리뷰: 로미오와 줄리엣, 브록리 잭 극장 ✭✭✭✭

로미오와 줄리엣

브록리 잭 시어터

22/10/15

별 4개

“미친 자들은 귀가 없다는 걸 알겠어.

현명한 자들이 눈이 없다면, 그들이 어찌 귀를 가질 수 있겠어?

…너는 느끼지 못하는 것을 말할 수 없어.”

여름 저녁 야외에서라면, 장소와 분위기 자체가 작품만큼이나 경험의 일부가 되기에 전통적인 로미오와 줄리엣 프로덕션도 충분히 통할 수 있습니다. 하지만 축축한 브록리의 밤에는 관객의 마음을 붙잡기 위해 그보다 더 많은 것이 필요하죠. Immersion Theatre는 익숙한 텍스트에서 새로운 의미를 길어 올리는 데 탄탄한 기록을 가진 단체인데, 다행히 이번 프로덕션도 예외가 아닙니다. 특히 이 투어 공연이 젊은 관객에게 매력적으로 다가가고, 처음 접하는 이들에게도 가장 접근하기 쉬운 형태로 보인다는 점이 반갑습니다.

먼저 짚고 넘어갈 점은, 대본이 꽤 과감하게 축약됐다는 것입니다. 하지만 대체로 득이 됩니다. 인터벌을 포함한 러닝타임이 2시간을 조금 넘는 정도로 정리돼 흐름이 좋고 속도감이 산뜻해 매우 환영할 만합니다. 몇몇 인물도 사라졌습니다. 캐퓰릿 부인은 과부 혹은 싱글맘으로 설정되고, 티볼트가 사실상 집안의 남성 가장 역할을 맡습니다. 몬터규 쪽 부모 역시 로미오의 어머니가 잠깐 등장하는 정도로 축소됐죠. 핵심 장면과 유명한 대사들은 그대로 살아 있지만 전반적으로 절제 있는 가지치기가 이뤄졌고, 빠진 것을 아쉽게 느끼진 않았습니다.

제임스 토비아스 연출은 이 작품을 1984~85년 광원 파업의 맥락에 배치하기로 했습니다. 그래서 오프닝은 깃발을 흔들고 구호를 외치는 몬터규 일파와, 파업을 깨고 복귀하기로 한 티볼트가 이끄는 캐퓰릿 측의 대치로 시작합니다. 두 가문은 확실히 ‘품격은 비슷’하지만, 부로 인해 높아진 존재들은 아닙니다. 공작은 경찰로, 패리스도 아마 경찰로 보입니다. 다만 프라이어 로렌스가 이 틀에 어떻게 들어맞는지는 완전히 납득되진 않았습니다. 그는 성직자라기보다 푸근한 트위드 차림의 선생님처럼 보이거든요… 하지만 큰 문제는 아닙니다.

이 설정은 꽤 잘 작동합니다. 두 가문의 뿌리 깊은 적대가 납득되고, 연인들이 주변의 음모와 폭력에서 자신들을 떼어 놓는 일이 얼마나 어려운지도 자연스럽게 드러나죠. 후반부로 갈수록 사건 전개가 빨라지면서 이 맥락은 다소 배경으로 물러나지만, 사실 이런 ‘외부에서 부여한’ 시대적 틀은 드라마가 이 단계에 이르면 어떤 경우든 비슷하게 희미해지기 마련입니다.

티볼트의 다소 빈약하게 쓰인 역할에 새로운 각도를 부여한 점도 좋았습니다. 토비아스가 프로그램 노트에서 말하듯, 티볼트는 종종 전형적인 악당으로만 연기되지만 그렇게 하면 여성들이 왜 그를 그렇게 요란하게 애도하는지 설명이 되지 않습니다. 그를 캐퓰릿 집안의 실질적인 남성 중심으로 두고, 줄리엣, 유모, 캐퓰릿 부인과의 관계를 모호하게 설정함으로써 배우들이 파고들 수 있는 흥미로운 길이 열립니다. 해리 안톤은 이 역할에서 많은 것을 끌어냈고, 이번 프로덕션에서 티볼트는 메르쿠티오와의 결투에서 제대로 균형을 이루는 상대가 됩니다. 평면적인 깡패가 아니죠.

물론 새로운 프로덕션은 작품을 여러 방향으로 이끌 수 있지만, 이 작품이 제대로 작동하려면 적어도 두 가지는 반드시 지켜져야 한다고 봅니다. 첫째, ‘별의 운명에 가로막힌 연인들’은 세상의 소음과는 분리된 둘만의 고치 속에서 서로의 황홀에 빠져, 주변을 우스울 만큼 못 본 척하며, 누구도 자신들의 시선을 이해할 수 없다고 믿어야 합니다. 이 작품의 핵심이자 시대를 넘어 의미를 갖게 하는 힘은, 세상과 전적으로 어긋난 아주 어린 사랑을 기적처럼 구현했다는 데 있습니다. 처음에는 타협적이고 순응적인 인물들이, 서로에게 빠져들면서 놀라울 정도로 빠르게 인격의 전면을 드러내게 되죠. 여기서도 클라이브 킨과 시몬 머피는 바로 그 지점을 잘 구현합니다. 다만 그들에게 맡겨진 몇몇 수사적인 대사(예: “달려라, 불길한 발굽의 말들이여”)는 텍스트를 조금 더 다듬고 속도를 늦출 필요가 있어 보였지만, 두 사람 사이의 강렬한 케미스트리나 로맨스의 설득력은 의심할 여지가 없었습니다. 포스터 속 그들의 모습은 마치 웨스트 사이드 스토리의 한 장면처럼 분노 어린 소외감을 담고 있는데, 이처럼 노골적으로 대립을 전면에 내세운 프로덕션에는 그게 딱 맞아떨어집니다.

