REZENSION: König Lear, National Theatre ✭✭✭✭

Simon Russell Beale ist König Lear König Lear Olivier Theatre, National Theatre 23. Januar 2014

Seit 2007 hat es am National Theatre keine Shakespeare-Inszenierung gegeben, die auch nur annähernd so fesselnd, aufregend und mitreissend ist wie Sam Mendes’ Wiederaufnahme von König Lear, die derzeit im Olivier Theatre zu sehen ist. Gewiss: Noch nie zuvor hat ein Publikum in diesem Raum gemeinsam den Atem angehalten oder mit derselben, beinahe einhelligen Ehrfurcht auf das Werk des Barden geblickt, wie es hier immer wieder geschieht.

Nicht zuletzt ist das der filmischen Herangehensweise an die Inszenierung geschuldet – und dem ausserordentlich stimmungsvollen Bühnenbild und den Kostümen aus der Feder des genialen Andrew Ward sowie dem besonders wirkungsvollen Spiel mit Licht und Dunkelheit von Paul Pyant. Es ist eine dieser Produktionen in quasi moderner Kleidung, fest verwurzelt in den Weltkriegen des 20. Jahrhunderts – und sie funktioniert ganz hervorragend. Die riesige Spielfläche des Olivier wird vollständig genutzt; es gibt beeindruckende, epische Tableaus ebenso wie Momente stiller Intimität. Eine wunderbare Neuimagining dieser nicht gerade einfachen Tragödie.

Am beeindruckendsten ist jedoch die Direktheit des Erzählens und die reiche, scharf konturierte Detailarbeit in den Charakterzeichnungen der Hauptrollen. Das ist kein Lear von der Stange – sondern ein einzigartiger, erfrischend ausgewogener Ensemble-Ansatz. Und mit Abstand die beste Besetzung am National seit sehr, sehr langer Zeit.

Ein Teil der Schönheit der poetischen Sprache geht verloren – nun ja, ziemlich viel sogar –, aber trotz allem gibt es hier so viel Hingabe, so viel Tiefe in den Darstellungen, so viel Sicherheit im Erzählen, dass es ungewöhnlicherweise nicht ganz so stark ins Gewicht fällt.

Es gibt viele grossartige Momente, die sich ins Gedächtnis brennen: Lears skrupellose Teilung seines Reichs, vorgetragen mit dem Gesicht vom Publikum abgewandt, was die Wucht und das Gift dieser Schlüsselstellen noch steigert; der Auftritt von Regan und Goneril, stumm und doch mit perfekter Setzung dieser abscheulichen Schwestern; Edmunds erstes Erscheinen als bürokratischer Schreiberling und seine Verwandlung in den fast übermenschlichen Nazi-Verräter; der stille, aber hypnotische Ausdruck auf Regans Gesicht, während ihr Mann, ihre Schwester und ihr Schwager über die Taktik debattieren; der Blick des Narren, wenn er und Lear oben auf dem Berg den Elementen trotzen; Edgars erstes, wildes, schockierend nacktes Auftreten als der verwirrte Edgar (Poor Tom); die köstliche Imitation Regans durch den Narren; der unerwartete und erschütternd brutale Mord am Narren durch den wahnsinnigen Lear; der Ausdruck auf Lears Gesicht, als er sein blutiges Werk erkennt; die gemeine, grauenhafte Blendung Gloucesters mit einem Korkenzieher (inklusive herausploppendem Augapfel); die Enthüllung Cordelias und der französischen Armee; das zarte Wiedersehen des blinden Gloucester mit dem wiedergefundenen Edgar; Lears gequälte Schreie, wenn er Cordelias Leichnam tragend auftritt, und sein langsamer, perfekter Abstieg in den Tod; Edgars letztes, feines Gebet.

Mendes hat eine klare Vision für König Lear – und er liefert. Die Regie ist spritzig, klug und erhellend. Der erste Akt, mit rund zwei Stunden, vergeht buchstäblich wie im Flug. In Sachen Gesamtbild und szenischer Umsetzung ist das eine sehr eindrucksvolle, glanzvolle Produktion – meilenweit voraus gegenüber allem, was Lord Hytner bislang verantwortet hat.

