KRITIK: Machinal, American Airlines Theatre ✭✭✭

Roundabout Theatre Companys Machinal. Foto: Joan Marcus Machinal

American Airlines Theatre

18. Januar 2014

3 Sterne

1928 feierte am Broadway ein Stück Premiere: Machinal, geschrieben von Sophie Treadwell, einer Frau, die als Journalistin, Autorin von 40 Stücken, Regisseurin und Aktivistin ein bemerkenswertes Leben führte.

Obwohl es ein straffes, expressionistisches Drama ist – voller scharfer Beobachtungen und präziser Einsichten –, kehrte es bis jetzt nie an den Broadway zurück; nun ist Lyndsey Turners Inszenierung für die Roundabout Theatre Company im American Airlines Theatre zu sehen.

Turner ist eine Regisseurin von grosser Innovationskraft, in jeder Hinsicht präzise und detailgenau – mit einer enormen, oft kaum zu glaubenden Fähigkeit, Stoffe für ein modernes Publikum zu übertragen und zu konzeptualisieren. Mit Treadwells Text ist das eine glückliche und ausgesprochen wünschenswerte Verbindung.

Das Stück ist ein schonungsloser Angriff auf die Art, wie die Gesellschaft – besonders Männer, aber auch Frauen (wenn auch wegen der Männer) – Frauen schlecht behandelt und ausnutzt. Kein Wunder also, dass die männerdominierte Broadway-Welt keinen Bedarf sah, dieses Stück wiederaufzunehmen. Doch selbst der eingefleischteste Patriarch müsste sich schwer tun, in Turners Sicht auf Treadwells wegweisendes Werk etwas Verfehltes zu entdecken: In neun Momentaufnahmen zeichnet es das Leben – oder vielmehr das Nicht-Leben – einer jungen Frau nach, die wegen Mordes auf dem elektrischen Stuhl endet.

Es Devlins Bühne ist in dieser Produktion ebenso sehr eine Figur wie jede sprechende Person: ein Triumph des Designs. Eine schlichte, rechteckige Art-déco-Box, die sich dreht und mal eine überfüllte U-Bahn, mal ein Eheheim, ein Krankenhaus, eine schäbige Speakeasy-Bar, ein Liebesversteck, einen Gerichtssaal und eine Hinrichtungskammer wird. Die unablässige Bewegung des Bühnenbilds steigert die Spannung enorm und zieht einen in die klaustrophobische Männerwelt hinein, in der die junge Frau ihren Weg finden muss.

Jane Cox beleuchtet das Bühnenbild perfekt, setzt den Ton der Depression (Zeitgeist wie individueller Gemütszustand) – besonders klug ist der Einsatz eines waagerechten, über die ganze Bühne laufenden Lichtschlitzes, der die gefangene Existenz der jungen Frau betont. Tatsächlich ruft das Bühnenbild insgesamt immer wieder das Bild eines Sarges hervor: eines, in dem die junge Frau eingeschlossen ist und nur durch diesen Lichtschlitz nach draussen sehen kann.

Regie und Design verbinden sich mit dem Text zu einem kraftvollen Gewebe aus eindringlicher Verzweiflung und wachsendem Grauen. Mit einer Ausnahme ist das Ensemble durchweg erhaben: Die Schauspielerinnen und Schauspieler arbeiten mühelos zusammen, um Turners spezifisches, mitunter stilisiertes Konzept von Treadwells Welt für die junge Frau entstehen zu lassen.

Michael Cumpsty ist grandios abstossend als der widerliche, erfolgreiche Geschäftsmann, der die junge Frau heiratet und dann durch ihre Hand stirbt. Seine Kunst, beunruhigend und nervtötend zu sein, ist meisterhaft. Hätte er weitergeredet, hätte ich ihn umgebracht. Morgan Spector ist hervorragend als der lässige Lothario, der die junge Frau verführt und ihr die Idee zum Mord gibt – nicht, weil er ihr helfen will, sondern weil er sich selbst wichtig tut. Spector zeichnet perfekt das Gespenst des schlauen Wolfs, der alles sagt, um an die Henne zu kommen.

