CRITIQUE : Le Roi Lear, Théâtre National ✭✭✭✭

Simon Russell Beale est le Roi Lear King Lear Théâtre Oliver, National 23 janvier 2014

Depuis 2007, il n'y a pas eu une production du Théâtre National d'une pièce de Shakespeare aussi captivante, palpitante et engageante que la reprise de King Lear dirigée par Sam Mendes actuellement à l'affiche au Théâtre Olivier. Certes, jamais auparavant un public n'avait collectivement retenu son souffle ou contemplé avec une admiration uniforme l'œuvre du Barde dans cet espace comme il le fait souvent ici.

Pour une grande partie, cela résulte directement de l'approche cinématographique de la mise en scène et du décor remarquablement évocateur et des costumes du génie qu'est Andrew Ward, ainsi que de l'utilisation particulièrement efficace de la lumière et de l'obscurité grâce à Paul Pyant. C'est l'une de ces productions presque en costume moderne, avec des racines fermement ancrées dans les guerres mondiales du vingtième siècle, mais cela fonctionne magnifiquement. La totalité de la vaste scène du Olivier est utilisée, avec de superbes scènes épiques ainsi que des moments d'intimité tranquille. C'est une merveilleuse réimagination de cette tragédie assez difficile.

La plus impressionnante de toutes est la simplicité de la narration et les riches personnages, finement détaillés, attribués aux principaux acteurs. Ce n'est pas un Lear standard - c'est une approche unique et rafraîchissante en ensemble. Et de loin le meilleur casting au National depuis très longtemps.

Une partie de la beauté du langage poétique est perdue - eh bien, en fait, beaucoup - mais malgré cela, il y a tant d'engagement ici, tant de profondeur dans les interprétations, tant de certitude dans la narration que, de façon inhabituelle, cela importe moins.

Il y a de nombreux moments merveilleux qui resteront gravés dans la mémoire : la division impitoyable du royaume par Lear, avec le visage de Lear caché au public, augmentant la puissance et le venin des moments clés; l'entrée de Regan et Goneril, établissant silencieusement mais parfaitement ces odieuses sœurs; la première apparition d'Edmund, semblable à un secrétaire, et sa transformation en traître nazi presque superman; le regard tranquille mais captivant sur le visage de Regan alors que son mari, sa sœur et son beau-frère débattent de tactiques; le visage du Fou quand lui et Lear sont au sommet de la montagne face aux éléments; la première apparition sauvage et nue de l'Edgar dérangé (Poor Tom); l'imitation délicieuse de Regan par le Fou; le meurtre brutal et choquant du Fou par le Lear fou; le regard sur le visage de Lear quand il voit son œuvre sanglante; l'aveuglement vicieux et horrible de Gloucester avec un tire-bouchon (complet avec globe oculaire éclatant); le dévoilement de Cordelia et de l'armée française; la réunion tendre de Gloucester aveugle et de l'Edgar ressuscité; les hurlements déchirants de Lear alors qu'il entre portant le cadavre de Cordelia et sa lente descente parfaite vers la mort; la prière finale délicate d'Edgar.

Mendes a une vision claire pour King Lear et il livre la marchandise. La mise en scène est vive, intelligente et lumineuse. Le premier acte, d'environ deux heures, passe littéralement en un clin d'œil. En termes de présentation générale et de mise en scène, c'est une production très impressionnante et glorieuse - bien au-delà de tout ce sur quoi Lord Hytner ait présidé.

La meilleure performance vient de Stephen Boxer, qui est tout à fait magnifique en Gloucester. Il atteint chaque sommet de la dramaturgie, de la vérité, de la livraison poétique. Il est envoûtant à regarder. Irréprochable.

Anna Maxwell-Martin est délicieusement Dynastie comme la Regan avide de pouvoir. Sa robe, ses cheveux, sa façon de fumer, son air, son sens de supériorité innée, ses yeux méchants grands ouverts, ses crises puériles, son travail extraordinaire aux funérailles de son mari : elle est une source inlassable de joie et de répulsion. Et elle est morte superbement. Sa réaction orgasmique à l'aveuglement de Gloucester était surprenante mais parfaitement en phase avec sa performance détaillée et intense.

Tom Brooke est merveilleux en Edgar, perdu, distant et facilement trompé; puis en Poor Tom, il est superbe, réussissant l'exploit de marcher sur le fil du rasoir de la quasi-folie. Sa restauration à la fin est somptueusement satisfaisante. De manière inattendue, Brooke est tout à fait superbe de toutes les manières.

Kate Fleetwood est la personnification de l'acier féminin en Goneril. Étroitement enroulée et coiffée, elle est resplendissante de laideur, la trahison gravée dans chaque pore. La seule scène où elle, Regan et Cordelia parlent ensemble est effroyablement réelle, débordant de mépris venimeux.

Dans le rôle du bâtard Edmund, Sam Troughton réalise le meilleur travail sur scène de sa carrière. Comme Hitler, il se transforme de petit commis en maniaque puissant et est responsable de nombreuses morts et tromperies en cours de route. Il est un méchant fougueux et venteux - mais ses meilleurs moments sont les plus silencieux.

