REZENSION: Bad Jews, St James Theatre ✭✭✭✭

Bad Jews wechselt für 6 Wochen vom 8. Feb. bis 19. März ins Theatre Royal Haymarket. JETZT BUCHEN Bad Jews St James Theatre

22. Januar 2015

4 Sterne

Drei von vier sind Juden. Der jüngere Bruder wirkt liebenswert, mit Haaren, die geradezu darum bitten, zerzaust zu werden, und einem unkomplizierten Blick aufs Leben – ohne Neigung, sich aufzuregen oder zu streiten. Die Cousine ist bissig, temperamentvoll, streitlustig, grausam, konfrontativ, gehässig und bis zur Hysterie selbstgerecht – und weder blond noch dem gängigen Schönheitsideal entsprechend. Der ältere Bruder ist der typische Alpha-Mann, gewohnt an den Zierrat von Wohlstand, pingelig und herrisch, ein Sammler von Trophäen-Freundinnen. Seine aktuelle Freundin ist hübsch, schlicht und warmherzig – und sehr blond.

Oder so scheint es.

Eine Person ist eine Fantastin, die sich hinter religiösem Eifer und Tradition verschanzt, um die Risse im eigenen Leben zu verdecken und eine Persona zu erschaffen, die Trost und Sinn in einer unglücklichen Existenz verspricht. Eine ist heimlich gläubig, der Tradition verbunden, ohne daraus ein Spektakel zu machen. Eine ist warmherzig und aufgeschlossen, bereit, alle Seiten zu sehen. Und eine ist die Sorte Mensch, die Religion als Werkzeug benutzt – wann immer es einem bestimmten Zweck dient.

Die Frage ist: Welche dieser vier Figuren – drei verwandt, eine nicht – trägt welche dieser Eigenschaften in sich?

Bad Jews von Joshua Harmon, jetzt im St James Theatre zu sehen, nach einer erfolgreichen Spielzeit im Ustinov Theatre in Bath, wird als neue Komödie angekündigt. Das ist es ganz und gar nicht.

Was es jedoch ist: ein straffes, spannungsgeladenes, präzise geschriebenes Stück mit vielen Lachern – einige davon ausgesprochen unangenehm –, das die Rolle von Religion im modernen Amerika schonungslos betrachtet. Konkret geht es um das Judentum, doch die Geschichte hat eine Allgemeingültigkeit, die jeden berühren dürfte, der schon einmal Verwandte hatte, die einem bestimmten Glauben eng verbunden sind.

Die Handlung ist einfach genug. Der Grossvater ist gestorben. Der jüngere Sohn und die Cousine waren bei der Beerdigung, der ältere Sohn und seine Freundin haben sie verpasst. Sie kehren aus dem Ausland in der Nacht der Beerdigung zurück und stellen fest, dass sie ein kleines Studio-Apartment an Manhattans Upper West Side mit dem jüngeren Bruder und der Cousine teilen müssen, die bereits seit zwei Tagen dort sind.

Die Cousine will das „Chai“ ihres Grossvaters, ein religiöses Relikt aus Gold, das er zwei Jahre lang vor den Nazis verstecken konnte, während der Zweite Weltkrieg tobte. Im Testament ist nicht festgelegt, wer es bekommen soll, und die Mutter der Brüder hat vorgeschlagen, dass sie und die Cousine das unter sich klären. Der ältere Bruder will das „Chai“ und besteht darauf, dass die Cousine es nicht bekommen darf.

Es folgen bittere, brutale und vulgäre Tiraden von Cousine und älterem Bruder übereinander – über ihre jeweilige Haltung zur Religion und das vermeintliche „Recht“ auf das Relikt. Der kleine Bruder und die Freundin werden in den Streit hineingezogen und tragen beträchtlichen Kollateralschaden davon, mal still, mal nicht. Schliesslich kommt es zu einem handfesten Übergriff, und es entsteht irreparabler Schaden. In den letzten Momenten gibt es eine köstliche Wendung, die die ganze Torheit der knappen, tendenziösen Wortgefechte unterstreicht, die den Grossteil des Stücks ausmachen.

Harmon schreibt boshafte Dialoge furchtlos und mit scharfem Sprudeln. Die Figuren sind durch ihre Sprache klar konturiert, und jede wirkt echt, zugänglich – möglicherweise jemand, den man kennt. Es gibt mehrere echte Überraschungen, und vieles endet nicht so, wie es zunächst scheint. Das ist scharf beobachtet und klug geschrieben.

Gleichzeitig ist es eine Übung in beiläufigem Misogynismus. Keine weibliche Figur kommt in diesem Stück gut weg. Die tote Grossmutter ist „eine Schlampe“. Die unsichtbare Mutter der Jungs ist bestenfalls doppelzüngig, schlimmstenfalls eine erschreckende Tante. Die Freundin entpuppt sich als ebenso eigennützig und schwach wie die Cousine – wenn auch aus anderen Gründen –, und keine von beiden erfüllt das eigene Selbstbild. Die Cousine wird als völlige Hochstaplerin entlarvt; eine boshafte, gefühllose Furie, die schreit und tritt, bis sie bekommt, was sie will, und dann in einer Wolke von Rückgratlosigkeit zusammenfällt. Warum müssen die weiblichen Figuren diese Last tragen?

