RECENSION: King Lear, National Theatre ✭✭✭✭

Simon Russell Beale är Kung Lear King Lear Olivier Theatre, National Theatre 23 januari 2014

Sedan 2007 har National Theatre inte satt upp något Shakespeare-drama som har varit i närheten av så fängslande, spännande och medryckande som Sam Mendes nyuppsättning av King Lear, som just nu spelas på Olivier-scenen. Aldrig tidigare har en publik hållit andan kollektivt eller betraktat Bardens verk med en sådan gemensam förundran i den lokalen som de gör här.

Detta beror till stor del på det filmiska anslaget i iscensättningen och den anmärkningsvärt stämningsfulla scenografin och kostymerna – signerade geniet Andrew Ward – samt den särskilt effektiva användningen av ljus och mörker tack vare Paul Pyant. Det är en av dessa uppsättningar i nästan modern dräkt, med rötter stadigt förankrade i 1900-talets världskrig, och det fungerar alldeles utmärkt. Hela Oliviers enorma scen utnyttjas, och vi bjuds på både imponerande storslagna scener och stunder av lågmäld intimitet. Det är en fantastisk tolkning av denna ganska svåra tragedi.

Mest imponerande av allt är den direkta berättarstilen och de rika, knivskarpa karaktärsporträtten som ges till huvudrollerna. Det här är ingen dussin-Lear – det är en unik och uppfriskande jämlik ensembleinsats. Och det är utan tvekan den bästa rollsättningen på National på mycket länge.

En del av det poetiska språkets skönhet går förlorad – ja, ganska mycket faktiskt – men trots det finns här ett sådant engagemang, ett sådant djup i gestaltningarna och en sådan säkerhet i berättandet att det, ovanligt nog, inte spelar så stor roll.

Det finns många underbara ögonblick som kommer att etsa sig fast i minnet: Lears hänsynslösa uppdelning av sitt rike, framförd med Lears ansikte vänt bort från publiken för att öka kraften i de avgörande stunderna; Regans och Gonerils entré, som tyst men perfekt etablerar de avskyvärda syskonen; den första anblicken av den kontorsliknande Edmund och hans förvandling till en slags nazistisk övermänniskoförrädare; den tysta men hypnotiska blicken i Regans ansikte när hennes make, syster och svåger diskuterar taktik; Narrens ansikte när han och Lear står på bergstoppen och möter elementen; den första, vilda och nakna uppenbarelsen av den galne Edgar (Stackars Tom); Narrens utsökta imitation av Regan; det oväntade och chockerande brutala mordet på Narren av den vansinnige Lear; blicken i Lears ansikte när han ser sitt blodiga verk; den brutala och hemska förblindningen av Gloucester med en korkskruv (komplett med en poppande ögonglob); avtäckandet av Cordelia och den franska armén; den ömma återföreningen mellan den blinde Gloucester och den återställde Edgar; Lears plågade tjut när han bär in Cordelias lik och hans långsamma, perfekta nedstigning i döden; Edgars sista sköra bön.

Mendes har en tydlig vision för King Lear och levererar verkligen. Regiinstruktionerna är rappa, intelligenta och belysande. Den första akten, som klockar in på cirka två timmar, flyger bokstavligen förbi. När det gäller presentation och iscensättning är detta en mycket imponerande och storslagen produktion – hästlängder före allt som Lord Hytner har styrt över.

Den allra bästa prestationen kommer från Stephen Boxer, som är helt magnifik som Gloucester. Han träffar varje hög ton av dramatik, sanning och poetisk leverans. Han är trollbindande att se på. Felfri.

Anna Maxwell-Martin är härligt "Dynasty"-lik som den maktgalna Regan. Hennes klänning, hår, rökning, utstrålning, hennes känsla av medfödd överlägsenhet, hennes vidöppna elaka ögon, hennes barnsliga utbrott, hennes extraordinära agerande vid makens begravning: hon är en outsinlig källa till glädje och avky. Och hon dog storslaget. Hennes orgasmiska reaktion på Gloucesters förblindning var uppseendeväckande men perfekt i samklang med hennes detaljerade, intensiva rolltolkning.

Tom Brooke är fantastisk som Edgar – vilsen, avlägsen och lättledd; som Stackars Tom är han suverän och lyckas med konststycket att balansera på vansinnets knivsegg. Hans upprättelse i finalen är djupt tillfredsställande. Oväntat nog är Brooke helt suverän i alla avseenden.

Kate Fleetwood är personifieringen av kvinnligt stål som Goneril. Spänd och välfriserad är hon praktfullt avskyvärd, med sveket inristat i varje por. Den enda scenen där hon, Regan och Cordelia pratar tillsammans är skrämmande äkta och dryper av giftigt förakt.

Som bastarden Edmund gör Sam Troughton sin karriärs bästa sceninsats. Precis som Hitler förvandlas han från en obetydlig tjänsteman till en mäktig galning och bär ansvaret för många dödsfall och bedrägerier längs vägen. Han är en eldig och bullrig skurk – men hans bästa stunder är de riktigt tysta.

