ANMELDELSE: King Lear, National Theatre ✭✭✭✭

Simon Russell Beale er Kong Lear King Lear Olivier Theatre, National Theatre 23. januar 2014

Siden 2007 har ikke National Theatre hatt en Shakespeare-oppsetning som er på langt nær så engasjerende, spennende og medrivende som Sam Mendes' nytolkning av King Lear, som nå spilles på Olivier Theatre. Det har nok aldri skjedd før at et publikum kollektivt har holdt pusten eller betraktet dikterens verk med en slik felles beundring i dette rommet som de ofte gjør her.

Dette skyldes i stor grad den filmatiske tilnærmingen til iscenesettelsen, de utrolig stemningsfulle kulissene og kostymene fra geniet Andrew Ward, og den spesielt effektive bruken av lys og mørke takket være Paul Pyant. Dette er en av disse oppsetningene i nesten moderne bekledning, med røtter plantet i verdenskrigene på 1900-tallet, og det fungerer glimrende. Hele den enorme scenen på Olivier tas i bruk, og her finnes både imponerende episke scener og øyeblikk preget av stille intimitet. Det er en fantastisk tolkning av denne ganske krevende tragedien.

Mest imponerende av alt er den direkte historiefortellingen og de rike, detaljerte personkarakteristikkene hos hovedrollene. Dette er ingen standard Lear – det er en unik og forfriskende balansert ensemblerepresentasjon. Og uten tvil den beste besetningen hos National Theatre på svært lenge.

Noe av skjønnheten i det poetiske språket går tapt – vel, egentlig ganske mye – men på tross av det er det så mye hengivenhet her, så mye dybde i portrettene og en sånn trygghet i historiefortellingen at det, uvanlig nok, ikke betyr så mye.

Det er mange fantastiske øyeblikk som vil brenne seg fast i minnet: Lears hensynsløse deling av riket, fremført med Lears ansikt vendt bort fra publikum, noe som forsterker giften i de avgjørende øyeblikkene; Regan og Gonerils entre, som lydløst men perfekt etablerer disse avskyelige søstrene; den første opptredenen til den kontorist-aktige Edmund og hans forvandling til en nesten overmenneskelig naziforfører; det stille, men trollbindende blikket i ansiktet til Regan mens mannen, søsteren og svogeren diskuterer taktikk; Narrens ansikt når han og Lear står på toppen av fjellet og møter naturkreftene; den første, ville og nakne opptredenen til den forvirrede Edgar (Fattig-Tom); Narrens herlige parodi på Regan; det uventede og sjokkerende brutale drapet på Narren av den gale Lear; blikket til Lear når han ser sitt blodige verk; den grusomme og fryktelige blendingen av Gloucester med en korketrekker (komplett med et øye som popper ut); avdukingen av Cordelia og den franske hæren; den ømme gjenforeningen mellom blinde Gloucester og den gjenoppståtte Edgar; Lears desperate hyl når han kommer inn bærende på Cordelias lik og hans langsomme, perfekte vei mot døden; Edgars siste, vare bønn.

Mendes har en klar visjon for King Lear og innfrir forventningene. Regien er spenstig, intelligent og opplysende. Første akt, på rundt to timer, flyr bokstavelig talt av gårde. Når det gjelder den overordnede presentasjonen og iscenesettelsen, er dette en svært imponerende og storslått produksjon – mil foran alt Lord Hytner har ledet.

Den aller beste prestasjonen kommer fra Stephen Boxer, som er helt praktfull som Gloucester. Han treffer hver eneste tone, enten det er drama, sannhet eller poetisk fremføring. Han er trollbindende å se på. Feilfri.

Anna Maxwell-Martin er herlig «Dynastiet-aktig» som den maktgale Regan. Kjolen hennes, håret, røykingen, fremtoningen, følelsen av medfødt overlegenhet, de vidåpne, ondskapsfulle øynene, de barnslige raserianfallene og hennes ekstraordinære opptreden i mannens begravelse: hun er en uopphørlig kilde til både glede og avsky. Og hun dør på en storslått måte. Hennes nesten orgasmiske reaksjon på Gloucesters blending var rystende, men i perfekt harmoni med hennes detaljerte og intense rolletolkning.

Tom Brooke er strålende som Edgar, fortapt, distansert og lettlurt; og som Fattig-Tom er han suveren, der han mestrer bragden med å balansere på grensen til vanvidd. Oppreisningen hans i finalen er utrolig tilfredsstillende. Uventet nok er Brooke helt fenomenal på alle måter.

Kate Fleetwood er personifiseringen av kvinnelig stål som Goneril. Anspent og med perfekt frisyre er hun praktfullt avskyelig, med svik etset inn i hver pore. Den eneste scenen hvor hun, Regan og Cordelia snakker sammen, er skremmende ekte og drypper av giftig forakt.

Som den uekte sønnen Edmund gjør Sam Troughton sitt livs beste sceneprestasjon. I likhet med Hitler forvandles han fra en ubetydelig kontorist til en mektig galning, og er ansvarlig for mange dødsfall og bedrag underveis. Han er en temperamentsfull og brautende skurk – men hans beste øyeblikk er de helt stille.

