CRÍTICA: Rei Lear, Teatro Nacional ✭✭✭✭

Simon Russell Beale é o Rei Lear Rei Lear Teatro Olivier, National 23 de janeiro de 2014

Não tem havido, desde 2007, uma produção do National Theatre de uma peça de Shakespeare minimamente tão cativante, emocionante e envolvente como a reposição de Rei Lear, encenada por Sam Mendes, agora em cena no Teatro Olivier. Certamente, nunca antes se viu um público, naquele espaço, prender a respiração em uníssono ou contemplar, em espanto colectivo, a obra do Bardo como tantas vezes acontece aqui.

Em grande medida, isto deve-se directamente à abordagem cinematográfica da encenação e ao cenário e figurinos extraordinariamente evocativos do génio que é Andrew Ward, bem como ao uso particularmente eficaz da luz e da escuridão, por Paul Pyant. É daquelas produções em “quase” traje moderno, com raízes bem fincadas nas Guerras Mundiais do século XX — e resulta esplendidamente. Todo o vasto palco do Olivier é aproveitado, e há cenas épicas impressionantes, bem como momentos de intimidade silenciosa. É uma maravilhosa reinvenção desta tragédia, de si, bastante difícil.

Mais impressionante de tudo é a frontalidade do modo de contar a história e as caracterizações ricas, minuciosas e agudamente detalhadas atribuídas aos protagonistas. Este não é um Lear “de manual” — é uma abordagem de conjunto singular e, de forma refrescante, equilibrada. E, de longe, o melhor elenco no National há muito, muito tempo.

Perde-se alguma da beleza da linguagem poética — bem, bastante, na verdade — mas, apesar disso, há aqui tanta entrega, tanta profundidade nas interpretações, tanta segurança na narrativa que, invulgarmente, isso não pesa assim tanto.

Há muitos momentos maravilhosos que ficam gravados na memória: a divisão implacável do reino por Lear, dita com o rosto oculto ao público, aumentando a força e o veneno dos instantes-chave; a entrada de Regan e Goneril, silenciosa mas estabelecendo na perfeição estas irmãs vis; a primeira aparição do Edmund, com ar de funcionário de escritório, e a sua transformação no traidor nazi quase “super-homem”; o olhar silencioso mas hipnotizante de Regan enquanto o marido, a irmã e o cunhado discutem tácticas; o rosto do Bobo quando ele e Lear estão no cimo da montanha a enfrentar os elementos; a primeira, selvagem e crua aparição de Edgar enlouquecido e nu (Poor Tom); a deliciosa imitação de Regan feita pelo Bobo; o assassinato inesperado e chocantemente brutal do Bobo pelo Lear louco; a expressão de Lear ao ver o rasto sangrento do que fez; o cegamento vicioso e horrendo de Gloucester com um saca-rolhas (com direito a olho a “saltar”); a revelação de Cordelia e do exército francês; o reencontro terno entre o Gloucester cego e o Edgar recuperado; os uivos angustiados de Lear ao entrar a carregar o cadáver de Cordelia e a sua descida lenta e perfeita até à morte; a delicada oração final de Edgar.

Mendes tem uma visão clara para Rei Lear e entrega o que promete. A encenação é viva, inteligente e esclarecedora. O Primeiro Acto, com cerca de duas horas, passa literalmente a voar. Em termos de apresentação global e composição cénica, esta é uma produção impressionante e gloriosa — muito acima de tudo o que Lord Hytner tem tutelado.

A melhor interpretação de todas é de Stephen Boxer, absolutamente magnífico como Gloucester. Atinge todas as notas altas — do drama, da verdade, da declamação poética. É hipnótico de ver. Irrepreensível.

Anna Maxwell-Martin é deliciosamente Dynasty como a Regan obcecada pelo poder. O vestido, o cabelo, o cigarro, a pose, o sentido de superioridade inata, aqueles olhos abertos e cruéis, as birras infantis, o trabalho extraordinário no funeral do marido: é uma fonte incessante de prazer e repulsa. E morre esplendidamente. A reacção quase orgásmica ao cegamento de Gloucester foi perturbadora, mas perfeitamente alinhada com a sua interpretação detalhada e intensa.

Tom Brooke é excelente como Edgar — perdido, distante e facilmente enganado; depois, como Poor Tom, é soberbo, conseguindo caminhar na corda bamba da quase loucura. A sua restauração no final é sumptuosamente satisfatória. Inesperadamente, Brooke é notável em todos os aspectos.

Kate Fleetwood é a personificação do aço feminino como Goneril. Tensa, contida e impecavelmente penteada, é esplendidamente hedionda, com a traição gravada em cada poro. A única cena em que ela, Regan e Cordelia conversam juntas é assustadoramente real, a escorrer desprezo venenoso.

Como o bastardo Edmund, Sam Troughton faz o melhor trabalho de palco da sua carreira. À semelhança de Hitler, metamorfoseia-se de um pequeno funcionário em maníaco poderoso, responsável por muitas mortes e enganos pelo caminho. É um vilão fogoso e fanfarrão — mas os seus melhores momentos são os muito silenciosos.

