CRÍTICA: Caste, Finborough Theatre ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore e Neil Chinneck em Caste. Caste

Finborough Theatre,

Segunda-feira, 3 de abril de 2017

3 Estrelas

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Há um entusiasmo considerável em ouvir as vozes que este melodrama cómico do século XIX, há muito esquecido, nos traz — vozes do passado e de um mundo que mal reconhecemos e, ainda assim, um mundo que, ao voltarmos a conhecê-lo, sentimos que devemos recordar e respeitar pelo que foi: uma etapa que tinha de ser atravessada antes de se poder alcançar algo melhor.

Duas irmãs, Esther e Polly Eccles (Isabella Marshall e Rebecca Collingwood), quando não estão a ganhar a vida a dançar no “ballet” de casas como o “Theatre Royal Lambeth”, vivem em casa com o pai viúvo, um alcoólico inútil, Paul Bradley. Isabella é cortejada por pretendentes de estatuto social mais elevado: George d’Alroy (Duncan Moore), que aparece acompanhado pelo seu amigo militar parasita, o Capitão Hawtree (Ben Starr), enquanto Polly atraiu o ambicioso engenheiro de gás Sam Gerridge (Neil Chinneck). Quando a notícia da futura união do filho chega à mãe dele, a marquesa de St Maur (Susan Penhaligon), orgulhosa da sua ascendência “dos Plantagenetas”, assume-se como o principal espinho no caminho da tentativa de Isabella de sair da (bastante respeitável) pobreza e alcançar o conforto relativo da vida como esposa de um aristocrata menor. É ela quem carrega o peso das tendências melodramáticas da peça, enquanto a sua irmã soubrette se deleita com os elementos mais cómicos. O elenco está bem escolhido em toda a linha, com interpretações particularmente bem-sucedidas de Starr, Bradley e Penhaligon, energia bem-vinda de Collingwood e Chinneck, e uma força de vontade refrescantemente firme de Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood e Isabella Marshall em Caste

É o sonho de qualquer explorador dos recantos obscuros da história do teatro deparar-se, por acaso, com a descoberta de uma obra-prima perdida. Tais exploradores merecem a nossa admiração pela perseverança e determinação na busca de desenterrar obras-primas enterradas pelo tempo e pelas vicissitudes da moda, com as suas glórias esquecidas pela posteridade. Do mesmo modo, não devemos julgá-los com demasiada severidade quando aquilo que encontram acaba por ser menos do que um tesouro sem mácula.

É precisamente o caso desta comédia burguesa de meados do século XIX, bem escrita, inteligente e eficaz: “Caste”. Só o título indica que foi claramente dirigida a um público britânico confortavelmente familiarizado com as estruturas sociais internas da Índia — esse vasto território do sul da Ásia recentemente conquistado e subjugado pela força do exército britânico após a revolta falhada de 1857 contra o controlo da Companhia das Índias Orientais. As castas são os estratos sociais imutáveis em que cada indiano nasce, e que delimitam os parâmetros sociais dentro dos quais ele ou ela se pode mover. Esta peça apropria-se do termo e aplica-o à sociedade britânica, exprimindo os arranjos sociais domésticos com a mesma inflexibilidade de um sistema social muito mais antigo e estável do subcontinente.

Como provavelmente já percebeu, para “apanhar” verdadeiramente esta peça é preciso conhecer o contexto de que ela nasce. Sem dúvida, as pessoas na década de 1860, quando a peça irrompeu pela primeira vez, conheciam-no — e, sem questão, a obra ligou-se ao seu público de então com mais facilidade do que hoje. No entanto, atualmente, temos de a abordar — como qualquer obra dramática — pela sua capacidade de criar um mundo próprio para nós habitarmos, e é aí que começam os problemas.

Duncan Moore e Isabella Marshall em Caste.

Como peça, o entretenimento de T. W. Robertson olha para trás, para as comédias do século XVIII, e também para a frente, para as preocupações pessoais e sociais de vitorianos tardios como Wilde, Shaw e Granville-Barker. Em comum com muitas peças da sua época, e por comparação com as suas antecessoras e sucessoras, é um pouco demasiado leve. Embora haja uma situação cativante no centro da obra — e a encenadora Charlotte Peters a explore ao máximo —, e apesar de o compositor e designer de som Theo Holloway dar corpo às emoções do drama e inundar o teatro com música muito mais grandiosa, retirada de partituras de bailado e de ópera da época, a escassez do material acaba por ser a sua queda. O gosto mudou. Esperamos mais substância da nossa oferta teatral. Como curiosidade, é uma experiência nobre de reanimar uma peça que teve o seu tempo e que, por razões demasiado evidentes, não sobreviveu.

Há alguns anos, o Old Vic ofereceu-nos uma redescoberta deslumbrante de “Fortune’s Fool”, de Turguéniev — uma obra-prima negligenciada de forma completamente injustificável. Bem, sorte a deles por a terem encontrado. Nem todos podem ser tão afortunados. Isto é um exercício válido, está bem produzido, bem interpretado e é muito provável que o deixe a pensar que, no que dizia respeito ao desenvolvimento do teatro britânico do século XIX, o melhor ainda estava para vir.

Em cena até 18 de abril de 2017

Fotografias: Greg Veit

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