Die beste schauspielerische Leistung kommt von Stephen Boxer, der als Gloucester schlicht grandios ist. Er trifft jeden hohen Ton – dramatisch, wahrhaftig, in der poetischen Sprachbehandlung. Ihm zuzusehen ist hypnotisch. Makellos.

Anna Maxwell-Martin ist als machtbesessene Regan köstlich „Dynasty“. Ihr Kleid, ihr Haar, ihr Rauchen, ihre Attitüde, dieses Gefühl angeborener Überlegenheit, die weit aufgerissenen, boshaften Augen, ihre kindischen Tiraden, ihre aussergewöhnliche Arbeit bei der Beerdigung ihres Mannes: Sie ist eine unermüdliche Quelle von Vergnügen und Abscheu. Und sie stirbt grossartig. Ihre geradezu orgastische Reaktion auf Gloucesters Blendung war schockierend – aber vollkommen stimmig zu ihrer detaillierten, intensiven Darstellung.

Tom Brooke ist wunderbar als Edgar – verloren, entrückt, leicht zu täuschen; und als Poor Tom ist er überragend und schafft den Balanceakt auf dem schmalen Grat zur Beinahe-Irrsinnigkeit. Seine Wiederherstellung im Finale ist opulent befriedigend. Unerwartet ist Brooke in jeder Hinsicht hervorragend.

Kate Fleetwood ist als Goneril die Personifikation weiblicher Härte. Streng aufgerollt und geschniegelt, ist sie prachtvoll hässlich, Verrat in jede Pore geätzt. Die einzige Szene, in der sie, Regan und Cordelia gemeinsam sprechen, ist erschreckend real – triefend vor giftiger Verachtung.

Als Bastard Edmund liefert Sam Troughton die beste Bühnenarbeit seiner Karriere. Wie Hitler verwandelt er sich vom kleinlichen Schreibtischmenschen zum mächtigen Maniaker und ist unterwegs verantwortlich für viele Tote und Betrügereien. Er ist ein glühender, polternder Bösewicht – doch seine besten Momente sind die ganz leisen.

Ich habe Stanley Townsend noch nie besser gesehen als hier als den zu Unrecht behandelten Kent. Er ist in jeder Hinsicht exzellent, und seine tiefe, wohlklingende Stimme verleiht dem Abend eine willkommene Textur.

Michael Nardone beeindruckt im Modus des eton-geprägten, anspruchsvollen Schlägertyps als Herzog von Cornwall. Er harmoniert gut mit Maxwell Smith, und seine Arbeit mit dem Korkenzieher – vor und während der brutalen Blendung Gloucesters – ist makellos. Dasselbe kann man allerdings nicht von Richard Clothier sagen, der als Herzog von Albany unerquicklich fade und wirkungslos bleibt. Er ist die eine unglaubwürdige Figur im Ensemble, und sein Umgang mit dem Text ist erschreckend unzureichend.

Olivia Vinall startet als Cordelia schwach – zu viel Geschrei und viel zu wenig Wärme –, findet aber im zweiten Akt zu sich. Ihr Werben um Unterstützung für ihren gejagten Vater ist echt und berührend, und ihre Szenen nach dem Tod hätten ohne die Empathie, die sie beim Publikum aufgebaut hat, nicht annähernd so gut funktioniert.

Der Narr ist eine schwierige Rolle, aber Adrian Scarborough schafft es, zugleich komisch und berührend zu sein, aufmerksam und witzig, scharfsinnig und verschmitzt. Eine ziemlich köstliche Mischung. Und sie funktioniert ausserordentlich gut. Wenn der Narr durch Lears Hand stirbt, weiss man: Der Abstieg in die Hölle hat begonnen. Auf sehr greifbare Weise tötet Lear einen wesentlichen Teil seines eigenen Selbst.

Ross Waiton hinterlässt einen starken Eindruck – zunächst als König von Frankreich und dann als Hauptmann in den letzten Szenen.

Und dann ist da Simon Russell Beales Lear.

