RESEÑA: Confessional, Southwark Playhouse ✭✭✭

Audience, Audience, Lizzie Stanton, Jack Archer, Tim Harker, Audience. Foto: Simon Annand Confesional

Southwark Playhouse

7 de octubre de 2016

4 estrellas

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El estreno de una obra de Tennessee Williams es un acontecimiento poco frecuente, y aún más maravilloso cuando sucede en el espacio Little, la respuesta de Elephant and Castle al National Theatre. Para esta producción, el público se sienta entre una escenografía de aire “pub”, distribuido de forma democrática en sillas alrededor de mesas de madera pulida, con la libertad de servirnos bebidas en el bar o entrar y salir cuando nos apetezca, mientras nos acomodamos para sumergirnos en esta creación extraordinaria. Williams, gran experimentador, en este primer borrador de 1970 de una obra que nunca desarrolló más, reúne a su habitual compañía de marginados sociales e inadaptados, enfrentándolos entre sí —y a nosotros— en una sucesión de discusiones y monólogos introspectivos a lo largo de una noche típica en un bar corriente. Le encantaría esta producción brillantemente empática e imaginativa de Jack Silver, que sigue escalando a velocidad meteórica en nuestra estima gracias a unos talentos aparentemente inagotables: Silver toma el entorno estadounidense de Williams y lo traslada con gran destreza —sin cambiar una sola palabra del texto— a la atmósfera sórdida, de East End junto al mar, venida a menos y de “tómanos tal y como somos” de Southend-on-Sea.

La forma de trabajar característica de Williams, descrita una y otra vez por Gore Vidal, consistía en partir de una idea, darle vueltas en un relato corto y, si le apetecía, convertirla en una pieza de un acto para ver cómo funcionaba en escena; si todo iba bien, la expandía a un drama de larga duración, sometiendo el material a tantas versiones como hicieran falta para llevar su visión artística a la forma más definida que pudiera lograr. Este libreto, dicho con los luminosos acentos de Essex de los lugareños y con el RP más pulido o con acentos más lejanos de quienes huyen de indiscreciones o problemas en otros lugares, procede de algún punto de esa cadena de montaje de creación literaria: mucho más que una ristra de relatos, son generosos 90 minutos de una pieza de un acto que empuja los límites de lo que cabe dentro del marco de una única acción; el texto parece equilibrarse con cautela entre la forma breve y una situación que anhela una expresión más compleja y plenamente desarrollada.

Abi McLoughlin y Raymond Bethley en Confesional. Foto: Simon Annand

En ningún lugar se ilustra esto de forma más clara que en el personaje central de Leona Dawson (Lizzie Stanton), que combina funciones de narradora y cuya personalidad gregaria unifica, de manera inquieta, los relatos separados que cada una de las demás personalidades trae a la sala. Ella, más que los demás, tiene la atención del público, además de la de todos sus interlocutores, y es quien parece insinuar la posibilidad de un hilo conductor de “historia”. Y, sin embargo, no lo hace. La sugerencia de una narrativa dramática reconocible y tradicional se plantea a menudo y, con la misma frecuencia —no pocas veces por nuestra Leona—, se desbarata.

Este hábito de sugerir acción y luego frustrar su impulso también se percibe en el resto del reparto: el chef errante Bill McCorkle (Gavin Brocker); el Steve perezosamente sensual y también quizá peligroso (Rob Ostlere); la Violet quebrada, medio enloquecida (Simone Somers-Yeates); el propietario Monk, por lo general taciturno pero siempre observador (Raymond Bethley); el guionista Quentin, extrañamente urbano e inadecuado para el lugar (Tim Harker), y su nuevo y juvenil objeto de interés, Bobby (Jack Archer); la doctora alcohólica expulsada del colegio profesional (Abi McLoughlin); e incluso los papeles breves del portero y el policía Tony (ambos interpretados por Alex Kiffin). Todos estos personajes se debaten entre intentar interactuar entre sí y, acto seguido, lanzarse deliberadamente a monólogos a menudo marcadamente aislados, muy al estilo del ligeramente posterior “Kennedy's Children”. A nadie se le podría acusar a Tennessee Williams de no intentar abrir senda hacia lo nuevo.

Rob Ostlere y Simone Somers-Yeates en Confesional. Foto: Simon Annand

Poco a poco, cae la ficha de que lo que estamos viviendo aquí, pese a la puesta en escena impecablemente realista (magníficamente armada por Justin Williams —con la ayuda de Jonny Rust— e iluminada con una verosimilitud perfecta por Jack Weir; y me encantaría saber quién se encargó del sonido: incluye una gramola que reproduce —creo— un bombón violinístico de Joshua Bell), está muy lejos de la realidad. De hecho, Williams parece estar construyendo algo parecido a lo que Siodmak hizo en los años 20 con su “película muda sin argumento”, “People on Sunday” (más tarde rehecha con sonido —pero también en blanco y negro— por Fassbinder). Los personajes se presentan, hablan, hacen pequeñas cosas cotidianas y ordinarias (relativas a sus respectivas ocupaciones vitales, claro —el mundo de la doctora es extremadamente distinto del de la manicurista) y luego se van. Y ya está. A algunas personas eso les puede resultar desesperante, pero la propuesta no pretende hacer nada más. La gente entra y sale, vestida de manera impecable por Katy Clark y con unos movimientos magníficamente energizados: más tarde, cuando te entregan un ejemplar del programa al salir de la sala, descubres que Silver ha decidido inventar aquí un nuevo estilo de interpretación, en el que no hay marcaje ni una dirección específica: decisiones de ese tipo se toman sobre la marcha por el reparto. Como muchas de sus acciones y respuestas dependen de dónde y cómo decida sentarse o moverse el público, este enfoque tiene mucho sentido práctico. Sin embargo, algunos parlamentos son muy largos y complejos, y quizá este planteamiento resulte demasiado inestable en ciertos momentos, especialmente para intérpretes en una etapa relativamente temprana de sus carreras: eso bien podría cambiar con unas cuantas funciones más a sus espaldas. Aun así, siempre hay una potente sensación de peligro, que impregna todo lo que vemos y oímos y suma a la sensación de drama de formas tan desconocidas como inquietantemente perturbadoras. Muy Tennessee Williams.

Simone Somers-Yeates, Raymond Bethlet, Lizzie Stanton y un miembro del público. Foto: Simon Annand

Así que, supongo que se puede decir que me gustó. Si a ti te gustará o no, la verdad es que no lo sé. Supongo que no vas a ver mucho más teatro como este —este año. Pruébalo. ¿Qué es lo peor que puede pasar? Puede que te veas reflejado en estas personas: en sus conflictos y desacuerdos, en sus amores y esperanzas y desilusiones. Puede que desees que Tennessee hubiese tenido tiempo de darle otra vuelta, sacando más sentido de sus contenidos dispares. Incluso puede que prefieras un estilo de interpretación distinto, con más pulcritud y orden. Pero esta compañía, Tramp, producida por Remy Blumenfeld —con la ayuda de Tommy Rowlands—, desde que se estrenó en Edimburgo hace dos años con una primera temporada de este montaje, ha decidido hacer algo diferente, y este es su primer proyecto: si este es el nivel en el que están ahora, ¡quién sabe cuánta más magia puede venir después!

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