KRITIK: Fish In The Dark, Cort Theatre ✭✭✭

Larry David und Rosie Perez in Fish In The Dark Fish In The Dark

Cort Theatre

8. April 2015

3 Sterne

Zeit für ein Geständnis. Sowohl Seinfeld (abgesehen von der „Soup Nazi“-Folge) als auch Curb Your Enthusiasm sind in dem grossen Mahlstrom, der das Meer des amerikanischen Fernsehens ist, an mir vorbeigetrieben. Nicht, weil es mich nicht interessiert hätte – sondern weil man vernünftigerweise nur in eine begrenzte Menge langlebiger Serien wirklich investieren kann. Ich nehme mir immer wieder vor, beide endlich richtig zu erkunden, aber je mehr Jahre vergehen, desto seltener ergibt sich die Gelegenheit dazu.

Was mich entweder zum idealen Zuschauer macht – oder zu genau der Person, von der niemand erwartet hat, dass sie sich ein Ticket für Larry Davids neue Komödie Fish In The Dark kauft, die derzeit am Broadway im Cort Theatre läuft. Ich kam ohne Erwartungen: keine Hoffnungen, keine nostalgisch gefärbten Erinnerungen, kein Fundus an Referenzen, aus dem ich hätte schöpfen können. Eine grössere Vorfreude hatte ich auf das Ensemble als auf den Star, weil ich ihre Arbeit bereits gesehen und geschätzt hatte.

Nein. Für mich war Fish In The Dark komplett Neuland.

Und vielleicht ist genau das das Problem.

In der Pause priesen um mich herum alle die Vorzüge des Stücks als „so gut, genau wie eine Folge von Seinfeld oder Curb. Das könnte ich mir auf HBO vorstellen!“ Ob das gerecht ist, kann ich nicht beurteilen – aber spätestens zur Pause stellte sich nicht das Gefühl ein, hier ein grossartiges komödiantisches Theaterstück vor sich zu haben.

Das heisst nicht, dass Davids Schreiben nicht scharf und witzig wäre. Das ist es – oft. Doch die Lacher entstehen nicht aus den Figuren oder der Situation; eher wirken sie wie Stand-up-Nummern, die in einen fortlaufenden Bewusstseinsstrom eingepasst wurden. Die über den sterbenden jüdischen Mann, der nicht will, dass seine Witwe allein lebt, es aber nicht schafft, festzulegen, welcher Sohn sich um sie kümmern soll. Die über den jüdischen Urinalbauer, dessen Frau seit zwanzig Jahren jedes Detail eines jeden Tages erinnern kann. Die über den ungeliebten Schwager, der behauptet, der jüdische Mann habe ihm auf dem Sterbebett seine Rolex versprochen. Die über die hispanische Haushälterin mit einem Geheimnis, das ihre jüdischen Arbeitgeber schockiert. Die über die jüdische Mutter, die die Frau ihres Sohnes hasst. Die über den misstrauischen jüdischen Onkel, der nicht glauben kann, dass seine Teenager-Nichte eine Trauerrede auf ihren Grossvater schreiben konnte, die besser war als seine. Die über die räuberische Gier und die wandernden Hände jüdischer Männer aller Generationen.

Bahnbrechend ist daran nichts. Was es aber gibt, ist eine Menge Cleverness, Wortwitz und alberne, eigenwillige Körperkomik – mit typisierten, archetypischen Figuren in typisierten, archetypischen Situationen. Keine Frage: Es sieht aus und klingt wie geschmeidig produzierte episodische Fernsehunterhaltung.

Zudem ist es auffallend jüdisch, und viele der Witze – körperlich wie sprachlich – setzen eine solide Vertrautheit mit jüdischen Traditionen, Redewendungen und Kultur voraus. Entsprechend fühlt es sich vor einem New Yorker Publikum am ehesten zu Hause, wo die meisten im Saal den spezifischen Kontext und Tonfall kennen.

Das Theatralischste an der Produktion liefert Todd Rosenthals spektakuläres Bühnenbild. Die Cort-Bühne ist nicht gross, aber Rosenthal nutzt spannende, ineinandergreifende Teile, um unterschiedliche Räume zu schaffen – alle vollkommen glaubhaft und absolut passend. Es gibt die Enthüllung eines neuen Sets, Mamas Schlafzimmer, die ebenso viele Lacher bekommt wie manche der besten Pointen – wobei das auch mit dem gleichzeitigen Auftreten einer weiteren Figur zu tun hat. Das opulente Buffet nach der Trauerfeier ist herrlich komisch.

