GRANDE INTERVISTA: Creatori di Grey Gardens, il musical

Doug Wright, Michael Korie e Scott Frankel Douglas Mayo ha avuto l’occasione, dopo la prima di Grey Gardens, di parlare con i creatori dello spettacolo—Scott Frankel (musiche), Michael Korie (testi) e Doug Wright (libretto)—per discutere del musical e raccogliere le loro impressioni sull’attuale produzione al Southwark Playhouse.

La mattina in cui ho parlato con i creatori, erano già iniziate ad arrivare le prime di molte recensioni a 5 stelle per la produzione, e il team era al settimo cielo.

Non molti sanno che Grey Gardens è stato il primo musical in assoluto ad essere adattato da un documentario. Come avete affrontato l’adattamento per farlo funzionare su un palcoscenico di teatro musicale? DW: Quando mi hanno contattato per la prima volta, ho detto sia a Scott sia a Michael che era una premessa assurda. MK: E irrispettosa! DW: Ho detto: il film è brillante. Lo venero. Qualsiasi tentativo di tradurlo per il teatro rischia di diventare un esercizio di artificio. Ciò che rende profondo il documentario Grey Gardens è che è cinéma vérité.

Scott, che è molto prudente e molto saggio, mi disse: perché non torni la prossima settimana e ci spieghi di nuovo perché è un’idea così strampalata? Così feci. Dissi: non c’è una narrazione. In teatro serve un inizio, uno svolgimento e una fine. Più tardi, Michael e Scott stavano pranzando e ebbero un momento piuttosto rivelatore.

MK: Quando Scott si concentra su un argomento è quasi talmudico: ci si fissa giorno e notte. Stava cercando di capire come convincere Doug a scrivere il libretto, perché sentiva che Doug fosse il drammaturgo perfetto per questo progetto. Eravamo a pranzo in un ristorante con una tovaglia di carta e dei pastelli, come quelle che danno ai bambini per disegnare. Scott disegnò due riquadri e disse: “Guarda qui!”. Io capii subito: l’Atto Uno era il passato, l’Atto Due erano gli anni Settanta, e lo spazio tra i due riquadri era tutto ciò che era accaduto nel mezzo. Dissi: facciamolo vedere a Doug; così staccammo la tovaglia per mostrargliela e lui ebbe la stessa reazione.

DW: Dividendolo tra anni Quaranta e anni Settanta, ho visto una causalità che nel documentario—per quanto straordinario—non avevo colto. All’improvviso riuscivo a percepire una forma narrativa. Per me, come autore, mi dava la possibilità di costruire un primo atto nel mondo di Philip Barry e un secondo atto (spero) che debba qualcosa alla poesia folle di Samuel Beckett. MK: Abbiamo parlato a lungo della storia. L’amore di Edith per il canto è diventato un elemento cruciale del racconto. Quando abbiamo scoperto che Little Edie era uscita con Joe Kennedy Jr, abbiamo pensato: e se fosse andata un po’ oltre e si fossero fidanzati? Allora ci sarebbe potuta essere una parte legata al fidanzamento che Big Edie avrebbe potuto tentare di dirottare su di sé. Così la storia ha preso forma. SF: L’architettura è complessa e insolita. Da quando abbiamo fatto questo, Doug ha adattato in musical anche un altro documentario.

Pur avendo un sapore piuttosto contemporaneo, per certi versi richiede un attimo di abitudine, perché salta molto avanti e indietro nel tempo e non sempre risponde a tutte le domande.

DW: All’inizio del processo, a volte parteggiavamo per Little Edie o adottavamo il punto di vista di Big Edie. Ci siamo seduti con Albert Maysles, che ha realizzato il documentario, e ci diede un avvertimento prezioso: “Non incolpate nessuna delle due. Non dovete mai dimenticare che, al suo cuore, è una storia d’amore tra madre e figlia”. Fu una cosa straordinariamente generosa da dire, e ci rimase stampata in testa. Sapevamo che, se fossimo stati troppo duri con un personaggio a spese dell’altro, non avremmo reso loro giustizia. SF: Quando vidi il film per la prima volta pensai che parlasse di una madre narcisista e opprimente che viveva in una serra emotiva chiamata Grey Gardens—un ambiente che funzionava benissimo per lei e per il suo accompagnatore gay, ma molto meno per la figlia. Col tempo ho capito che è anche questo, ma è pure la storia di una madre generosa e premurosa che offriva un rifugio sicuro a una figlia incapace di funzionare nel mondo là fuori. MK: Big Edie non vendeva la casa, quando non c’erano soldi, proprio per quel motivo: altrimenti sarebbe stata internata.

