RECENSIONE: Re Lear, National Theatre ✭✭✭✭

Simon Russell Beale è Re Lear Re Lear Olivier Theatre, National Theatre 23 gennaio 2014

Non si vedeva, dal 2007, una produzione del National Theatre di un testo shakespeariano così coinvolgente, elettrizzante e capace di catturare il pubblico come la ripresa di Re Lear firmata da Sam Mendes, ora in scena all’Olivier Theatre. Di certo, raramente in quello spazio si è assistito a una platea che trattiene il fiato all’unisono o guarda con identico stupore l’opera del Bardo, come accade spesso qui.

In larga misura, il merito è dell’impostazione cinematografica della regia e delle scenografie e dei costumi straordinariamente evocativi di Andrew Ward, insieme all’uso particolarmente efficace di luce e buio curato da Paul Pyant. È una di quelle produzioni “quasi in abiti moderni”, con radici ben piantate nelle guerre mondiali del Novecento, e funziona magnificamente. L’intera vastità del palcoscenico dell’Olivier viene sfruttata, con scene epiche imponenti e momenti di intima quiete. Un’immaginazione splendida per questa tragedia tutt’altro che semplice.

Soprattutto colpiscono la linearità del racconto e le caratterizzazioni ricche, minuziose e precise dei protagonisti. Non è un Lear “standard”: è un approccio corale unico e, cosa rinfrescante, davvero equilibrato. E, di gran lunga, uno dei migliori cast visti al National da moltissimo tempo.

Una parte della bellezza del linguaggio poetico si perde — anzi, parecchia — ma, nonostante ciò, c’è così tanta dedizione, tanta profondità nelle interpretazioni, tanta sicurezza nel raccontare la storia che, insolitamente, pesa molto meno.

Ci sono moltissimi momenti destinati a restare impressi: la spietata divisione del regno da parte di Lear, pronunciata con il volto nascosto al pubblico, aumentando forza e veleno dei passaggi chiave; l’ingresso di Regan e Goneril, in silenzio ma perfetto nel definire queste sorelle abiette; la prima apparizione di Edmund, impiegatuccio da ufficio, e la sua trasformazione in una sorta di traditore nazista “superuomo”; lo sguardo quieto ma ipnotico di Regan mentre marito, sorella e cognato discutono di tattiche; l’espressione del Matto quando lui e Lear sono in cima alla montagna, esposti agli elementi; la prima, selvaggia apparizione nuda e cruda dell’Edgar sconvolto (Poor Tom); la deliziosa imitazione di Regan da parte del Matto; l’inaspettato e scioccantemente brutale omicidio del Matto per mano del Lear impazzito; lo sguardo di Lear davanti al proprio lavoro insanguinato; l’accecamento feroce e raccapricciante di Gloucester con un cavatappi (con tanto di bulbo oculare che “schiocca”); la rivelazione di Cordelia e dell’esercito francese; la tenera riunione fra Gloucester cieco ed Edgar ritrovato; gli ululati di dolore di Lear quando entra portando il cadavere di Cordelia e la sua lenta, perfetta discesa verso la morte; la delicata preghiera finale di Edgar.

Mendes ha una visione chiara di Re Lear e mantiene le promesse. La regia è brillante, intelligente, illuminante. Il primo atto, di circa due ore, vola letteralmente. Per presentazione complessiva e messa in scena, è una produzione imponente e gloriosa — nettamente superiore a qualunque cosa abbia diretto Lord Hytner.

La migliore interpretazione in assoluto è quella di Stephen Boxer, semplicemente magnifico nei panni di Gloucester. Centra ogni nota alta: dramma, verità, resa poetica. È ipnotico da guardare. Impeccabile.

Anna Maxwell-Martin è deliziosamente Dynasty nel ruolo della Regan assetata di potere. Il vestito, i capelli, il fumo, l’atteggiamento, il senso di superiorità innata, gli occhi spalancati e feroci, i suoi sfoghi infantili, il lavoro straordinario al funerale del marito: è una fonte incessante di gioia e repulsione. E muore splendidamente. La sua reazione quasi orgasmica all’accecamento di Gloucester è stata sconvolgente ma perfettamente coerente con un’interpretazione dettagliata e intensa.

Tom Brooke è splendido come Edgar, perso, distante e facilmente ingannabile; poi, come Poor Tom, è superbo, riuscendo a camminare sul filo sottilissimo dell’quasi follia. Il suo ritorno nel finale è sontuosamente appagante. Inaspettatamente, Brooke è eccellente sotto ogni aspetto.

Kate Fleetwood è la personificazione dell’acciaio al femminile nel ruolo di Goneril. Tesissima, perfettamente in ordine, è magnificamente ripugnante, con il tradimento inciso in ogni poro. L’unica scena in cui lei, Regan e Cordelia parlano insieme è terrificantemente reale, grondante disprezzo velenoso.

Nel ruolo del bastardo Edmund, Sam Troughton firma il miglior lavoro teatrale della sua carriera. Come Hitler, passa da meschino impiegato a potente maniaco e, lungo la strada, è responsabile di molte morti e inganni. È un villain ardente e spaccone — ma i momenti migliori sono quelli più quieti.

