RESEÑA: El Rey Lear, Teatro Nacional ✭✭✭✭

Simon Russell Beale es el Rey Lear El rey Lear Teatro Olivier, National Theatre 23 de enero de 2014

No se había visto, desde 2007, una producción del National Theatre de una obra de Shakespeare tan absorbente, emocionante e implicadora como la reposición de El rey Lear dirigida por Sam Mendes, actualmente en cartel en el Teatro Olivier. Desde luego, nunca antes un público había contenido la respiración al unísono ni mirado con una misma sensación de asombro la obra del Bardo en ese espacio como sucede aquí a menudo.

En buena medida, esto es resultado directo del enfoque cinematográfico de la puesta en escena y de la escenografía y el vestuario tan evocadores del genial Andrew Ward, además del uso particularmente eficaz de la luz y la oscuridad a cargo de Paul Pyant. Es una de esas producciones de estética casi contemporánea, con raíces firmemente ancladas en las Guerras Mundiales del siglo XX, pero funciona de maravilla. Se aprovecha la inmensidad del escenario del Olivier en toda su extensión, y hay escenas épicas de gran impacto junto a momentos de intimidad serena. Es una imaginación estupenda de esta tragedia, nada fácil.

Lo más impresionante de todo es la contundencia del relato y las caracterizaciones ricas y minuciosas de los protagonistas. Este no es un Lear al uso: es una propuesta de conjunto única y refrescantemente equilibrada. Y, de largo, el mejor reparto que se ha visto en el National en muchísimo tiempo.

Se pierde parte de la belleza del lenguaje poético —bueno, bastante, en realidad—, pero pese a ello hay tanto compromiso, tanta profundidad en las interpretaciones, tanta seguridad en la narración que, de forma inusual, no importa tanto.

Hay muchos momentos maravillosos que quedarán grabados a fuego en la memoria: la despiadada partición del reino por parte de Lear, con el rostro del rey oculto al público, aumentando el poder y el veneno de los instantes clave; la entrada de Regan y Goneril, en silencio pero estableciendo a la perfección a estas hermanas viles; la primera aparición del Edmund de aire oficinista y su transformación en una especie de traidor nazi casi superhombre; la mirada silenciosa pero hipnótica de Regan mientras su marido, su hermana y su cuñado debaten la táctica; el rostro del Bufón cuando él y Lear están en lo alto de la montaña frente a los elementos; la primera aparición, salvaje, cruda y completamente desnuda del Edgar enajenado (Pobre Tom); la deliciosa imitación de Regan por parte del Bufón; el asesinato inesperado y brutalísimo del Bufón a manos del Lear enloquecido; la expresión de Lear al contemplar su sangrienta obra; el cegamiento cruel y espantoso de Gloucester con un sacacorchos (con globo ocular saltando incluido); la revelación de Cordelia y el ejército francés; el tierno reencuentro del Gloucester ciego con el Edgar recuperado; los aullidos de angustia de Lear al entrar cargando con el cadáver de Cordelia y su lenta y perfecta caída hacia la muerte; la delicada plegaria final de Edgar.

Mendes tiene una visión clara de El rey Lear y la materializa con creces. La dirección es vivaz, inteligente y esclarecedora. El primer acto, de unas dos horas, literalmente se pasa volando. En términos de presentación global y puesta en escena, se trata de una producción muy impresionante y gloriosa: muy por encima de cualquier cosa que Lord Hytner haya capitaneado.

La mejor interpretación la firma Stephen Boxer, magnífico como Gloucester. Da en todas las notas altas: el drama, la verdad, la entrega poética del verso. Es hipnótico verlo. Impecable.

Anna Maxwell-Martin está deliciosamente a lo Dynasty como la Regan obsesionada por el poder. Su vestido, su pelo, su forma de fumar, su porte, esa sensación de superioridad innata, los ojos abiertos de par en par y crueles, sus rabietas infantiles, su extraordinario trabajo en el funeral de su marido: es una fuente inagotable de gozo y repulsión. Y murió de forma espléndida. Su reacción casi orgásmica ante el cegamiento de Gloucester fue impactante, pero encaja a la perfección con su interpretación intensa y detalladísima.

Tom Brooke está estupendo como Edgar, perdido, distante y fácilmente engañable; y luego, como Pobre Tom, es soberbio, logrando el difícil equilibrio de caminar por la cuerda floja de la casi locura. Su restitución en el final resulta suntuosamente satisfactoria. Inesperadamente, Brooke está brillante en todos los sentidos.

Kate Fleetwood es la personificación del acero femenino como Goneril. Tensamente recogida y peinada, resulta espléndidamente horrible, con la traición grabada en cada poro. La única escena en la que ella, Regan y Cordelia hablan juntas es aterradoramente real, chorreando desprecio venenoso.

Como el bastardo Edmund, Sam Troughton hace el mejor trabajo escénico de su carrera. Como Hitler, muta de un mezquino oficinista a un maníaco poderoso y va dejando a su paso muertes y engaños. Es un villano fogoso y fanfarrón, pero sus mejores momentos son los más silenciosos.