성공적인 프로덕션의 둘째 요소는, 메르쿠티오의 재치 있는 말장난과 유모의 대담한 음담패설이 이끄는 전반부의 대체로 희극적인 톤에서, 후반부의 더 진지하고 어두운 톤으로 넘어가는 전환입니다. 후반부에서는 프라이어 로렌스와 캐퓰릿 부인이라는 ‘권위’가 마지막 결말(대단원)로 향하기 전 다시 고개를 들죠.

따라서 특히 이 네 배우의 역할이 중요한데, 이번 프로덕션에서는 모두 훌륭한 기여를 보여줬습니다. 메르쿠티오 역의 댄 도스는 정말로 웃겼고, 무대 위에서 움직임이 탁월해 주변에 에너지를 만들어냈습니다. 유명한 ‘퀸 맵’ 독백에서도 아주 좋은 순간들이 있었습니다. 그는 언어가 지닌 거미줄 같은 환상을 포착했을 뿐 아니라, 마지막 부분의 추하고 날카로운 고통까지 담아냈는데, 이는 곧 다가올 자신의 죽음을 예고하며 연기에 드물게 자기 인식의 결을 더합니다.

로즈애나 모리스는 보통보다 훨씬 더 단단하고, 덜 허둥대는 유모를 보여줬는데, 이는 매우 바람직했습니다. 그녀는 유모를 줄리 월터스와 제니퍼 손더스의 중간쯤 되는 인물로 만들었습니다. 강단 있고, 재치가 경쾌하지만, 마음은 따뜻하고 줄리엣, 캐퓰릿 부인, 로미오, 프라이어 로렌스에게도 기꺼이 맞설 줄 아는 사람이죠. 이 역시 설정과 잘 맞아떨어졌고, 관객으로 하여금 유모가 실제로 극에서 무엇을 말하는지 더 주의 깊게 듣게 했습니다.

로셸 페리는 극에서 주요하고, 사실상 거의 유일한 ‘부모의 목소리’를 맡게 된 덕을 봤습니다. 캐퓰릿 부인으로서 그녀는 상황에 대한 부서질 듯한 예민함과 날 선 조급함을 드러내며 연민을 이끌어냈습니다. 이번에는 드물게, 아직 자신의 존재감을 유지하려는 비교적 젊은 중년 여성으로 연기됐죠. 그래서 패리스와의 결혼 문제로 줄리엣을 몰아붙이는 장면은, 덜 세심한 프로덕션에서 흔히 보이는 밋밋한 플롯 정리가 아니라, 날것 그대로의 추하고 거친 괴롭힘 장면이 됩니다.

프라이어 로렌스와 공작을 맡은 제임스 샌더슨은 서로 다른 종류의 권위를 설득력 있게 전달했고, 마지막에는 사건의 실타래를 매우 효과적으로 정리해냈습니다. 프라이어 로렌스는 자칫 지루해질 수 있는 역할이지만, 그는 유머를 낄 여지도 충분히 찾았고, 자신이 돌보는 이들의 허점을 과장하지 않고 은근히 바라보는 여유도 보여줬습니다.

브록리 잭의 제한된 공간을 고려하면, 파이트 디렉터 맷 가드너가 배우와 관객 모두에게 그럴듯하고 다양하며 안전한 동작을 짜낸 것이 인상적이었습니다(저는 앞줄에 앉아 있었거든요!). 특히 가면무도회 대신 들어간 디스코 장면에서 메르쿠티오, 로미오, 벤볼리오(제임스 G 넌)는 자연스럽고 정말 웃긴, 장난 섞인 티키타카를 풍성하게 만들어냈습니다.

의상과 음악은 (적어도 제 기억 속) 1980년대 중반 분위기를 정확히 겨냥했고, 마르코 투리치의 세트는 사다리와 계단으로 오를 수 있는 두 개의 높임 플랫폼과 그 사이의 메인 출입구로 구성됐습니다. 발코니 장면과 줄리엣의 침실로 사용된 플랫폼 중 하나는 너무 높게 설치돼, 때때로 무대에서 정확히 무엇이 벌어지는지 보기 어려운 순간들이 있었습니다.

몇몇 거친 부분이 있긴 하지만, 이 프로덕션은 처음부터 끝까지 사려 깊고 관객을 끌어들이는 힘이 있었으며, 무엇보다 이 작품을 처음 접하는 관객을 아주 영리하게 겨냥하고 있습니다. 전통적인 레퍼토리 극장이 줄어든 상황에서, 셰익스피어를 더 쉽게 만날 수 있도록 이런 공연들이 광범위한 투어를 이어가는 일은 더욱 중요합니다. 이들에게 행운만 있기를 바랍니다.

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