CRITIQUE : Caste, Théâtre Finborough ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore et Neil Chinneck dans Caste. Caste

Finborough Theatre,

Lundi 3 avril 2017

3 Étoiles

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Il y a un réel frisson à entendre les voix que nous apporte cette comédie mélodramatique du XIXe siècle oubliée, des voix du passé et d'un monde que nous reconnaissons à peine, et pourtant un que nous nous sentons obligés de nous rappeler et de respecter pour ce qu'il était : une étape qu'il fallait franchir, avant que de meilleures choses ne puissent être accomplies.

Deux sœurs, Esther et Polly Eccles (Isabella Marshall et Rebecca Collingwood), lorsqu'elles ne gagnent pas leur vie en dansant dans le « ballet » d’établissements comme le 'Theatre Royal Lambeth', vivent chez elles avec leur père veuf, un ivrogne bon à rien, Paul Bradley. Isabella est courtisée par des prétendants de rang social supérieur, George d'Alroy (Duncan Moore), qui fréquente avec son compagnon militaire, le capitaine Hawtree (Ben Starr), tandis que Polly a attiré le monteur de gaz en pleine ascension sociale, Sam Gerridge (Neil Chinneck). Lorsque le projet d'alliance imminente de son fils parvient à sa mère, la marquise de St Maur (Susan Penhaligon), descendante des Plantagenêts, elle s'impose comme le principal obstacle à la tentative d'Isabella de sortir de la pauvreté (plutôt modeste) et d'accéder au confort relatif de la vie d'épouse d'un petit aristocrate. Elle subit le poids des tendances mélodramatiques de la pièce, tandis que sa sœur soubrette se délecte de ses éléments plus comiques. La compagnie est bien répartie, avec des interprétations particulièrement réussies de Starr, Bradley et Penhaligon, une énergie bienvenue de Collingwood et Chinneck, et une force de volonté rafraîchissante et déterminée de Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood et Isabella Marshall dans Caste

C'est le rêve de tout explorateur des chemins obscurs de l'histoire théâtrale de tomber sur la découverte fortuite d'un chef-d'œuvre perdu. De tels explorateurs méritent notre admiration pour leur persévérance et leur détermination dans leur quête pour déterrer des chefs-d'œuvre enterrés par le temps et les vicissitudes de la mode, leurs gloires oubliées par la postérité. De même, nous ne devrions pas les juger trop sévèrement lorsque ce qu'ils trouvent s'avère être moins que des trésors inaltérés.

Ainsi en est-il de cette comédie bourgeoise habilement écrite, intelligemment conçue et efficace du milieu du XIXe siècle : 'Caste'. Le nom seul indique qu'elle est clairement destinée à un public britannique à l'aise avec les structures sociales internes de l'Inde – cette vaste région de l'Asie du Sud récemment conquise et maîtrisée par la force de l'armée britannique après le soulèvement infructueux de 1857 contre le contrôle de la Compagnie des Indes orientales. Les castes sont les strates sociales immuables dans lesquelles chaque Indien naît, et qui circonscrivent les paramètres sociaux dans lesquels il ou elle peut évoluer. Cette pièce s'approprie le terme et l'applique à la société britannique, exprimant les arrangements sociaux domestiques dans des termes aussi inflexibles que le système social beaucoup plus ancien et stable du sous-continent.

Comme vous pouvez probablement le deviner, pour vraiment « comprendre » cette pièce, vous devez connaître le contexte dont elle émane. Sans aucun doute, les gens dans les années 1860, lorsque cette pièce a d'abord émergé dans le monde, le faisaient, et sans question, l'œuvre a alors connecté plus facilement avec son public qu'elle ne le fait aujourd'hui. Cependant, aujourd'hui, nous devons l'aborder - comme tout travail dramatique - sur sa capacité à créer un monde propre pour que nous l'habitons, et c'est là que commencent les problèmes.

Duncan Moore et Isabella Marshall dans Caste.

En tant que pièce, le divertissement de T. W. Robertson regarde en arrière vers les comédies du XVIIIe siècle et aussi en avant vers les préoccupations personnelles et sociales des Victoriens tardifs comme Wilde, Shaw et Granville-Barker. Comme beaucoup de pièces de son époque, par rapport à ses prédécesseurs et successeurs, elle est plutôt fragile. Bien qu'il y ait une situation engageante au cœur de l'œuvre, et que la directrice Charlotte Peters en tire le meilleur parti, et bien que le compositeur et concepteur sonore Theo Holloway amplifie les émotions du drame et inonde le théâtre de musiques beaucoup plus grandes des partitions de ballet et d'opéra de l'époque, la rareté du matériel est sa perte. Le goût a changé. Nous attendons plus de substance dans notre compagnie théâtrale. En tant que curiosité, c'est une expérience noble dans la réanimation d'une pièce qui a vécu son époque et, pour des raisons bien trop visibles, n'a pas survécu.

Il y a quelques années, The Old Vic nous a offert une redécouverte stupéfiante de « L'Idiot de la Fortune » de Tourgueniev, un chef-d'œuvre complètement et injustement négligé. Eh bien, tant mieux pour eux de l'avoir trouvé. Tout le monde ne peut pas avoir cette chance. C'est un exercice valable, il est bien produit, bien joué et presque assuré de vous laisser penser que, pour ce qui est du développement du théâtre britannique du XIXe siècle, tant de meilleures choses étaient encore à venir.

Jusqu'au 18 avril 2017

Photos : Greg Veit

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