Der Tod ist eine konstante Kraft im Stück, und Rosenthal unterstreicht das mit einem Rahmenelement für das Proszenium: Da ist ein riesiger Gazevorhang, auf den eine Sterbeurkunde projiziert wird, die im Verlauf des Abends elektronisch – von einer unsichtbaren Schreibmaschine – ausgefüllt wird. Zusätzlich gibt es eine künstliche Proszeniumsrahmung, die dem Stil der Sterbeurkunde entspricht – so hängt der Schatten des unvermeidlichen Todes buchstäblich ständig über den Köpfen des Ensembles. In bester komischer Tradition kann diese Rahmung trügerisch sein.

Als Autor versteht Larry David sein Material und weiss, wie man Lacher setzt. Aber als Bühnenacteur ist er nun wirklich kein Naturtalent. Seine Stimmstütze ist schwach, was dazu führt, dass er schwer zu verstehen ist – zumal um ihn herum kräftige, vollständig ausgebildete Theaterstimmen zu hören sind. Auch fehlt ihm der Instinkt eines Schauspielers dafür, wie man ein Publikum hält, wie man dem Publikum Raum zum Lachen gibt, ohne das Tempo zu verlieren, oder wie man nicht in den Höhepunkt einer Reaktion hineinschneidet, sodass eine Pointe (oder sieben) untergeht. Ja, er kann die Sätze spitz sagen, dem Publikum wissend zulächeln und die Arme in Verzweiflung oder Überraschung herumwerfen – oft mit sehr komischem Ergebnis.

Aber er ist eben immer Larry David. Zu keinem Zeitpunkt hat man das Gefühl, er sei die Figur, die er spielen soll: Norman Drexel. Man vermutet, dass sich die Dynamik des Stücks komplett verändern wird, wenn Jason Alexander am 9. Juni die Rolle übernimmt.

Die Leistung des Abends kommt von der strahlenden Jayne Houdyshell, die die Drexel-Matriarchin Gloria mit atemloser Selbstsicherheit spielt. Sie ist ein Geschenk – der Inbegriff jüdischer Muttermanipulation. Spektakulär komisch, auf diese trockene, schneidende Art, in der Ann Bancroft brillierte. Ihre Gloria ist vollkommen echt: eine glorreiche, fordernde, dreidimensionale Gorgone, die sich als gebrochene Witwe tarnt. Boylet! (Jiddisch – kein Tippfehler.)

Für die indisponierte Rita Wilson eingesprungen, ist Glenne Headly wunderbar als Normans leidgeprüfte Ehefrau Brenda – die mit dem erstaunlichen Gedächtnis, der Fähigkeit, „Fisch im Dunkeln“ zu servieren (und ihre Dinnergäste damit grausam ungebetenen, unsichtbaren Gräten auszusetzen) und der Weigerung, den Schal zu tragen, den Gloria ihr einmal gekauft hat. Headly liefert eine fein austarierte Leistung ab, ein komisches Juwel. Ihre Stimme ist rau und herrlich anzuhören.

Rosie Perez ist grossartig als Fabiana, die langjährige Haushälterin/Bedienstete der Familie Drexel. Ihr komisches Timing ist exzellent, und sie bringt eine wichtige Selbstsicherheit in ihre Szenen. Wenn sich die Handlung um sie dreht, ist das Stück am besten, am amüsantesten. Jake Cannavale, der am Broadway als Diego, Fabianas Sohn, debütiert, ist ebenfalls hervorragend – besonders in der Szene, in der er Gloria über seine Identität täuschen will. Später ist seine Fähigkeit, in einem ungesehenen Raum ein schauriges Bild zu vermitteln, erstklassig; zwingend komisch.

Johnny Orsini ist perfekt (aber verschenkt) als Greg, der Freund von Norman und Brendas Tochter Natalie – eine seltsam lächerliche Möchtegern-Schauspielerin, die darauf besteht, so zu sprechen wie die Figur, die sie gerade probt: Eliza Doolittle. Für eine Szene hätte das gut funktioniert, aber als Running Gag hinkt es mehr, als dass es läuft. Das liegt nicht an Molly Ranson, die Herkulesarbeit leistet, um der Rolle und den Akzenten Sinn zu geben.

Der Rest des Ensembles ist solide, aber vergesslich – sie erfüllen alles, was ihre schematischen Figuren verlangen, und halten die leichten Lacher am Laufen.

Das ist ein interessanter und unterhaltsamer Theaterabend. Die New Yorker sowie die Seinfeld-/Curb-Fans sind völlig aus dem Häuschen. Im Moment ist es eigentlich kein richtiges Stück, weil die zentrale Darbietung nicht wirklich Schauspiel ist. Trotzdem wird es Sie zum Lachen bringen.

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