KRITIK: Caste, Finborough Theatre ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore und Neil Chinneck in Caste. Caste

Finborough Theatre,

Montag, 3. April 2017

3 Sterne

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Es ist ein beträchtlicher Reiz damit verbunden, die Stimmen zu hören, die dieses vergessene komische Melodram des 19. Jahrhunderts zu uns herüberträgt – Stimmen aus der Vergangenheit und aus einer Welt, die wir kaum wiedererkennen. Und doch ist es eine Welt, die wir – bei erneuter Begegnung – zu erinnern und zu respektieren uns verpflichtet fühlen: eine Phase, die durchlebt werden musste, bevor Besseres erreicht werden konnte.

Zwei Schwestern, Esther und Polly Eccles (Isabella Marshall und Rebecca Collingwood), verdienen – wenn sie nicht im „Ballett“ von Häusern wie dem „Theatre Royal Lambeth“ tanzen – ihren Lebensunterhalt und leben zu Hause bei ihrem verwitweten, nichtsnutzigen Säufer-Vater (Paul Bradley). Isabella wird von gesellschaftlich höher stehenden Verehrern umworben: George d'Alroy (Duncan Moore), der in Begleitung seines militärischen Kumpanen und Mitläufers Captain Hawtree (Ben Starr) erscheint. Polly wiederum hat das Interesse des aufstrebenden Gasingenieurs Sam Gerridge (Neil Chinneck) geweckt. Als die Nachricht von der bevorstehenden Verbindung ihres Sohnes zu seiner Mutter gelangt, stellt sich die von den Plantagenets abstammende Marquise de St Maur (Susan Penhaligon) als größter Stachel im Fleisch von Isabellas Versuch heraus, aus der (recht vornehmen) Armut in den vergleichsweisen Komfort eines Lebens als Gattin eines minderen Aristokraten aufzusteigen. Sie trägt die Hauptlast der melodramatischen Neigungen des Stücks, während ihre Soubrette-Schwester sich genüsslich in dessen komischeren Elementen austobt. Das Ensemble ist durchweg gut besetzt, mit besonders gelungenen Interpretationen von Starr, Bradley und Penhaligon, willkommenem Schwung von Collingwood und Chinneck sowie einer erfrischend entschlossenen Willensstärke von Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood und Isabella Marshall in Caste

Es ist der Traum jeder Entdeckerin und jedes Entdeckers in den entlegenen Nebenwegen der Theatergeschichte, zufällig auf die Wiederentdeckung eines verlorenen Meisterwerks zu stoßen. Solche Suchenden verdienen unsere Bewunderung für ihre Ausdauer und Entschlossenheit bei dem Versuch, Meisterwerke ans Licht zu holen, die von der Zeit und den Launen der Mode begraben wurden, deren Ruhm von der Nachwelt vergessen ist. Ebenso sollten wir sie nicht zu hart beurteilen, wenn sich herausstellt, dass der Fund weniger als ein ungetrübter Schatz ist.

So verhält es sich auch mit dieser sauber geschriebenen, pointiert gewandten, effizienten bürgerlichen Komödie aus der Mitte des 19. Jahrhunderts: „Caste“. Schon der Titel zeigt, dass sie eindeutig auf ein britisches Publikum zielt, das mit den inneren Sozialstrukturen Indiens vertraut ist – jenem riesigen Gebiet in Südasien, das kurz zuvor nach dem gescheiterten Aufstand von 1857 gegen die Kontrolle der East India Company durch die britische Armee mit Gewalt erobert und niedergerungen worden war. Kasten sind die unveränderlichen sozialen Schichten, in die jeder Mensch in Indien hineingeboren wird und die die sozialen Möglichkeiten, in denen er oder sie sich bewegen kann, fest umreißen. Dieses Stück eignet sich den Begriff an und überträgt ihn auf die britische Gesellschaft, indem es heimische gesellschaftliche Verhältnisse in ebenso unnachgiebigen Begriffen beschreibt wie das weit ältere und stabilere soziale System des Subkontinents.

Wie Sie vermutlich erkennen können, muss man den Kontext kennen, aus dem dieses Stück hervorgeht, um es wirklich zu „kapieren“. Zweifelsohne taten die Menschen in den 1860er-Jahren, als das Stück erstmals die Welt eroberte, genau das – und ohne Frage fand das Werk damals leichter Anschluss an sein Publikum als heute. Heute jedoch müssen wir uns ihm – wie jedem dramatischen Werk – danach nähern, ob es für uns eine eigene Welt erschafft, die wir bewohnen können. Und genau dort beginnen die Probleme.

Duncan Moore und Isabella Marshall in Caste.

Als Stück blickt T. W. Robertsons Unterhaltung zurück auf Komödien des 18. Jahrhunderts und zugleich voraus auf die persönlichen und gesellschaftlichen Themen später Viktorianer wie Wilde, Shaw und Granville-Barker. Wie viele Stücke seiner Zeit wirkt es – im Vergleich zu Vorgängern und Nachfolgern – eher etwas dünn. Zwar gibt es eine fesselnde Grundkonstellation im Kern, und Regisseurin Charlotte Peters holt daraus alles heraus, und obwohl Komponist und Sounddesigner Theo Holloway die Emotionen des Dramas ausmalt und das Theater mit deutlich größerer Musik aus Ballett- und Opernpartituren der Epoche flutet, wird die Kargheit des Materials ihm letztlich zum Verhängnis. Der Geschmack hat sich geändert. Wir erwarten in unserer Theaterkost mehr Substanz. Als Kuriosität ist es ein ehrenwerter Versuch, ein Stück wiederzubeleben, das seine Zeit hatte und aus Gründen, die nur allzu deutlich zutage liegen, nicht überdauert hat.

Vor ein paar Jahren bescherte uns The Old Vic eine atemberaubende Wiederentdeckung von Turgenjews „Fortune's Fool“, einem völlig zu Unrecht vernachlässigten Meisterwerk. Nun ja – Glück für sie, dass sie es gefunden haben. Nicht jede*r kann so begünstigt sein. Dies ist eine lohnende Übung: gut produziert, gut gespielt und nahezu unvermeidlich geeignet, Sie mit dem Gedanken zu entlassen, dass – was die Entwicklung des britischen Theaters im 19. Jahrhundert betrifft – noch sehr viel Besseres kommen sollte.

Bis 18. April 2017

Fotos: Greg Veit

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