KRITIK: Confessional, Southwark Playhouse ✭✭✭

Audience, Audience, Lizzie Stanton, Jack Archer, Tim Harker, Audience. Foto: Simon Annand Confessional

Southwark Playhouse

7. Oktober 2016

4 Sterne

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Eine Uraufführung eines Stücks von Tennessee Williams ist ein seltenes Ereignis – und umso schöner, wenn sie im „Little“-Raum stattfindet, in der Elephant-and-Castle-Antwort auf das National Theatre. Für diese Produktion sitzt das Publikum mitten in der „Pub“-Kulisse, demokratisch verteilt auf Stühlen an polierten Holztischen – frei, sich an der Bar Getränke zu holen oder nach Belieben ein- und auszugehen –, während wir es uns gemütlich machen und in diese aussergewöhnliche Schöpfung eintauchen. Williams, ein grosser Experimentator, versammelt in diesem ersten Entwurf aus dem Jahr 1970, den er nie weiterentwickelte, seine vertraute Truppe gesellschaftlicher Aussenseiter und Sonderlinge und lässt sie gegeneinander – und gegen uns – antreten: in einer Abfolge von Auseinandersetzungen und introspektiven Monologen im Verlauf eines typischen Abends in einer ganz gewöhnlichen Bar. Diese brillant einfühlsame und fantasievolle Inszenierung von Jack Silver hätte ihm gefallen; Silver arbeitet sich mit scheinbar grenzenlosen Talenten in unserem Ansehen rasant nach oben. Er nimmt Williams’ amerikanisches Milieu und verlegt es geschickt – ohne auch nur ein Wort am Text zu ändern – in die schäbige, leicht heruntergekommene, ostendmäßig-am-Meer gelegene „Nehmt-uns-wie-wir-sind“-Atmosphäre von Southend-on-Sea.

Williams’ typische Arbeitsweise, wie Gore Vidal immer wieder beschrieben hat, bestand darin, eine Idee zu nehmen, sie in einer Kurzgeschichte zu durchdenken und dann – wenn ihm danach war – einen Einakter daraus zu machen, um zu sehen, wie er auf der Bühne funktioniert; lief das gut, baute er ihn zu einem abendfüllenden Drama aus und überarbeitete so lange, bis sich seine künstlerische Vision in der klarsten Form niederschlug, zu der er das Material bringen konnte. Dieses Stück, gesprochen in den hellen Essex-Akzenten der Einheimischen und dem gepflegteren RP oder den weiter hergeholten Idiomen jener, die wegen Indiskretionen oder anderer Probleme anderswo auf der Flucht sind, stammt von irgendwo auf diesem Fliessband literarischer Produktion: weit mehr als eine Aneinanderreihung von Kurzgeschichten – grosszügige 90 Minuten Einakter, der die Grenzen dessen auslotet, was in einer einzigen Handlung Platz haben kann. Der Text scheint vorsichtig zwischen der kürzeren Form und einer Situation zu balancieren, die nach einer komplexeren, vollständig ausgearbeiteten Ausdrucksform verlangt.

Abi McLoughlin und Raymond Bethley in Confessional. Foto: Simon Annand

Nirgends zeigt sich das deutlicher als in der zentralen Figur Leona Dawson (Lizzie Stanton), die zugleich Erzählerin ist und mit ihrer geselligen, ruhelosen Art die einzelnen Erzählstränge zusammenhält, die die anderen Anwesenden in den Raum mitbringen. Sie hat – mehr als die anderen – das Ohr des Publikums, ebenso wie das ihrer Gesprächspartner, und sie ist es, die am ehesten die Möglichkeit einer durchgehenden „Geschichte“ andeutet. Und doch: tut sie es nicht. Immer wieder wird die Erwartung einer erkennbaren, traditionellen dramatischen Erzählweise geweckt – und ebenso häufig, nicht zuletzt von unserer Leona, wieder zunichtegemacht.

