekte Titel, es ist nicht schwarz oder weiß, es ist grau! DW: Little Edies Exzentrizitäten sind so barock, dass ich nicht denke, dass man sie einer einzigen Ursache zuschreiben kann. Ich denke, es muss eine Kombination aus dem Verlust der finanziellen Freiheit, den psychologischen Forderungen, die ihre Mutter an sie stellte, einer Prise psychischer Krankheit, einem zurückhaltenden Vater, gebrochener Liebe, und ich denke, es braucht einen perfekten Sturm, um eine Persönlichkeit so extravagant zu erschaffen. Es ist vielleicht ein schuldfreies Eingeständnis, dass ich den HBO-Film nie gesehen habe, einfach weil ich das bemerkenswerte Vergnügen hatte, mit diesen beiden außergewöhnlichen Frauen zu tanzen, und emotional bin ich mir nicht sicher, ob ich bereit bin, sie mit einem anderen Partner tanzen zu sehen. Es ist ein Vergnügen, das ich mir für die Zukunft aufspare.

Lagen ich falsch, oder sind Dialogzeilen aus dem Film in das Musical eingeflochten? MK: Ja, das sind sie. Ich wurde stark von Little Edie beeinflusst, die in den Himmel schaut und sagt: „Ein weiterer Winter, oh Gott!“. Doug und ich haben darüber gesprochen. Ich glaube tatsächlich, dass es im zweiten Akt viel Erfindung gibt, Zeilen, die nicht im Dokumentarfilm waren, die Doug als Dialog geschrieben hat, und ich habe viele der tatsächlichen Zitate in die Texte eingefügt. Also, wenn die Leute sagen, Akt Zwei sei dem Dokumentarfilm treu – ja und nein – wirklich vieles davon wurde von Doug neu erfunden. SF: Beide Frauen sprachen auf so unglaublich intelligente, poetische Weise. Ihre sprachlichen Wendungen sind so poetisch, dass sie skriptet klingen, sie sind so gut. Sie klingen viel besser, als Leute in typischen Gesprächen normalerweise sprechen, und die Bilder sind so spezifisch, dass es großartige Sprache zu graben gibt. MK: Das revolutionäre Kostüm ist ihrem Monolog sehr nahe. Gab es eine bewusste Entscheidung, die Dokumentarfilmer nicht als Charaktere in Ihrer Adaption zu verwenden? SF: Wir haben es sehr früh abgelehnt. Beide Frauen waren hungrig nach einem Publikum und die Dokumentarfilmer fungierten im Film als dieses Publikum. Wir dachten, wir könnten das in einem Live-Theater-Setting übertragen, wo Sie selbst das Publikum werden. Besonders im zweiten Akt funktioniert es in diesem Raum brillant. Als Einsiedler lebend, abgesehen von Jerry, haben sie vielleicht halluziniert oder sich vorgestellt, ein größeres Publikum zu haben. MK: James Lapine bemerkte, dass es interessant war, dass sie beide in der Lage waren, zum Publikum zu sprechen, weil sie beide die Bestätigung wollten, dass sie richtig waren. SF: Das Stück verbindet sich mit Frauen auf eine sehr spezifische Weise. Ich denke, Frauen identifizieren sich mit den „Haare runterlassen“-Qualitäten des zweiten Akts. Die Freiheit, sich um nichts zu scheren, sie selbst zu sein.

Einige Schöpfer von Musicals haben die Angewohnheit, Jahre nach der Premiere weiter an ihrem Werk zu feilen. Gewöhnen Sie sich an diese Praxis? MK: Wir haben zwischen Broadway und Broadway eine ganze Menge Arbeit geleistet, und ich denke, die Änderungen, die wir gemacht haben, haben uns zufrieden gestellt. DW: Ich verspüre immer den Drang, zu feilen, aber ich habe ein stärkeres Motto, das besagt, es gibt keine perfekten Stücke und Musicals, aber es gibt viele fertige Stücke und Musicals. Ich fühle, dass manchmal, wenn Sie ein bestimmtes Thema angreifen, der Akt des Schreibens manchmal ein Versuch ist, diesen Teil von sich selbst zu befriedigen, und dann zieht man weiter. Mit jedem neuen Werk fühle ich mich wie ein anderer Autor als der, der zuvor kam. Ich bin mir nicht sicher, ob der jetzige Autor zurückgehen und das Werk des vorherigen Autors eifrig neu erfinden könnte. Also müssen Sie einfach dem Werk vertrauen, und wenn Sie mit zwei anderen Talenten wie diesen zusammenarbeiten, bekommen Sie ein Gefühl, das seltsamerweise befriedigend ist. SF: Ich fühlte nicht so sehr das Verlangen, zu feilen, aber bei dieser Produktion sah ich Dinge darin, die ich vorher nicht gesehen und die mir nicht eingefallen waren. Es gab bestimmte stilistische Entscheidungen, die Thom getroffen und die der Rest der Gesellschaft gemacht hat, und bestimmte Designentscheidungen, die ich sehr aufregend fand. Gab es einen besonderen Moment, den Sie in dieser Produktion mochten? SF: Für mich hallen die Echos des zweiten Akts, wo die Charaktere auftauchen, als wären sie in der Erinnerung der beiden Frauen. Ich war besonders beeindruckt von Joe Kennedy, der stand, als sie versuchte, das Haus zu verlassen, und Gould, der in ihrem Bett auftauchte, liebte ich. Es kam mir nie in den Sinn. DW: Ich fand die Tatsache, dass das Bühnenbild die beiden Akte auf eine Weise integriert hat, die sich manchmal getrennt anfühlt, auf eine Weise, die ich noch nie zuvor gesehen habe. Es setzte die drohende Dunkelheit des zweiten Akts in Szene. MK: Ich liebte, was sie mit Brooks gemacht haben. In der Szene am Tor zog Thom Brooks den Sohn als Brooks den Butler an, und man konnte die Verwirrung in Little Edies Gesicht sehen, und es setzte eine völlig andere Wendung in dieser Szene. Ich konnte mich in ihrem mentalen Nebel fühlen. SF: Das Erstaunliche für uns ist, dass Sie etwas schreiben und so spezifisch wie möglich in der Partitur und im Skript sein. Keiner von uns war an diesem Projekt beteiligt, wir hatten uns mit Thom und Danielle getroffen und ich hatte mit Jenna gearbeitet, und natürlich ist Sheila eine lebende Legende, obwohl sie es nicht mag, so genannt zu werden, aber dann ist die Magie, dass jemand Ihr Material nimmt und es auf seine eigene Weise heraufbeschwört und Sie bei keinem der Backens dabei sind. Grey Gardens läuft im Southwark Playhouse bis zum 6. Februar 2016.