Jag har aldrig sett Stanley Townsend bättre än här i rollen som den orättvist behandlade Kent. Han är utmärkt i varje avseende och hans djupa, fylliga röst ger en välkommen textur till handlingen.

Michael Nardone är imponerande som Duke of Cornwall, i stil med en privatskoleutbildad översittare. Han fungerar väl ihop med Maxwell-Martin, och hans hantering av korkskruven både före och under Gloucesters brutala förblindning är fläckfri. Detsamma kan tyvärr inte sägas om Richard Clothier, som är intensivt tråkig och verkningslös som Duke of Albany. Hans karaktär är den enda som inte känns trovärdig, och hans hantering av texten är skrämmande otillräcklig.

Olivia Vinall börjar svagt som Cordelia – för mycket skrikande och alldeles för lite värme – men hon växer i andra akten. Hennes mobilisering av stöd för sin jagade far känns äkta och rörande, och scenerna efter hennes död hade inte fungerat lika bra om det inte vore för den empati hon byggde upp hos publiken.

Narren är en svår roll att landa, men Adrian Scarborough lyckas vara både rolig och rörande, observant och slagfärdig, insiktsfull och pikaresk. Det är en utsökt blandning som fungerar extremt bra. När Narren dör för Lears hand förstår man att nedstigningen i helvetet har börjat. På ett mycket påtagligt sätt dödar Lear en väsentlig del av sig själv.

Ross Waiton gör ett betydande intryck, först som kungen av Frankrike och sedan som kaptenen i slutscenerna.

Och så har vi Simon Russell Beales Lear.

Varken öppningsscenen, där den åldrande kungen nyckfullt delar upp sitt rike och därmed drar upp djupa stridslinjer mellan sina döttrar, eller slutscenen, där Lears liv tynar bort efter att ha burit fram Cordelias kropp till den samlade massan, har någonsin fungerat så bra som här. Den brutala uppvisningen av obehärskad makt leder ohjälpligen fram till det ögonblick då allt brister, när hans enda lojala och djupt älskade barn har dött. I dessa två ytterligheter excellerar Simon Russell Beale.

Däremellan är dock allt inte lika rosenrött. Beale ser ut som om han baserat sin Lear på Ian Judge (hår, skägg, hållning, raseri) men tar sig samtidigt an de tidiga scenerna som om han vore Richard III (man får en känsla av en puckel på ryggen, en märklig handställning, en underlig gång). Han är ombytlig och ofta fascinerande och fängslande. Men han levererar texten i ett rasande tempo hela tiden, utom i slutscenen, vilket förtar helhetsintrycket. Den berömda storm-monologen når inte de operatiska och klangfulla höjder den borde. Han hittar humorn, men emellanåt på bekostnad av dramatiken och tragiken.

Beale tar sig an rollen mer intellektuellt än personligt eller med vulkanisk självrättfärdighet. Även om Derek Jacobi kan ha varit en bättre Lear i Grandages Donmar-uppsättning (han tappade aldrig fokus på det vokala arbetet), är Beales tolkning definitivt begåvad och väl genomförd. Ibland är hans skåpeleri sprött och vackert, rentav gripande. Han talar med raskhet men med en exakt, nästan mejslad diktion. Ibland krävs det dock mer passion, mer intensitet av misstrogen förvirring, mer av den storslagenhet som föds ur en kunglig rang.

Detta är en effektiv och tekniskt fokuserad Lear-prestation. Men de nyckfulla besluten, som alla kostar karaktären dyrt, observeras snarare än känns genom Beale.

Med det sagt har jag aldrig sett en bättre slutscen än denna: hans entré med Cordelias lik är inget mindre än mirakulös i sin förmåga att beröra och spegla en tung, själsdödande sorg.

Scenen kryllar av tysta, vaksamma unga män som spelar olika soldater. Antalet är imponerande, stämningen pyrande, bitter och explosiv när lojaliteter skiftar. Mendes gör rätt i att fylla scenen med dessa statister: de ger tragedin en verklig känsla av orsak och verkan, och de kungliga intrigerna ger eko genom hela riket.

Det mest minnesvärda i Mendes vision är hur denna pjäs, som så ofta bara ses som en paradroll för en stjärna, här blir till en mörk meditation över hur fäder påverkar sina barns liv. Här berättas Gloucesters och Lears historier som tydliga paralleller, där den ena mannen är lika viktig som den andra: båda har barn, båda förskjuter ett av dem, båda misstar sig på vilket barn de kan förvänta sig stöd ifrån, båda blir bedragna av sin avkomma och båda ansvarar för sina barns död. Detta grepp gör pjäsen både mer intim och mer universell, och definitivt mer sevärd.

Mendes har levererat en Shakespeare-kväll som är givande och tillfredsställande på nästan alla sätt. Och med fler föreställningar i ryggen kommer Beales Lear utan tvekan att bli mer sammanhängande, mer lyrisk och mer förkrossande. Men för stunden är Stephen Boxers stjärna det klarast lysande ljuset i denna praktfulla teaterupplevelse.