RECENSIONE: Brutti Ebrei, St James Theatre ✭✭✭✭

Bad Jews si trasferisce al Theatre Royal Haymarket per 6 settimane dall’8 febbraio al 19 marzo. PRENOTA ORA Bad Jews St James Theatre

22 gennaio 2015

4 stelle

Tre su quattro sono ebrei. Il fratello minore sembra un ragazzo a modo, con i capelli che ti viene voglia di scompigliare, una visione semplice della vita e poca inclinazione a fare storie o a discutere. La cugina è combattiva, focosa, polemica, crudele, provocatoria, sarcastica e così moralista da sfiorare l’isteria – e non è bionda né convenzionalmente attraente. Il fratello maggiore è il classico maschio alfa, abituato ai privilegi della ricchezza, pignolo e autoritario, collezionista di fidanzate-trofeo. La sua ultima ragazza è carina, semplice e dal cuore d’oro – ed è molto bionda.

O almeno così sembra.

C’è chi è un mitomane che si trincera dietro lo zelo religioso e la tradizione per nascondere le crepe della propria vita e costruirsi una maschera che possa portare conforto e senso a un’esistenza infelice. C’è un credente segreto, legato alla tradizione senza ostentazioni. C’è chi è generoso e di mente aperta, disposto a vedere tutti i lati. E c’è chi usa la religione come strumento, quando serve a uno scopo preciso.

La domanda è: quale di questi quattro personaggi – tre parenti e uno no – nasconde quale caratteristica di fondo?

Bad Jews, di Joshua Harmon, ora in scena allo St James Theatre dopo una stagione di successo all’Ustinov Theatre di Bath, viene presentato come una nuova commedia. Non lo è affatto.

È, piuttosto, un testo teso, serrato e scritto con grande precisione, con molte risate – alcune decisamente scomode – che guarda in faccia il ruolo della religione nell’America contemporanea: nello specifico l’ebraismo, ma con una universalità che dovrebbe toccare chiunque abbia avuto un parente legato a una fede particolare.

La trama è abbastanza semplice. Il nonno è morto. Il figlio minore e la cugina hanno partecipato al funerale, ma il figlio maggiore e la sua fidanzata lo hanno perso. Tornano dall’estero la sera del funerale e scoprono di dover condividere un piccolo monolocale nell’Upper West Side di Manhattan con il fratello minore e la cugina, che sono lì da due giorni.

La cugina vuole il “chai” del nonno, una reliquia religiosa d’oro che lui era riuscito a sottrarre ai nazisti per due anni, mentre infuriava la Seconda guerra mondiale. Il testamento non specifica a chi debba andare e la madre dei due fratelli suggerisce che siano loro e la cugina a trovare un accordo. Il fratello maggiore vuole il “chai” ed è categorico che la cugina non debba averlo.

Da lì partono monologhi amari, feroci e sboccati tra cugina e fratello maggiore, l’uno contro l’altra, sulla loro idea di religione e sul “diritto” di ciascuno alla reliquia. Il fratellino e la fidanzata vengono trascinati nella disputa e subiscono danni collaterali notevoli, a volte in silenzio, a volte no. Alla fine si arriva persino alla violenza fisica e si provoca un danno irreparabile. Negli ultimi istanti c’è un twist delizioso che sottolinea l’assurdità totale delle invettive secche e tendenziose che hanno costituito gran parte dello spettacolo.

Harmon scrive dialoghi cattivissimi senza paura e con una schiuma potentissima. I personaggi sono definiti con chiarezza dal modo in cui parlano e ciascuno sembra reale, vicino – forse qualcuno che potresti conoscere. Ci sono diverse sorprese lungo il percorso e ben poco finisce per essere come sembrava all’inizio. È una scrittura affilata e intelligente.

È anche un esercizio di misoginia sbrigativa. Nessun personaggio femminile ne esce davvero bene. La nonna morta è “una stronza”. La madre dei ragazzi, che non si vede mai, è nel migliore dei casi ambigua, nel peggiore una zia scioccante. La fidanzata si rivela interessata e fragile quanto la cugina, anche se per ragioni diverse, e nessuna delle due è all’altezza di come si racconta. La cugina viene smascherata come una falsa totale; una megera cattiva e insensibile che urla e scalcia finché non ottiene ciò che vuole e poi crolla in una nuvoletta di codardia. Perché dovrebbero essere le donne a portarsi addosso questi pesi?

