KRITIK: Romeo und Julia, Brockley Jack Theatre ✭✭✭✭

Romeo und Julia

Brockley Jack Theatre

22/10/15

4 Sterne

„Ich sehe, dass Wahnsinnige keine Ohren haben.

Wie sollten sie auch, wenn Weise keine Augen haben?

…Du kannst von dem nicht sprechen, was du nicht fühlst.“

Mit einer traditionellen Inszenierung von Romeo und Julia kommt man an einem lauen Sommerabend unter freiem Himmel oft durch – wenn Spielort und Atmosphäre ebenso Teil des Erlebnisses sind wie das Stück selbst. An einem feuchten Abend in Brockley braucht es allerdings deutlich mehr, um das Publikum zu fesseln. Immersion Theatre hat eine starke Erfolgsbilanz darin, bekannten Texten neue Facetten abzugewinnen – und erfreulicherweise macht auch diese Produktion keine Ausnahme. Besonders willkommen ist, dass diese Tournee vermutlich junge Menschen anspricht und für sie besonders zugänglich wirkt.

Zunächst einmal: Das Stück ist recht deutlich gekürzt, insgesamt aber zum Vorteil. Der ganze Abend inklusive Pause dauert nur etwas über zwei Stunden und besitzt einen angenehmen Fluss sowie ein erfrischendes Tempo – sehr willkommen. Einige Figuren sind ebenfalls gestrichen. Lady Capulet ist Witwe oder alleinerziehende Mutter; Tybalt ist faktisch der Mann im Haus. Auch die Montagues sind reduziert: Ein kurzer Auftritt von Romeos Mutter muss genügen. Obwohl alle zentralen Reden und Szenen erhalten bleiben, wurde klug ausgedünnt – und ich kann nicht sagen, dass mir etwas gefehlt hätte.

Regisseur James Tobias verlegt das Stück in den Kontext des Bergarbeiterstreiks 1984/85. So ist die Eröffnungsszene eine Konfrontation zwischen den Montagues, die Banner schwenken und Parolen rufen, und der Capulet-Fraktion unter Tybalt, die beschlossen hat, den Streik zu brechen und wieder zur Arbeit zu gehen. Die Familien sind tatsächlich „gleich an Würde“, aber nicht durch Reichtum erhöht. Der Fürst ist ein Polizist, Paris scheint es ebenfalls zu sein. Wie Bruder Lorenzo in dieses Konzept passt, war mir nicht ganz klar: Er wirkt eher wie ein freundlich-tweediger Lehrer als wie irgendeine Art Geistlicher … aber sei’s drum.

Dieses Szenario funktioniert ziemlich gut: Es erklärt die eingefleischte Feindschaft der Familien und zeigt mühelos, wie schwer es den Liebenden fällt, sich von den Intrigen und der Gewalt um sie herum zu lösen. In der zweiten Hälfte tritt der Rahmen etwas in den Hintergrund, wenn das Tempo anzieht – doch in Wahrheit würde das bei jedem von außen aufgesetzten Kontext an diesem Punkt des Dramas passieren.

Auch die neue Perspektive auf Tybalts ohnehin etwas unterbelichtete Rolle gefällt mir. Wie Tobias in seinem Programmheft schreibt, wird er oft als Schurkenklischee gespielt – doch das erklärt nicht, warum die Frauen ihn so überschwänglich betrauern. Ihn als führenden Mann im Capulet-Haushalt zu zeigen, mit einer ambivalenten Beziehung zu Juliet, der Amme und Lady Capulet, eröffnet den Darsteller*innen wirklich interessante Spielräume. Harry Anton macht viel aus dieser Rolle: In dieser Produktion ist er in ihrem Kampf ein ernst zu nehmender, ausgewogener Gegenpart zu Mercutio – kein zweidimensionaler Schläger.

Natürlich kann jede Neuinszenierung das Stück in viele Richtungen treiben; aber für mich gibt es mindestens zwei Konstanten, damit es funktioniert. Erstens müssen die „vom Schicksal verfolgten Liebenden“ wie in einem eigenen Kokon gegenseitiger Verzückung abseits des restlichen Geschehens stehen – geradezu lächerlich blind für die Welt um sie herum und überzeugt, dass niemand ihre Sicht verstehen kann. Im Kern des Stücks – und in dem, was ihm seine bleibende Bedeutung gibt – liegt die wunderbare Verkörperung sehr junger Liebe, vollständig im Widerspruch zur Welt: Zwei Figuren, die als versöhnliche Anpasser beginnen, entwickeln durch ihre gegenseitige Verliebtheit in rasantem Tempo ihre Persönlichkeiten. Genau so werden sie hier von Clive Keene und Simone Murphy gespielt. Zwar könnten einige der stark rhetorischen Passagen, die ihnen anvertraut sind (z. B. „Galoppiert schnell, ihr feurigen Hufbeschwingten“), noch mehr Textarbeit und ein langsameres Tempo vertragen; doch an der Intensität ihrer Chemie oder der Glaubwürdigkeit ihrer Romanze gab es keinen Zweifel. Vom Plakat blicken sie uns entgegen wie aus einer West Side Story-Produktion: ein Bild wütender Entfremdung – und das passt genau zu dieser ausdrücklich konfrontativen Inszenierung.