Jeg har aldri sett Stanley Townsend bedre enn han er her som den forurettede Kent. Han er utmerket i ett og alt, og hans dype, klangfulle stemme gir en kjærkommen tekstur til handlingen.

Michael Nardone er imponerende som en slags overlegen bølle fra Eton i rollen som hertugen av Cornwall. Han fungerer godt sammen med Maxwell Smith, og arbeidet hans med korketrekkeren både før og under Gloucesters brutale blending er prikkfritt. Det samme kan derimot ikke sies om Richard Clothier, som er intenst kjedelig og ufokusert som hertugen av Albany. Hans karakter er den eneste i blandingen som ikke er troverdig, og hans behandling av teksten er rystende utilstrekkelig.

Olivia Vinall starter svakt som Cordelia – for mye roping og altfor lite varme – men hun kommer til sin rett i andre akt. Mobiliseringen av støtte til hennes jagede far er ektefølt og rørende, og scenene etter hennes død ville ikke ha fungert like godt uten empatien hun bygget opp hos publikum.

Narren er en vanskelig rolle å mestre, men Adrian Scarborough klarer å være både morsom og rørende, observerende og slagferdig, innsiktsfull og skøyeraktig. Det er en herlig blanding, og det fungerer ekstremt godt. Når Narren dør for Lears hånd, forstår man at nedstigningen til helvete har begynt. På en svært følbar måte dreper Lear en essensiell del av seg selv.

Ross Waiton gjør et solid inntrykk som først kongen av Frankrike og deretter kapteinen i sluttscenene.

Og så har vi Simon Russell Beales Lear.

Aldri har verken åpningsscenen, hvor den aldrende kongen vilkårlig deler opp riket sitt og dermed trekker dype fiendelinjer mellom døtrene sine, eller sluttscenen, hvor Lears liv ebber ut etter den rystende overleveringen av Cordelias kropp til de fremmøtte massene, fungert så godt som her. Den brutale oppvisningen av tøylesløs makt fører uunngåelig til det vanvittige øyeblikket av forløsning, etter at hans eneste lojale og virkelig elskede barn har dødd. I disse to ytterpunktene briljerer Simon Russell Beale.

I midten er derimot ikke alt like rosenrødt. Han ser ut som om han baserer sin Lear på Ian Judge (hår, skjegg, holdning, raseri), men samtidig nærmer han seg de tidlige scenene som om han var Richard III (man får følelsen av en pukkel på ryggen, en merkelig holdt hånd, en underlig gangart). Beale er uforutsigbar og ofte fascinerende og fengslende. Men han leverer teksten i et forrykende tempo hele tiden, med unntak av sluttscenen, og dette svekker helhetsinntrykket. Den berømte storm-monologen når ikke de operatiske og klangfulle høydene den burde. Han finner humoren, men av og til på bekostning av dramaet og tragediefølelsen.

Beale nærmer seg rollen intellektuelt snarere enn personlig eller med vulkansk selvrettferdighet. Selv om Derek Jacobi kanskje var en bedre Lear i Grandages Donmar-oppsetning (han mistet aldri det vokale arbeidet av syne), er Beales tolkning definitivt gjennomtenkt og dyktig utført. Av og til er prestasjonen hans skjør og vakker, til og med rystende. Han snakker med kvikkhet, men med en presis, nærmest meislet diksjon. Noen ganger kreves det imidlertid mer lidenskap, mer intensitet i den vantro forvirringen, og mer av den verdigheten som følger med rang.

Dette er en effektiv og teknisk fokusert fremføring av Lear. Men de lunefulle avgjørelsene, som alle koster karakteren dyrt, blir observert snarere enn følt av Beale.

Når det er sagt, har jeg aldri sett en bedre sluttscene enn dette: hans entre med liket av Cordelia er intet mindre enn mirakuløs i sin evne til å bevege og til å reflektere en rå, sjeleknusende sorg.

Scenen er fylt med tause, årvåkne unge menn som spiller ulike soldater. Antallet er imponerende, og stemningen er ulmende, bitter og eksplosiv etter hvert som lojaliteten skifter. Mendes gjør rett i å fylle scenen med disse statistene: de gir tragedien en ekte følelse av årsak og virkning, og de kongelige intrigene får gjenklang gjennom hele kongeriket.

Det mest minneverdige ved Mendes' visjon her er hvordan dette stykket, som så ofte bare blir sett på som en glansrolle for en stjerne i tittelrollen, blir til en mørk meditasjon over hvordan fedre påvirker barnas liv. Her fortelles historiene til Gloucester og Lear i en tydelig parallell, der hver av mennene er like viktige som den andre: begge har barn, begge avviser ett av dem, begge tar feil av hvilket barn de kan forvente støtte fra, begge blir sveket av sine avkom, og begge er ansvarlige for sine egnes død. Denne tilnærmingen gjør stykket både mer intimt og mer universelt, og uten tvil mer bemerkelsesverdig.

Mendes har levert en kveld med Shakespeare som er givende og tilfredsstillende på nesten alle måter. Og med flere forestillinger vil Beales Lear utvilsomt bli mer sammenhengende, mer lyrisk og mer knusende. Men for øyeblikket er det Stephen Boxers stjerne som lyser sterkest i denne praktfulle teateropplevelsen.