Diese Gewohnheit, Handlung anzudeuten und dann ihren Schwung zu unterlaufen, findet sich auch bei den übrigen Figuren: dem umherziehenden Koch Bill McCorkle (Gavin Brocker); dem träge sinnlichen und womöglich gefährlichen Steve (Rob Ostlere); der zerbrochenen, halb wahnsinnigen Violet (Simone Somers-Yeates); dem meist schweigsamen, aber stets aufmerksamen Wirt Monk (Raymond Bethley); dem seltsam unpassend urbanen Drehbuchautor Quentin (Tim Harker) und seinem neu entdeckten jungen Objekt des Interesses Bobby (Jack Archer); der aus dem Verkehr gezogene alkoholkranke Doc (Abi McLoughlin); und sogar den kleinen Rollen des Türstehers und des Polizisten Tony (beide gespielt von Alex Kiffin). All diese Figuren sind hin- und hergerissen zwischen dem Versuch, miteinander in Kontakt zu treten, und dem bewussten Abtauchen in oft scharf isolierte Monologe – ganz in der Art des etwas späteren „Kennedy’s Children“. Niemand kann Tennessee Williams vorwerfen, nicht versucht zu haben, Neuland zu betreten.

Rob Ostlere und Simone Somers-Yeates in Confessional. Foto: Simon Annand

Allmählich dämmert die Erkenntnis, dass das, was wir hier erleben, trotz der makellos realistischen Ausstattung (wunderbar zusammengestellt von Justin Williams – unterstützt von Jonny Rust – und mit perfekter Wirklichkeitsnähe ausgeleuchtet von Jack Weir; und ich würde zu gern wissen, wer den Ton gemacht hat: inklusive einer Jukebox, die – glaube ich – ein Joshua-Bell-Geigenbonbon spielt), weit von der Realität entfernt ist. Tatsächlich scheint Williams etwas zu schaffen, das dem ähnelt, was Siodmak in den 1920ern mit seinem stummen „Film ohne Handlung“ „People on Sunday“ tat (später als Tonfilm neu gedreht – aber ebenfalls in Schwarzweiss – von Fassbinder). Figuren werden präsentiert, sie sprechen, sie tun kleine, alltägliche, gewöhnliche Dinge (bezogen auf ihre jeweiligen Lebensumstände – die Welt der Doc ist eine ganz andere als die der Maniküristin), und dann gehen sie wieder. Und das war’s. Manche mögen das zur Weissglut treiben, aber es will auch nicht mehr sein. Menschen kommen und gehen, tadellos gekleidet von Katy Clark, und in grossartig energetisierten Bewegungen: Später erfährt man, wenn man beim Verlassen des Zuschauerraums ein Programmheft in die Hand gedrückt bekommt, dass Silver hier eine neue Spielweise erfindet – ohne festgelegtes Blocking oder konkrete Regieanweisungen; Entscheidungen dieser Art treffen die Darstellerinnen und Darsteller im Moment. Da viele Handlungen und Reaktionen davon abhängen, wo und wie das Publikum sitzt oder sich bewegt, hat dieser Ansatz viel praktischen Sinn. Allerdings sind einige Texte sehr lang und komplex, und vielleicht ist diese Methode bisweilen zu instabil – besonders für Schauspielerinnen und Schauspieler in vergleichsweise frühen Phasen ihrer Laufbahn; das kann sich mit ein paar weiteren Vorstellungen schnell ändern. Und doch ist da stets ein starkes Gefühl von Gefahr, das alles durchdringt, was wir sehen und hören, und den dramatischen Eindruck auf ebenso ungewohnte wie unheimlich verstörende Weise verstärkt. Das ist ganz Tennessee Williams.

Simone Somers-Yeates, Raymond Bethlet, Lizzie Stanton und ein Publikumsmitglied. Foto: Simon Annand

Also ja – man könnte sagen, es hat mir gefallen. Ob es dir auch so geht, weiss ich wirklich nicht. Aber viel anderes Theater wie dieses wirst du dieses Jahr vermutlich nicht sehen. Wag’s einfach. Was soll schon passieren? Vielleicht erkennst du in diesen Menschen ziemlich viel von dir selbst – in ihren Konflikten und Streitigkeiten, ihren Lieben und Hoffnungen und Enttäuschungen. Vielleicht wünschst du dir, Tennessee hätte sich noch einmal drangesetzt und dem disparaten Material mehr Zusammenhang abgerungen. Vielleicht bevorzugst du sogar eine andere Spielweise, bei der es ordentlicher und aufgeräumter zugeht. Aber diese Kompanie, Tramp, produziert von Remy Blumenfeld – unterstützt von Tommy Rowlands –, hat sich nach dem Start in Edinburgh vor zwei Jahren mit einer ersten Laufzeit dieser Produktion entschieden, etwas anderes zu machen, und das hier ist ihr erstes Projekt: Wenn das schon ihr Niveau ist – wer weiss, welche Magie noch vor uns liegt!

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