Das zweite Element jeder gelungenen Produktion ist der Übergang zwischen dem überwiegend komischen Ton der ersten Hälfte – getragen vom scharfzüngigen Wortwitz Mercutios und der derb-deftigen Komik der Amme – und dem ernsteren, düstereren Ton der zweiten Hälfte, in der die Autoritätskräfte in Gestalt von Bruder Lorenzo und Lady Capulet versuchen, sich vor dem finalen Dénouement erneut zu behaupten.

Viel hängt daher besonders von der Arbeit dieser vier Darsteller*innen ab – und in dieser Produktion kommen von allen hervorragende Beiträge. Als Mercutio war Dan Dawes wirklich komisch, ein exzellenter Bühnenmensch, der um sich herum Energie erzeugte. Auch mit der außergewöhnlichen „Queen Mab“-Rede machte er einiges: Er traf nicht nur die hauchfeine Fantasie der Sprache, sondern auch den hässlichen Schmerz des Schlussabschnitts, der seinen eigenen Tod vorwegnimmt und der Darstellung eine seltene Note von Selbsterkenntnis verleiht.

Roseanna Morris war als Amme deutlich resoluter und weniger tölpelhaft als üblich – und das ist nur zu begrüßen. Sie machte aus der Amme eine Mischung aus Julie Walters und Jennifer Saunders: robust, geistreich und spritzig, zugleich warmherzig und durchaus bereit, Juliet, Lady Capulet, Romeo und Bruder Lorenzo Paroli zu bieten. Auch das passte zum Kontext und ließ uns viel genauer hinhören, was die Amme im Stück tatsächlich sagt.

Rochelle Perry profitierte davon, dass sie im Grunde die zentrale, ja nahezu einzige elterliche Stimme im Stück ist. Als Lady Capulet zeigte sie eine Sprödigkeit und nervöse Ungeduld angesichts ihrer Lage, die Mitgefühl weckte. Ausnahmsweise wurde sie als jüngere Frau mittleren Alters gespielt, die noch darauf bedacht ist, selbst eine gute Figur zu machen. Wenn sie Juliet also wegen der Heirat mit Paris stellt, wird daraus eine wirklich rohe, hässliche Szene von Schikane – nicht das zahme Abwickeln der Handlung, das es in weniger sorgfältigen Inszenierungen sein kann.

Als Bruder Lorenzo und der Fürst  vermittelte James Sanderson unterschiedliche Formen von Autorität und zog ganz am Ende die Fäden der Handlung sehr wirkungsvoll zusammen. Bruder Lorenzo kann eine undankbare Rolle sein, doch er fand reichlich Gelegenheiten für Humor und eine zurückhaltende Wertschätzung der Schwächen seiner Schutzbefohlenen.

Angesichts des begrenzten Raums im Brockley Jack war es beeindruckend, wie Fight Director Matt Gardner Abläufe zusammengestellt hat, die glaubwürdig, abwechslungsreich und für Darsteller*innen wie Publikum sicher waren (ich saß in der ersten Reihe!). Vor allem Mercutio, Romeo und Benvolio (James G Nunn) sorgten während der Disco, die den Maskenball ersetzte, für viel plausibles, wirklich amüsantes Herumalbern und Geplänkel.

Kostüme und Musik trafen den Ton der mittleren 1980er Jahre – zumindest so, wie ich sie in Erinnerung habe. Das Bühnenbild von Marco Turich bot zwei erhöhte Plattformen, erreichbar über Leiter und Stufen, mit einem Haupteingang dazwischen. Eine dieser Plattformen, die sowohl für die Balkonszene als auch für Juliets Schlafzimmer herhalten musste, war zu hoch angesetzt, sodass man stellenweise nur schwer erkennen konnte, was genau vor sich ging.

Trotz einiger rauer Kanten war das eine durchgehend kluge und fesselnde Inszenierung, die sehr geschickt auf diejenigen zielt, die dem Stück zum ersten Mal begegnen. In Ermangelung eines traditionellen Repertoirebetriebs ist es umso wichtiger, dass Produktionen wie diese ausgedehnt auf Tour gehen, um Shakespeare auf zugängliche Weise zu verbreiten. Man kann ihnen nur das Beste wünschen.

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