Es gibt eine köstliche Szene in einer Speakeasy-Bar, in der Damian Baldets widerlicher zweigleisig fahrender Geschäftsmann die junge Frau Spector vorstellt, während links und rechts von ihnen zwei unterschiedliche Vignetten ablaufen: In der ersten verführt ein räuberischer älterer schwuler Mann (Arnie Burton, perfekt) mit schönen Worten, dem Versprechen von Geld und teurem Alkohol einen jungen hübschen Burschen, der offensichtlich in verzweifelten Umständen steckt (Ryan Dinning, sehr überzeugend); in der zweiten bringt ein strassenschlauer Mann (Dion Graham, erstklassig) eine Frau (Karen Walsh, genau richtig) dazu, eine illegale Abtreibung „auf der Strasse“ vornehmen zu lassen. So wie es Treadwell und Turner zeigen, wird das Publikum dazu geführt, diese beiden Vignetten als „angemessen“ zu akzeptieren – und als starken Kontrast zum Verhalten der jungen Frau mit Spector. Das ist meisterhafte Arbeit.

Suzanne Bertish ist wunderbar als Mutter der jungen Frau und etabliert in einer recht kurzen Szene unmissverständlich das Trauma, das die junge Frau ihr ganzes Leben erlitten hat, während Mutter sich bemüht, dafür zu sorgen, dass die Männer dieser Welt glücklich sind.

Alle im Ensemble leisten wirklich erstklassige Arbeit: keine falschen Töne, keine verschluckten Zeilen, kein Bruch im Zeitgefühl.

Überraschend ist es nicht: So sehr Turner, ihr Team und das Ensemble auch erreichen – Treadwells Stück funktioniert nicht, wenn die junge Frau nicht von einer aussergewöhnlichen Schauspielerin gespielt wird. Das ist ein harter Job: Die junge Frau ist zu Beginn zerbrochen, findet eine Chance auf Zusammenhalt und Glück – und verliert dann alles, um schliesslich auf der Bühne durch Stromstösse zu sterben.

Obwohl die Figur beinahe ein unbeschriebenes Blatt ist, könnte eine Darstellerin von wirklicher Kunst und Subtilität daraus eine Rolle fürs Leben machen. Es ist die Art von Partie, die Cate Blanchett, Lily Rabe, Rachel Weiss, Carey Mulligan, Tamsin Carroll oder Cush Jumbo spielen würden. Es braucht Virtuosität: echte stimmliche Wendigkeit, schimmernde Leichtigkeit, tief empfundene Qual und Leidenschaft, unschuldige Berechnung und akribische, unnachgiebige technische Präzision.

Was es nicht braucht, ist jemand, der nicht einmal einen Handabdruck in nasser Farbe hinterlassen kann; jemand, für den Monotonie zweite Natur ist; jemand mit einer Stimme, die sich ins Bewusstsein bohrt wie eine Mücke in den unerreichbaren unteren Rücken; jemand mit der Bühnenausstrahlung und Anziehungskraft eines kalten Sausage Rolls in der Antarktis – und doch ist es ausgerechnet die masslos überschätzte Rebecca Hall, die Turner und ihrem Team ausgeteilt wird.

Das ist ein so grundlegender Fehler, als würde man etwa Alan Cumming (so gut er auch ist) Joanne in einer Wiederaufnahme von Sondheims Company spielen lassen. Es ist unerquicklich und fast unvorstellbar. Und doch: Da steht sie, hoffnungslos überfordert als die junge Frau, Treadwells Heldin. Ihr letzter Schrei, als die elektrischen Ströme ihr das Leben nahmen, sollte eiskalt und herzstillstehend sein – und zugleich scharf nachhallen als Ausdruck eines verlorenen Lebens, zerstört durch die Härte von Männern und Gesellschaft und den Druck beider; stattdessen klang es, als hätte sie sich beim Nähen in den Daumen gestochen.

Auch das Publikum liess sich nicht täuschen; der lauwarme Applaus war eine vernichtende Anklage gegen den angeblichen Starauftritt. Und die von der Produktion platzierten Rufe „Brava“ machten keinen Eindruck; das vollbesetzte Haus erhob sich nicht einmal – und hielt den Applaus nicht einmal für einen zweiten Vorhang aufrecht.

Das ist sehr schade, denn Turners Blick auf Treadwells bemerkenswertes Stück ist wirklich etwas Besonderes.

Leider ist Rebecca Hall es nicht.