RESEÑA: Caste, Teatro Finborough ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore y Neil Chinneck en Caste. Caste

Finborough Theatre,

Lunes, 3 de abril de 2017

3 estrellas

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Hay una emoción considerable al escuchar las voces que nos trae este olvidado melodrama cómico del siglo XIX: voces del pasado y de un mundo que apenas reconocemos, y que, sin embargo, al reencontrarnos con él, sentimos la obligación de recordar y respetar por lo que fue: una etapa por la que hubo que pasar antes de que pudieran lograrse cosas mejores.

Dos hermanas, Esther y Polly Eccles (Isabella Marshall y Rebecca Collingwood), cuando no se ganan la vida bailando en el «ballet» de salas como el «Theatre Royal Lambeth», viven en casa con su padre viudo, un borracho inútil, Paul Bradley. Isabella es pretendida por el socialmente más encumbrado George d'Alroy (Duncan Moore), que acude acompañado de su pegajoso camarada militar, el capitán Hawtree (Ben Starr), mientras que Polly ha atraído al ambicioso ingeniero de gas Sam Gerridge (Neil Chinneck). Cuando la noticia de la inminente alianza de su hijo llega a oídos de su madre, la marquesa de St Maur (Susan Penhaligon), descendiente de los Plantagenet, se convierte en el principal escollo en el intento de Isabella por salir de una (más bien discreta) pobreza y alcanzar la relativa comodidad de la vida como esposa de un aristócrata menor. Ella soporta el peso de las tendencias melodramáticas de la obra, mientras su hermana, una soubrette, se deleita con los elementos más cómicos. El reparto está muy bien elegido en conjunto, con interpretaciones especialmente logradas de Starr, Bradley y Penhaligon, una energía muy bienvenida de Collingwood y Chinneck, y una fortaleza de voluntad refrescantemente firme por parte de Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood e Isabella Marshall en Caste

Es el sueño de todo explorador de los recovecos de la historia teatral dar con el hallazgo casual de una obra maestra perdida. Esos exploradores merecen nuestra admiración por su perseverancia y determinación en la búsqueda de joyas enterradas por el tiempo y los vaivenes de la moda, cuyas glorias la posteridad ha olvidado. Del mismo modo, no deberíamos juzgarles con demasiada dureza cuando lo que encuentran resulta ser menos que un tesoro sin mezcla.

Así ocurre con esta comedia burguesa de mediados del siglo XIX, pulcramente escrita, ingeniosamente rematada y eficaz: Caste. El título, por sí solo, indica que está claramente dirigida a un público británico cómodamente familiarizado con las estructuras sociales internas de la India: esa vasta extensión del sur de Asia recién conquistada y sometida a la fuerza por el ejército británico tras el fallido levantamiento de 1857 contra el control de la Compañía de las Indias Orientales. Las castas son los estratos sociales inmutables en los que nace cada persona india y que delimitan los márgenes sociales en los que puede moverse. La obra se apropia del término y lo aplica a la sociedad británica, expresando los arreglos sociales domésticos en los mismos términos inflexibles que el sistema social, mucho más antiguo y estable, del subcontinente.

Como probablemente ya se ve, para «pillar» de verdad esta obra hay que conocer el contexto del que surge. Sin duda, la gente en la década de 1860, cuando la pieza irrumpió por primera vez, sí lo conocía, y no hay duda de que entonces conectó con su público con mayor facilidad que hoy. Sin embargo, hoy tenemos que acercarnos a ella —como a cualquier obra dramática— por su capacidad de crear un mundo propio en el que podamos habitar, y ahí es donde empiezan los problemas.

Duncan Moore e Isabella Marshall en Caste.

Como obra, el entretenimiento de T. W. Robertson mira hacia atrás, a las comedias del siglo XVIII, y también hacia delante, a las preocupaciones personales y sociales de los últimos victorianos, como Wilde, Shaw y Granville-Barker. Como ocurre con muchas piezas de su época, en comparación con sus predecesoras y sucesoras, resulta más bien ligera. Aunque hay una situación atractiva en el corazón del texto, y la directora Charlotte Peters la explota al máximo, y aunque el compositor y diseñador de sonido Theo Holloway da cuerpo a las emociones del drama e inunda el teatro con una música mucho más amplia, tomada de partituras de ballet y ópera de la época, la escasez del material es su perdición. Los gustos han cambiado. Esperamos más sustancia en nuestras compañías teatrales. Como curiosidad, es un noble experimento de reanimación de una obra que tuvo su momento y que, por razones demasiado visibles, no ha sobrevivido.

Hace unos años, The Old Vic nos ofreció un redescubrimiento deslumbrante de Fortune's Fool, de Turguénev, una obra maestra completamente e injustificadamente olvidada. En fin, qué suerte la suya por encontrarla. No todo el mundo puede estar tan bendecido. Este es un ejercicio valioso, está bien producido, bien interpretado y casi seguro que te dejará pensando que, en lo que respecta al desarrollo del teatro británico del siglo XIX, lo mejor estaba aún por llegar.

Hasta el 18 de abril de 2017

Fotos: Greg Veit

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