Non ho mai visto Stanley Townsend così bravo come qui nel ruolo del Kent offeso. È eccellente in ogni aspetto e la sua voce profonda e vellutata aggiunge una texture preziosa all’insieme.

Michael Nardone è notevole, in modalità teppista privilegiato da college d’élite, come Duca di Cornovaglia. Funziona bene con Maxwell Smith e il suo lavoro con il cavatappi, prima e durante il brutale accecamento di Gloucester, è immacolato. Lo stesso, però, non si può dire di Richard Clothier, incredibilmente piatto e inefficace come Duca di Albany. È l’unico personaggio poco credibile del gruppo e la sua padronanza del testo è, francamente, insufficiente.

Olivia Vinall parte male come Cordelia — troppa aggressività e troppo poco calore — ma trova la misura nel secondo atto. Il suo raccogliere sostegno per il padre braccato è sincero e toccante, e le scene dopo la morte non avrebbero funzionato altrettanto bene senza l’empatia costruita con il pubblico.

Il Matto è un ruolo difficile da far funzionare, ma Adrian Scarborough riesce a essere insieme comico e commovente, osservatore e arguto, acuto e scanzonato. È un mix delizioso. E funziona benissimo. Quando il Matto muore per mano di Lear, capisci che è iniziata la discesa all’Inferno. In modo molto tangibile, Lear uccide una parte essenziale di sé.

Ross Waiton lascia il segno, prima come Re di Francia e poi come Capitano nelle scene finali.

E poi c’è il Lear di Simon Russell Beale.

Mai né la scena iniziale, in cui il re anziano divide capricciosamente il regno tracciando profonde linee di ostilità fra le figlie, né la scena finale, in cui la vita di Lear si spegne dopo aver portato in modo straziante il corpo di Cordelia davanti alla folla riunita, hanno funzionato così bene come qui. L’esibizione brutale di un potere fuori controllo conduce inevitabilmente al momento, altrettanto fuori controllo, del crollo liberatorio, dopo la morte dell’unica figlia leale e davvero amata. In questi due estremi, Simon Russell Beale eccelle.

Nel mezzo, però, non è tutto così perfetto. Con l’aria di chi modella il proprio Lear su Ian Judge (capelli, barba, postura, furia) ma, al tempo stesso, affronta le prime scene quasi come se fosse Riccardo III (si avverte una gobba, una mano tenuta in modo strano, un’andatura insolita), Beale è mercuriale e spesso affascinante e magnetico. Tuttavia, salvo che nella scena finale, spara il testo a velocità folle, e questo smorza l’effetto complessivo. Il celebre monologo della tempesta non raggiunge le vette operistiche e risonanti che dovrebbe. Trova l’umorismo, ma talvolta a scapito del dramma e del senso di tragedia.

Beale affronta il ruolo più con la testa che con il cuore, o con una rabbia “vulcanica” di auto-giustizia. Se Derek Jacobi poteva essere un Lear migliore nella produzione di Grandage al Donmar (non perdeva mai di vista il lavoro vocale), quello di Beale resta comunque un’interpretazione intelligente, attenta e ben realizzata. A tratti il suo lavoro è fragile e bellissimo, persino lacerante. Parla con prontezza ma con una dizione precisa, quasi scolpita. A volte, però, servirebbe più passione, più intensità di confusione incredula, più grandezza nata dal rango.

È un Lear efficiente e tecnicamente molto centrato. Ma le decisioni capricciose, che costano carissimo al personaggio, sono più osservate che sentite da Beale.

Detto questo, non ho mai visto una scena finale migliore di questa: il suo ingresso con il corpo di Cordelia è a dir poco miracoloso, per la capacità di spostare il giudizio e riflettere un dolore duro, annientante.

Il palcoscenico è invaso da giovani uomini silenziosi e vigili che interpretano vari soldati. I numeri impressionano, e l’atmosfera è incandescente, risentita e volatile mentre le alleanze oscillano. Mendes fa bene a riempire la scena di queste comparse: danno alla tragedia un reale senso di causa ed effetto, e le macchinazioni reali risuonano in tutto il regno.

La cosa più memorabile della visione di Mendes è il modo in cui questo testo, troppo spesso considerato soltanto un veicolo per un’interpretazione “da star” nel ruolo del titolo, diventa invece una meditazione cupa su come i padri incidono sulla vita dei figli. Qui, le vicende di Gloucester e Lear sono raccontate in un parallelismo chiarissimo, con ciascun uomo importante quanto l’altro: entrambi hanno figli, entrambi ne respingono uno, entrambi sbagliano su quale figlio aspettarsi sostegno, entrambi vengono traditi dalla propria prole ed entrambi sono responsabili della morte di uno dei loro. Questo approccio rende l’opera al tempo stesso più intima e più universale, e certamente più notevole.

Mendes ci consegna una serata shakespeariana preziosa e appagante quasi sotto ogni aspetto. E con qualche recita in più, il Lear di Beale diventerà senza dubbio più coeso, più lirico e più devastante. Ma, per ora, la stella di Stephen Boxer è la luce che brilla di più in questa sontuosa delizia teatrale.