Weder die Eröffnungsszene, in der der alternde König launenhaft sein Reich teilt und damit tiefe feindliche Linien zwischen seinen Töchtern zieht, noch die Schlussszene, in der Lears Leben erlischt, nachdem er den versammelten Menschen die Leiche Cordelias in einer erschütternden Geste bringt, haben je so gut funktioniert wie hier. Die brutale Demonstration entfesselter Macht führt unaufhaltsam zum entfesselten Moment der Entladung – sein einzig loyales und wahrhaft geliebtes Kind ist tot. An diesen beiden Polen glänzt Simon Russell Beale.

In der Mitte jedoch ist nicht alles ganz so rosig. Als würde er seinen Lear an Ian Judge anlehnen (Haare, Bart, Haltung, Wut), und zugleich die frühen Szenen fast so angehen, als wäre er Richard III. (man spürt so etwas wie einen Buckel, eine seltsam gehaltene Hand, einen eigenartigen Gang), ist Beale launisch, oft faszinierend und zwingend. Doch er spricht den Text fast immer in halsbrecherischem Tempo – abgesehen von der Schlussszene –, und das schmälert die Gesamtwirkung. Der berühmte Sturm-Monolog erreicht nicht die opernhafte, resonante Höhe, die er haben sollte. Er findet den Humor, aber bisweilen auf Kosten des Dramas und des tragischen Gewichts.

Beale nähert sich der Rolle eher kopfgesteuert als persönlich oder mit vulkanischer Selbstgerechtigkeit. Während Derek Jacobi in der Grandage-Donmar-Produktion vielleicht der bessere Lear war (er verlor die stimmliche Arbeit nie aus dem Blick), ist Beales Interpretation zweifellos klug durchdacht und sorgfältig ausgeführt. Mitunter ist seine Arbeit fragil und schön, geradezu erschütternd. Er spricht mit Schwung, aber mit präziser, fast gemeisselter Diktion. Manchmal jedoch braucht es mehr Leidenschaft, mehr Intensität ungläubiger Verwirrung, mehr Rang-bedingte Grösse.

Das ist ein effizientes, technisch fokussiertes Lear-Porträt. Doch die launischen Entscheidungen, die die Figur teuer zu stehen kommen, werden von Beale eher beobachtet als empfunden.

Dennoch: Eine bessere Schlussszene als diese habe ich nie gesehen. Sein Auftritt mit Cordelias Leichnam ist in seiner Fähigkeit, Meinungen zu drehen und harte, seelenzerstörende Trauer zu spiegeln, schlicht wundersam.

Die Bühne ist erfüllt von schweigenden, wachsamen jungen Männern, die verschiedene Soldaten spielen. Die Zahl ist beeindruckend, die Stimmung schwelt – grollend, ressentimentgeladen und volatil, während Loyalitäten kippen. Mendes hat recht daran getan, die Bühne mit diesen Statisten zu füllen: Sie geben der Tragödie ein echtes Gefühl von Ursache und Wirkung, und die königlichen Ränkespiele hallen durchs ganze Königreich.

Am eindrücklichsten an Mendes’ Blick ist, wie dieses Stück – so oft nur als Vehikel für einen Starauftritt in der Titelrolle gesehen – hier zu einer düsteren Meditation darüber wird, wie Väter das Leben ihrer Kinder prägen. Die Geschichten von Gloucester und Lear werden klar parallel erzählt, wobei jeder Mann für den anderen ebenso wichtig ist: Beide haben Kinder, beide verstossen eines, beide irren sich darin, von welchem Kind sie Unterstützung erwarten dürfen, beide werden von ihrem Nachwuchs verraten – und beide tragen Verantwortung für den Tod ihres eigenen. Dieser Ansatz macht das Stück zugleich intimer und universeller – und ganz gewiss bemerkenswerter.

Mendes hat einen Shakespeare-Abend geliefert, der in fast jeder Hinsicht lohnend und erfüllend ist. Und mit weiteren Vorstellungen wird Beales Lear zweifellos geschlossener, lyrischer und verheerender werden. Doch im Moment ist Stephen Boxers Stern das strahlende Licht in diesem opulenten Theatervergnügen.