Nunca vi Stanley Townsend tão bom como aqui, no papel do injustiçado Kent. É excelente em tudo, e a sua voz profunda e melodiosa acrescenta uma textura bem-vinda ao espectáculo.

Michael Nardone é impressionante, num registo de rufia privilegiado ao estilo de Eton, como o Duque de Cornwall. Funciona bem com Maxwell Smith e o seu trabalho com o saca-rolhas, antes e durante o brutal cegamento de Gloucester, é imaculado. O mesmo, no entanto, não se pode dizer de Richard Clothier, intensamente aborrecido e ineficaz como o Duque de Albany. É a única personagem pouco credível no conjunto e o seu domínio do texto é, chocantemente, inadequado.

Olivia Vinall começa mal como Cordelia — demasiado grito e calor a menos — mas afirma-se no Segundo Acto. A forma como mobiliza apoio para o pai perseguido é genuína e comovente, e as cenas após a sua morte não teriam funcionado tão bem sem a empatia que ela constrói com o público.

O Bobo é um papel difícil de acertar, mas Adrian Scarborough consegue ser ao mesmo tempo engraçado e comovente, observador e espirituoso, perspicaz e maroto. É uma mistura deliciosamente equilibrada. E funciona extremamente bem. Quando o Bobo morre às mãos de Lear, percebe-se que a descida ao Inferno começou. De um modo muito palpável, Lear mata uma parte essencial de si próprio.

Ross Waiton causa uma impressão significativa, primeiro como o Rei de França e depois como o Capitão nas cenas finais.

E depois há o Lear de Simon Russell Beale.

Nunca a cena de abertura — em que o rei envelhecido divide caprichosamente o seu reino e traça, assim, linhas profundas de inimizade entre as filhas — nem a cena final — em que a vida de Lear se extingue após a sua entrega dilacerante do corpo de Cordelia às massas reunidas — funcionaram tão bem como aqui. A brutal demonstração de poder descontrolado conduz inexoravelmente ao momento, também ele descontrolado, de libertação: a sua única filha leal e verdadeiramente amada morreu. Nestes dois extremos, Simon Russell Beale brilha.

No meio, porém, nem tudo é assim tão cor-de-rosa. Parecendo em tudo que baseou o seu Lear em Ian Judge (cabelo, barba, postura, fúria), mas ao mesmo tempo abordando as primeiras cenas quase como se fosse Ricardo III (há a sensação de uma corcunda nas costas, uma mão estranhamente colocada, um andar peculiar), Beale é mercurial e muitas vezes fascinante e cativante. Mas diz o texto a uma velocidade estonteante quase sempre — excepto na cena final — e isso prejudica o efeito geral. O famoso solilóquio da tempestade não atinge as alturas operáticas e ressonantes que deveria. Encontra o humor, mas por vezes à custa do drama e do sentido de tragédia.

Beale aborda a personagem de forma mais cerebral do que pessoal, ou com uma auto-rectidão vulcânica. Embora Derek Jacobi possa ter sido um Lear melhor na produção de Michael Grandage no Donmar (nunca perdia de vista o trabalho vocal), a leitura de Beale é certamente uma interpretação inteligente, pensada e bem executada. Por vezes, o seu trabalho é frágil e belo, até devastador. Fala com prontidão, mas com uma dicção precisa, quase talhada a cinzel. Às vezes, porém, faz falta mais paixão, mais intensidade na confusão incrédula, mais grandeza nascida da posição.

É uma interpretação de Lear eficiente e tecnicamente focada. Mas as decisões caprichosas — todas elas custando caro à personagem — são observadas, mais do que sentidas, por Beale.

Ainda assim, nunca vi uma cena final melhor do que esta: a sua entrada com o cadáver de Cordelia é nada menos do que milagrosa na capacidade de virar opiniões e reflectir um luto duro, esmagador da alma.

O palco fica inundado de jovens homens silenciosos e vigilantes, que fazem de vários soldados. Os números impressionam; o ambiente é incandescente, ressentido e volátil, à medida que as lealdades oscilam. Mendes faz bem em preencher o palco com estes figurantes: dão à tragédia um verdadeiro sentido de causa e efeito, e as manobras reais reverberam por todo o Reino.

O que mais se fixa na memória, na visão de Mendes, é a forma como esta peça, tantas vezes vista apenas como um veículo para um grande “número” no papel-título, se transforma numa meditação sombria sobre a maneira como os pais impactam a vida dos filhos. Aqui, as histórias de Gloucester e Lear são contadas em paralelo claro, sendo cada homem tão importante quanto o outro: ambos têm filhos, ambos rejeitam um, ambos se enganam sobre de qual filho esperar apoio, ambos são traídos pela descendência e ambos são responsáveis pela morte de um dos seus. Esta abordagem torna a peça simultaneamente mais íntima e mais universal — e certamente mais notável.

Mendes ofereceu uma noite de Shakespeare valiosa e, em quase todos os aspectos, plenamente satisfatória. E com mais representações, o Lear de Beale irá, sem dúvida, tornar-se mais coeso, mais lírico e mais devastador. Mas, por agora, a estrela de Stephen Boxer é a luz que mais brilha neste deleite teatral sumptuoso.