Nunca he visto a Stanley Townsend mejor de lo que está aquí como el agraviado Kent. Es excelente en todos los aspectos y su voz profunda y meliflua aporta una textura muy bienvenida a la función.

Michael Nardone impresiona, en modo matón con aires de niño bien de Eton, como el duque de Cornualles. Funciona muy bien con Maxwell Smith y su trabajo con el sacacorchos, tanto antes como durante el salvaje cegamiento de Gloucester, es inmaculado. No puede decirse lo mismo, sin embargo, de Richard Clothier, intensamente soso e ineficaz como el duque de Albany. Es el único personaje inverosímil del conjunto y su dominio del texto resulta, sorprendentemente, insuficiente.

Olivia Vinall empieza mal como Cordelia —demasiados gritos y muy poca calidez—, pero encuentra su sitio en el segundo acto. Su movilización de apoyos para su padre perseguido es sincera y conmovedora, y las escenas posteriores a su muerte no habrían funcionado tan bien de no ser por la empatía que construyó con el público.

El Bufón es un papel difícil de resolver, pero Adrian Scarborough consigue ser a la vez gracioso y conmovedor, observador e ingenioso, perspicaz y pícaro. Es una mezcla deliciosa. Y funciona extraordinariamente bien. Cuando el Bufón muere a manos de Lear, sabes que ha comenzado el descenso a los infiernos. De un modo muy palpable, Lear mata una parte esencial de sí mismo.

Ross Waiton causa una impresión notable primero como el rey de Francia y luego como el capitán en las escenas finales.

Y luego está el Lear de Simon Russell Beale.

Nunca habían funcionado tan bien ni la escena inicial, en la que el rey envejecido divide caprichosamente su reino y traza así profundas líneas de enemistad entre sus hijas, ni la escena final, en la que la vida de Lear se apaga tras su desgarradora aparición cargando el cuerpo de Cordelia ante la multitud reunida. La brutal exhibición de un poder desquiciado conduce inexorablemente al momento, igualmente desquiciado, de liberación: ha muerto su única hija leal y verdaderamente amada. En esos dos extremos, Simon Russell Beale sobresale.

En el tramo intermedio, sin embargo, no todo es tan redondo. Con toda la pinta de basar su Lear en Ian Judge (pelo, barba, postura, rabia) pero, al mismo tiempo, abordando las primeras escenas casi como si fuera Ricardo III (se percibe una especie de joroba en la espalda, una mano sostenida de forma extraña, una manera rara de caminar), Beale es voluble y a menudo fascinante y cautivador. Pero dice el texto siempre a una velocidad de vértigo, salvo en la escena final, y eso resta efecto al conjunto. El famoso soliloquio de la tormenta no alcanza las alturas operísticas y resonantes que debería. Encuentra el humor, pero a veces a costa del drama y del sentido de la tragedia.

Beale se aproxima al papel de forma más cerebral que personal, o con una autojusticia volcánica. Aunque Derek Jacobi quizá fuera un Lear mejor en la producción de Grandage en el Donmar (nunca perdió de vista el trabajo vocal), el de Beale es, desde luego, una interpretación inteligentemente pensada y ejecutada. En ocasiones su trabajo es frágil y hermoso, incluso devastador. Habla con rapidez, pero con una dicción precisa, casi cincelada. A veces, no obstante, se necesita más pasión, más intensidad en la confusión incrédula, más grandeza nacida del rango.

Es una interpretación de Lear eficaz y técnicamente enfocada. Pero las decisiones caprichosas —todas ellas carísimas para el personaje— Beale las observa más que las siente.

Dicho esto, nunca he visto una escena final mejor que esta: su entrada con el cadáver de Cordelia es poco menos que milagrosa en su capacidad de inclinar la opinión y reflejar un dolor duro, que destroza el alma.

El escenario se llena de jóvenes en silencio y vigilantes que interpretan a varios soldados. El número impresiona, y el ambiente es humeante, resentido y volátil a medida que cambian las lealtades. Mendes acierta al poblar el escenario con estos figurantes: le dan a la tragedia una auténtica sensación de causa y efecto, y las maquinaciones reales resuenan por todo el reino.

Lo más memorable de la visión de Mendes aquí es cómo esta obra, tan a menudo vista simplemente como un vehículo para el lucimiento de una estrella en el papel protagonista, se convierte en una oscura meditación sobre la forma en que los padres influyen en la vida de sus hijos. Aquí, las historias de Gloucester y Lear se cuentan en un paralelismo claro, con cada hombre siendo tan importante como el otro: ambos tienen hijos, ambos rechazan a uno, ambos se equivocan sobre de qué hijo esperar apoyo, ambos son traicionados por su descendencia y ambos son responsables de la muerte de los suyos. Este enfoque hace que la obra sea a la vez más íntima y más universal, y sin duda más notable.

Mendes ha entregado una noche de Shakespeare valiosa y gratificante en casi todos los sentidos. Y con más funciones, el Lear de Beale, sin duda, se volverá más coherente, más lírico y más devastador. Pero por ahora, la estrella de Stephen Boxer es la luz que más brilla en este suntuoso deleite teatral.