Gli abitanti di Grey Gardens sono due dei personaggi più straordinari del teatro musicale. Alla fine dell’Atto Uno Little Edie lascia Grey Gardens, ma all’inizio dell’Atto Due, trent’anni dopo, è di nuovo lì. Questo crea momenti interessanti tra madre e figlia, vero? SF: Nel primo atto riesce a uscire alla fine; e alla fine del secondo atto è sul punto di andarsene di nuovo e non ci riesce. MK: Abbiamo esplorato questa idea e abbiamo scritto gran parte dello spettacolo al Sundance, un centro artistico al confine tra Florida e Georgia, in una palude—una palude molto lussuosa.

Doug entrò nella mia capanna e disse: ho capito—Atto Uno e Atto Due sono la stessa cosa, Little Edie cerca di lasciare casa e non ci riesce: scrivici una canzone.

DW: Penso davvero che il mondo esterno mettesse a nudo tutti i suoi limiti, le sue fragilità e le sue patologie, mentre Grey Gardens le nutriva; così lei torna sempre nel luogo in cui si sente accudita, anche se a volte sua madre sembra diabolica. Sì, sembrava proprio che ci fosse un po’ di Momma Rose lì dentro. SF: L’ho vista chiaramente in questa versione, quando la madre nel primo atto parla con Joe Kennedy e dice: “è una performer nata”. È evidente che in realtà sta parlando di se stessa.

Come si confronta questa produzione al Southwark Playhouse con altre che avete visto? SF: Abbiamo visto lo spettacolo in Giappone e, ci credete, anche a Rio, oltre che in tutti gli Stati Uniti. MK: A me piace particolarmente vedere lo spettacolo in un altro Paese. Come vi è sembrato qui nel Regno Unito? Da queste parti c’è senz’altro una maggiore accettazione dell’eccentricità. SF: Sì, certo: nel Regno Unito c’è una storia di aristocratici che vivono in grandi case di campagna senza avere abbastanza denaro. Non è una cosa sconosciuta qui. DW: Ci ha emozionato molto vedere talenti così formidabili (Sheila Hancock e Jenna Russell) al servizio del nostro materiale. Abbiamo tutti avuto la sensazione che Thom Sutherland abbia davvero scavato negli angoli emotivi del testo e li abbia portati in primo piano con una lucidità matura e incisiva. Sarebbe poco sincero dire che nessuno di noi tre stesse letteralmente camminando a un metro da terra ieri sera.

Il cast è impressionante. Ogni singolo interprete è stato assolutamente impeccabile. È stato davvero commovente.

SF: Ho parlato con una persona che non conosceva il documentario ed era qui alla prima. Diceva che, soprattutto nella società di oggi, molte cose non vengono affrontate—in particolare le dinamiche psicologiche tra genitori e figli. Ho visto alcuni membri del cast con le loro mamme: alcune sono prodighe di elogi, altre invece sono stoiche e trattenute. Il mio amico ha commentato che trovava affascinante puntare un faro su certe parti più sgradevoli del comportamento umano. Non ci rende meno umani—le abbiamo tutti—ma è stato interessante parlarne e osservare cose che, qui, spesso non si discutono apertamente.

DW: E poi l’idea che i rapporti più tormentati e più bizantini siano spesso proprio quelli tra un genitore e un figlio. SF: I genitori migliori lasciano che i figli siano ciò che sono e ciò che vogliono essere; i genitori più complicati non riescono a separarsi dal figlio, dalle proprie ambizioni frustrate e dalla propria visione di come dovrebbe andare la “storia” della vita del figlio. Dopo la prima del musical, HBO ha realizzato un proprio film di Grey Gardens con Jessica Lange e Drew Barrymore. Cosa ne avete pensato? SF: Il film mi è piaciuto, e entrambe sono particolarmente brave. Una delle differenze principali tra il nostro spettacolo e il film HBO è che loro, in modo molto esplicito, ipotizzano cosa sia successo in quello che, nel nostro spettacolo, è l’intervallo: cosa accade quando Little Edie lascia Grey Gardens e va a New York la prima volta. Nel documentario ci sono piccoli indizi, e c’è l’idea che “forse” abbia avuto una relazione con un uomo sposato che “forse” è finita male. La differenza fondamentale è che noi, in modo molto deliberato, non volevamo fare supposizioni, perché ci sembrava più ricco non disseminare una scia di briciole di pane durante l’intervallo. Nessuna delle due signore ha completamente ragione o torto. Sono entrambe responsabili: si sono distrutte e salvate a vicenda, ed è tutto vero. Non volevamo coprire ogni possibile angolazione; ecco perché Grey Gardens è il titolo perfetto: non è bianco o nero, è grigio! DW: Le eccentricità di Little Edie sono così barocche che non credo possano essere attribuite a un’unica causa. Dev’essere una combinazione di perdita della libertà economica, richieste psicologiche imposte dalla madre, una dose di malattia mentale, un padre emotivamente assente, un amore spezzato—serve una tempesta perfetta per creare una personalità così stravagante. Forse è una confessione un po’ colpevole, ma non ho mai visto il film HBO semplicemente perché ho avuto la straordinaria opportunità di “danzare” con queste due donne eccezionali, e non so se emotivamente sono pronto a vederle danzare con un altro partner. È un piacere che mi tengo per il futuro.