Soprattutto quando il fratello minore, pur un po’ senza spina dorsale per certi versi, è il personaggio migliore: quello che ama e rispetta tutti, quello capace di porgere l’altra guancia, quello che sente la mancanza del nonno perché era suo nonno, non per ciò a cui la morte lo “autorizza” a ricevere. E il fratello maggiore, pur avendo una lingua velenosa quanto la cugina, viene costruito in modo da essere favorito dal pubblico grazie al suo ingresso tardivo e al modo in cui la sua pretesa “giusta” sul “chai” si tinge di romanticismo e del suo status di nipote maggiore.

Nel tentativo di capitalizzare la comicità insita nelle caricature dell’ebraismo americano, Harmon utilizza l’idea di una società patriarcale per rafforzare i suoi punti. Lo spettacolo avrebbe funzionato altrettanto bene con un fratello e una sorella, un cugino maschio e un fidanzato bimbominkia? – quasi certamente sì.

Ciononostante, il regista Michael Longhurst fa del suo meglio per evitare questi scogli con un casting eccellente e un quartetto di interpreti energico e concentrato, che affronta con slancio i picchi, i crolli e le lunghissime pause d’imbarazzo. Anche quando ti contorci, o temi il momento successivo, o realizzi cosa è appena successo e cosa comporterà (capita parecchio), non smetti mai di essere nella stanza con i personaggi, a sentire tensione, dolore e vergogna.

La prova migliore e più completa è quella di Joe Coen, che interpreta Jonah, il fratello minore. Ha meno battute degli altri, ma è costantemente in scena: osserva, reagisce, anticipa, prova a fare da paciere. La sua indole gentile contrasta splendidamente con i cugini in guerra e la sua capacità di comunicare senza parole disagio, paura o allarme è esemplare. I suoi ultimi momenti sono calibrati con grande sensibilità.

Nei panni della Daphna antagonista e aggressiva, Jenna Augen è una nube temporalesca vitriolica di odio represso e nascosto, gelosia e angoscia, e allo stesso tempo dimostra un umorismo pronto, un’intelligenza acuta e tenace e una capacità inesauribile di gelosia e dolore. È un’interpretazione meravigliosamente complessa e raffinata. Daphna è un personaggio difficile da amare, ma Augen ci permette di capire perché vada tollerata, forse persino ammirata. Considerata la scrittura, è vera maestria.

Ilan Goodman è eccellente nei panni dell’insopportabile Liam. Il suo disprezzo per Daphna è palpabile quanto il suo amore/desiderio per la sventurata Melody, sulla quale scarica le guerre interne della sua famiglia. Ma Goodman è bravissimo a camminare sul filo tra molestia frenetica e rabbia indignata, restituendo un personaggio sgradevole ma comprensibile e che, almeno a tratti, prova a calmare le acque e a essere una persona migliore. Di nuovo: vista l’acidità evidente della scrittura, Goodman brilla nel raggiungere questo livello di empatia.

Nei panni della splendida, bionda e non ebrea Melody, Gina Bramhill è davvero superba. La sua versione esitante e tremenda di Summertime di Gershwin è un momento di crudele bellezza comica. È convincente come intrusa spaesata, la ragazza innamorata di Liam, e poi come qualcosa di non proprio conforme a ciò che sembrava. Bramhill è dolce, dignitosa e splendida.

La scenografia di Richard Kent è superba, e restituisce in pieno il senso di ricchezza implicito in un monolocale dell’Upper West Side che probabilmente costa più di un milione di dollari. È elegante e, per disposizione e atmosfera, assolutamente perfetta. Ti ritrovi trasportato a Manhattan in modo totale e autentico.

Se c’è un difetto serio nella produzione, sta nella scena chiave del combattimento, che arriva tardi nel testo. La realizzazione di Bret Yount di quella scena cruciale – e spaventosamente feroce – non è realistica quanto dovrebbe, e questo ne diluisce l’efficacia complessiva. La colluttazione tra tutti e quattro gli attori deve essere credibile e dolorosa da guardare – e non lo è. Non è una questione di attori inadeguati, quanto del fatto che Yount non ha centrato l’obiettivo. È il momento decisivo dello spettacolo e meriterebbe di più.

Merito allo St James per aver portato a Londra la produzione di Longhurst da Bath. È una serata splendida di dramma familiare caustico che ti fa ridere, ti gela il sangue e ti lascia molto su cui riflettere dopo.

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