Je n'ai jamais vu Stanley Townsend mieux que dans le rôle de Kent lésé. Il est excellent de toutes les manières et sa voix profonde et mélodieuse ajoute une texture bienvenue aux événements.

Michael Nardone est impressionnant, dans le mode voyou aristocrate d'Etonien en tant que duc de Cornouailles. Il travaille bien avec Maxwell Smith et son travail avec le tire-bouchon avant et pendant l'aveuglement sauvage de Gloucester est impeccable. On ne peut cependant pas en dire autant de Richard Clothier, qui est intensément terne et inefficace en tant que duc d'Albany. Le sien est le seul personnage incroyable du mix et sa maîtrise du texte est horriblement insuffisante.

Olivia Vinall commence mal en Cordelia - trop de cris et bien trop peu de chaleur - mais elle trouve sa place dans l'acte deux. Son rassemblement de soutien pour son père traqué est véritable et touchant, et ses scènes post-mortem n'auraient pas aussi bien fonctionné sans l'empathie qu'elle a construite avec le public.

Le Fou est un rôle difficile à jouer mais Adrian Scarborough parvient à être à la fois drôle et touchant, observateur et spirituel, perspicace et canaille. C'est un mélange tout à fait délicieux. Et cela fonctionne extrêmement bien. Lorsque le Fou meurt de la main de Lear, vous savez que la descente aux enfers a commencé. De manière très palpable, Lear tue une partie essentielle de lui-même.

Ross Waiton fait une impression significative en tant que premier roi de France puis capitaine dans les scènes finales.

Puis il y a le Lear de Simon Russell Beale.

Jamais ni la scène d'ouverture, où le vieillissant Roi divise capricieusement son royaume et trace ainsi de profondes lignes ennemies entre ses filles, ni la scène finale, où la vie de Lear s'éteint après sa livraison déchirante du corps de Cordelia aux masses rassemblées, n'ont aussi bien fonctionné qu'ici. La démonstration brutale de pouvoir déséquilibré mène inexorablement au moment de libération détraqué, son seul enfant loyal et véritablement aimé étant mort. À ces deux extrêmes, Simon Russell Beale excelle.

Au milieu, cependant, tout n'est pas aussi rose. Cherchant à donner l'impression qu'il modelait son Lear sur Ian Judge (cheveux, barbe, posture, rage) tout en abordant les premières scènes presque comme s'il était Richard III (on sent une bosse sur son dos, une main tenue étrangement, une démarche singulière), Beale est mercuriel et souvent fascinant et captivant. Mais il livre le texte à une vitesse vertigineuse, sauf pour la scène finale, et cela nuit à l'effet global. Le célèbre soliloque de la tempête n'atteint pas les hauteurs opératiques et résonantes qu'il devrait. Il trouve l'humour, mais parfois au détriment de la dramaturgie et du sens de la tragédie.

Beale aborde le rôle de manière cérébrale plutôt que personnelle ou avec une indignation volcanique. Bien que Derek Jacobi ait pu être un meilleur Lear dans la production Grandage Donmar (il n'a jamais perdu de vue le travail vocal), celui de Beale est certainement une interprétation intelligemment préoccupée et exécutée. Parfois, son travail est fragile et beau, même déchirant. Il parle avec alacrité mais avec une diction précise, presque ciselée. Parfois, cependant, plus de passion est requise, plus d'intensité de confusion incrédule, plus de grandeur née du rang.

C'est une performance de Lear efficace et techniquement axée. Mais les décisions capricieuses, toutes coûtant cher au personnage, sont observées plutôt que ressenties par Beale.

Cela dit, je n'ai jamais vu une meilleure scène finale que celle-ci : son entrée avec le cadavre de Cordelia est rien de moins qu'un miracle dans sa capacité à influencer l'opinion et à refléter le chagrin dévastateur.

La scène est inondée de jeunes hommes silencieux et observateurs qui jouent divers soldats. Les chiffres sont impressionnants, l'ambiance est sombre, rancunier et volatile alors que les allégeances vacillent. Mendes a raison de remplir la scène avec ces figurants : ils donnent à la tragédie un véritable sens de cause à effet, et les machinations royales résonnent à travers le Royaume.

Ce qui est le plus mémorable dans la vision de Mendes ici, c'est comment cette pièce, souvent simplement vue comme un véhicule pour un rôle vedette dans le rôle-titre, devient une sombre méditation sur la façon dont les pères influencent la vie de leurs enfants. Ici, les histoires de Gloucester et Lear sont racontées en parallèle clair, chaque homme étant aussi important que l'autre : tous deux ont des enfants, tous deux rejettent un, tous deux font des erreurs quant à l'enfant qu'ils attendent de soutien, tous deux sont trahis par leur progéniture et tous deux sont responsables de la mort de leur propre. Cette approche rend la pièce à la fois plus intime et plus universelle, et certainement plus remarquable.

Mendes a livré une nuit de Shakespeare qui vaut le coup et qui est presque satisfaisante à tous les égards. Et avec plus de jeu, le Lear de Beale deviendra, sans aucun doute, plus cohérent, plus lyrique et plus dévastateur. Mais pour le moment, l'étoile de Stephen Boxer est la lumière brillante de cette somptueuse délice théâtrale.