Mi sbaglio o nel musical sono state intrecciate alcune battute del film? MK: Sì, ci sono. Mi ha influenzato molto Little Edie che guarda il cielo e dice: “Un altro inverno, oh Dio!”. Ne ho parlato con Doug: in realtà c’è molta invenzione nel secondo atto—battute che non erano nel documentario, che Doug ha scritto come dialogo—e io ho preso molte citazioni vere e proprie e le ho inserite nei testi delle canzoni. Quindi quando la gente dice che l’Atto Due è fedele al documentario… sì e no: in realtà una grande parte è stata reinventata da Doug. SF: Entrambe parlavano in modo incredibilmente intelligente, poetico. I loro giri di frase sono talmente poetici che sembrano scritti: sono troppo belli. Suonano molto meglio di come la gente parla di solito, e le immagini sono così specifiche che c’è un linguaggio meraviglioso da portare alla luce. MK: “Revolutionary Costume” è molto vicino al suo monologo. C’è stata una decisione consapevole di non usare i documentaristi come personaggi nel vostro adattamento? SF: L’abbiamo scartata molto presto. Entrambe avevano fame di un pubblico, e nel film i documentaristi svolgono quella funzione. Abbiamo pensato di poterla trasporre in un contesto teatrale dal vivo, dove il pubblico diventa lo spettatore “dentro” la storia. Soprattutto nel secondo atto, in questo spazio, funziona splendidamente. Vivendo da recluse, a parte Jerry, forse allucinavano o fantasticavano di avere un pubblico più grande. MK: James Lapine ha osservato che era interessante che entrambe potessero parlare al pubblico, perché ciò che desideravano era la convalida di avere ragione. SF: Il pezzo parla alle donne in modo molto specifico. Credo che molte donne si riconoscano nella qualità del “lasciarsi andare” del secondo atto: la libertà di non fregarsene, di poter essere se stesse.

Alcuni autori di musical hanno l’abitudine di continuare a ritoccare il loro lavoro anni dopo il debutto. Vi capita di farlo? MK: Abbiamo lavorato parecchio tra Broadway e Broadway, e credo che i cambiamenti ci abbiano soddisfatto. DW: Sento sempre l’impulso di ritoccare, ma ho un principio ancora più forte: non esistono opere perfette, ma esistono molte opere finite. A volte, quando affronti un tema, l’atto di scrivere è un tentativo di appagare una parte di te, e poi vai avanti. Con ogni nuovo lavoro mi sento un autore diverso da quello di prima. Non sono sicuro che l’autore di oggi potrebbe tornare indietro e reinventare con zelo l’opera dell’autore di ieri. Quindi bisogna fidarsi del lavoro; e quando lavori con altri due talenti come questi, si prova una soddisfazione strana ma piena. SF: Io non ho sentito tanto il desiderio di ritoccare, ma vedendo questa produzione ho colto cose che prima non avevo visto e a cui non avevo pensato. Ci sono state scelte stilistiche di Thom, e del resto della compagnia, e scelte di design che ho trovato davvero entusiasmanti. C’è stato un momento, in questa produzione, che vi è piaciuto particolarmente? SF: Per me, gli “echi” del secondo atto, quando i personaggi compaiono come se fossero nella memoria delle due donne. Mi ha colpito molto Joe Kennedy immobile mentre lei cerca di lasciare casa, e Gould che compare nel suo letto: l’ho adorato. Non mi sarebbe mai venuto in mente. DW: Ho trovato che la scenografia integrasse i due atti—che a volte possono sembrare distanti—in un modo che non avevo mai visto. Preparava la cupezza incombente dell’Atto Due. MK: Ho adorato quello che hanno fatto con Brooks. Nella scena al cancello, Thom ha vestito Brooks, il figlio, come Brooks, il maggiordomo, e si vedeva la confusione sul volto di Little Edie: ha dato a quella scena un significato completamente diverso. Mi sentivo dentro la sua nebbia mentale. SF: La cosa incredibile, per noi, è che scrivi qualcosa e sei il più specifico possibile nella partitura e nel copione. Nessuno di noi era coinvolto in questo progetto; avevamo incontrato Thom e Danielle, io avevo lavorato con Jenna e, naturalmente, Sheila è una leggenda vivente—anche se non ama essere chiamata così—ma poi accade la magia: qualcuno prende il tuo materiale e lo evoca a modo suo, e tu non ci sei per nessuna fase della “preparazione”. Grey Gardens è in scena al Southwark Playhouse fino al 6 febbraio 2016.