Vor allem, weil der jüngere Bruder – auch wenn er in mancher Hinsicht ein wenig rückgratlos ist – die beste Figur ist: derjenige, der alle liebt und respektiert, der andere Wange hinhalten kann, der seinen Grossvater vermisst, weil er sein Grossvater war, nicht wegen dessen, was ihm der Tod an Besitz zuspricht. Und der ältere Bruder, obwohl er in der Sprache genauso giftig ist wie die Cousine, wird so angelegt, dass das Publikum ihn bevorzugt – durch seinen späteren Auftritt und dadurch, dass sein „gerechter“ Anspruch auf das „Chai“ mit Romantik und seiner Rolle als ältestes Enkelkind aufgeladen wird.

Um die Komik auszuschöpfen, die in Karikaturen amerikanisch-jüdischer Milieus steckt, greift Harmon auf Vorstellungen einer patriarchalen Gesellschaft zurück, um seine Punkte zu unterstreichen. Hätte das Stück ebenso gut funktioniert mit Bruder und Schwester, einem männlichen Cousin und einem Tussi-Freund? – höchstwahrscheinlich.

Dennoch versucht Regisseur Michael Longhurst, diese Probleme mit hervorragendem Casting und einem energetischen, fokussierten Ensemble zu umschiffen – mit Leistungen, die die Höhen, Tiefen und langen, langen Pausen des Unbehagens mit Verve anpacken. Selbst wenn man sich windet, den nächsten Moment fürchtet oder gerade begreift, was passiert ist und was es bedeuten wird (was ziemlich oft vorkommt), ist man immer im Raum mit den Figuren, spürt Spannung, Schmerz und peinliche Berührtheit.

Die beste, geschlossenste Leistung liefert Joe Coen als Jonah, der jüngere Bruder. Er hat weniger Text als die anderen, steht aber ständig auf der Bühne: immer beobachtend, reagierend, vorausahnend, bemüht zu schlichten. Sein sanftes Wesen kontrastiert hervorragend mit den kriegführenden Cousins, und seine Fähigkeit, nonverbal seine Bestürzung, Angst oder Alarm zu vermitteln, ist beispielhaft. Seine letzten Momente sind wunderschön getroffen.

Als die antagonistische, aggressive Daphna ist Jenna Augen eine giftige Gewitterwolke aus verdrängtem, verborgenem Hass, Eifersucht und Angst – und zeigt zugleich schlagfertigen Witz, eine scharfe, hartnäckige Intelligenz und eine scheinbar endlose Fähigkeit zu Eifersucht und Schmerz. Das ist eine wunderbar komplexe, fein ziselierte Darstellung. Daphna ist eine Figur, die man schwer lieben kann, aber Augen lässt uns sehen, warum man sie ertragen, vielleicht sogar bewundern sollte. Angesichts des Textes ist das echtes Können.

Ilan Goodman ist grossartig als der anspruchsberechtigte Mistkerl Liam. Seine Verachtung für Daphna ist ebenso greifbar wie seine Liebe/Lust für die hilflose Melody, an der er die inneren Kriege seiner Familie auslebt. Doch Goodman glänzt darin, die Balance zwischen fiebriger Übergriffigkeit und empörter Wut zu halten: Er zeigt eine Figur, die unsympathisch, aber nachvollziehbar ist – und die zumindest gelegentlich versucht, die Wogen zu glätten und ein besserer Mensch zu sein. Wieder gilt: Bei der offensichtlichen Säure des Textes ist es bemerkenswert, wie viel Empathie Goodman herausarbeitet.

Als die erschrockene, umwerfende, blonde Nichtjüdin Melody ist Gina Bramhill schlicht grossartig. Ihre zaghafte und grauenhafte Version von Gershwins „Summertime“ ist ein Moment grausamer, komischer Schönheit. Sie überzeugt als verwirrte Eindringling, als Mädchen, das Liam liebt, und dann als jemand, der doch nicht ganz das ist, was sie zu sein schien. Bramhill ist liebenswert, würdevoll und ganz wunderbar.

Richard Kents Bühnenbild ist hervorragend: Es evoziert vollkommen das Gefühl von Wohlstand, das in einem Upper-West-Side-Studio-Apartment steckt, das wahrscheinlich mehr als 1 Million Dollar gekostet hat. Es ist stilvoll und in Aufteilung und Atmosphäre absolut stimmig. Man wird vollständig und authentisch nach Manhattan versetzt.

Wenn es einen ernsthaften Makel an der Produktion gibt, dann liegt er in der zentralen Kampfszene, die spät im Stück stattfindet. Bret Younts Umsetzung dieser Schlüssel- – und erschreckend brutalen – Szene ist nicht so realistisch, wie sie sein müsste, was die Gesamtwirkung schwächt. Die Rauferei zwischen allen vier Darstellenden muss realistisch und schmerzhaft anzusehen sein – ist sie aber nicht. Das ist keine Frage eines Versagens der Schauspieler, vielmehr hat Yount hier nicht geliefert. Es ist der Schlüsselmoment des Stücks und verdient Besseres.

Kompliment an St James, dass Longhursts Inszenierung aus Bath ans West End geholt wurde. Das ist ein grossartiger Abend bitterbösen Familiendramas, der einen lachen lässt, einem das Blut in den Adern gefrieren lässt und einen mit reichlich Stoff zum Nachdenken nach Hause schickt.

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