RECENSIONE: Romeo e Giulietta, Brockley Jack Theatre ✭✭✭✭

Romeo e Giulietta

Brockley Jack Theatre

22/10/15

4 stelle

«Vedo che i pazzi non hanno orecchie.

Come potrebbero, quando i saggi non hanno occhi?

…Non puoi parlare di ciò che non provi.»

Una messa in scena tradizionale di Romeo e Giulietta può funzionare benissimo in una sera d’estate all’aperto, quando luogo e atmosfera sono parte integrante dell’esperienza quanto lo spettacolo; ma in una serata umida a Brockley serve qualcosa in più per tenere agganciato il pubblico. Immersion Theatre vanta un ottimo curriculum nel trovare nuove chiavi di lettura per testi familiari, e per fortuna questa produzione non fa eccezione. È particolarmente positivo che questo spettacolo in tournée abbia tutte le carte in regola per piacere ai giovani e risultare loro molto accessibile.

Il primo aspetto da sottolineare è che il testo è stato tagliato in modo piuttosto consistente, ma per lo più a vantaggio dello spettacolo. L’intera serata, intervallo compreso, dura poco più di due ore e scorre con un ritmo fluido e piacevolmente sostenuto. Anche alcuni personaggi sono spariti. Lady Capulet è vedova o mamma single, con Tebaldo come vero uomo di casa, e i genitori Montecchi sono ridotti a una fugace apparizione della madre di Romeo. Pur mantenendo tutti i discorsi e le scene chiave, c’è una potatura oculata, e non posso dire di averne sentito la mancanza.

Il regista James Tobias ha scelto di ambientare la vicenda nel contesto dello Sciopero dei Minatori del 1984-85: la scena d’apertura è quindi uno scontro tra i Montecchi, che sventolano striscioni e gridano slogan, e la fazione Capuleti guidata da Tebaldo, decisa a rompere lo sciopero e tornare al lavoro. Le famiglie sono davvero «uguali in dignità», ma non elevate dalla ricchezza. Il Principe è un poliziotto, e anche Paride sembra esserlo. Non mi è del tutto chiaro come si inserisca Fra Lorenzo in questo impianto: appare come un cordiale insegnante in tweed più che come un sacerdote… ma poco importa.

Questa cornice funziona piuttosto bene: rende credibili le inimicizie radicate tra le famiglie e mostra con immediatezza quanto sia difficile per i due amanti separarsi dagli intrighi e dalla violenza che li circondano. Nella seconda parte, quando l’azione accelera, l’ambientazione finisce un po’ sullo sfondo; ma, a ben vedere, succederebbe con qualsiasi contesto “esterno” imposto a questo punto del dramma.

Mi è piaciuta anche la nuova angolazione data al ruolo, spesso un po’ abbozzato, di Tebaldo. Come osserva Tobias nelle note di programma, spesso viene interpretato come un cattivo di repertorio, ma così non si spiega perché le donne lo piangano in modo tanto eccessivo. Farne la figura maschile dominante in casa Capuleti, con un rapporto ambiguo sia con Giulietta sia con la Balia e con Lady Capulet, apre piste davvero interessanti per gli interpreti. Harry Anton sfrutta molto bene questo materiale e in questa produzione risulta un avversario pienamente all’altezza di Mercuzio nel loro scontro, non un teppista bidimensionale.

Certo, ogni nuova produzione può portare il testo in molte direzioni, ma mi pare che perché quest’opera funzioni debbano restare almeno due costanti. La prima: gli «amanti nati sotto una cattiva stella» devono stagliarsi rispetto al resto in un bozzolo di estasi reciproca, ridicolmente ignari del mondo attorno e convinti che nessuno possa capire il loro punto di vista. Il cuore del dramma—e ciò che lo rende perennemente attuale—è il modo quasi miracoloso in cui incarna un amore giovanissimo, in totale attrito con il mondo: due personaggi che all’inizio sono concilianti e conformisti arrivano in pochissimo tempo a una piena maturazione della propria personalità grazie alla loro infatuazione reciproca. È esattamente così che qui li interpretano Clive Keene e Simone Murphy. Anche se alcuni dei passi più retorici affidati a loro (ad esempio «Galoppate veloci, destrieri dai piedi di fuoco») avrebbero bisogno di maggiore lavoro sul testo e di un ritmo più disteso, non c’era dubbio sull’intensità della chimica tra i due né sulla credibilità del loro amore. Sul manifesto appaiono come in una produzione di West Side Story, immagine di rabbiosa alienazione; e sembra la scelta giusta per un allestimento così apertamente conflittuale.

Il secondo elemento di una produzione riuscita dovrebbe essere la transizione tra il tono in gran parte comico della prima metà—dominato dai botta e risposta arguti di Mercuzio e dalla sfrontata licenziosità della Balia—e il tono più serio e cupo della seconda, in cui le forze dell’autorità, incarnate da Fra Lorenzo e Lady Capulet, tentano di riaffermarsi prima del dénouement finale.

Molto, dunque, dipende dal lavoro di questi quattro interpreti e in questa produzione tutti offrono contributi eccellenti. Nei panni di Mercuzio, Dan Dawes è davvero divertente: si muove benissimo in scena e sprigiona energia attorno a sé. Ha fatto anche un ottimo lavoro con lo straordinario monologo della «Regina Mab». Non solo ha colto la fantasia impalpabile del linguaggio, ma anche il dolore ruvido dell’ultima sezione, che preannuncia la sua stessa fine e aggiunge alla prova una rara qualità di consapevolezza di sé.

Roseanna Morris propone una Balia molto più assertiva e meno pasticciona del solito, e non può che essere un bene. Ne fa una sorta di incrocio tra Julie Walters e Jennifer Saunders: concreta e coriacea, pronta alla battuta, ma dal cuore tenero e più che disposta a tenere testa a Giulietta, Lady Capulet, Romeo e Fra Lorenzo. Anche questo è in sintonia con la cornice scelta e ci porta ad ascoltare molto più attentamente ciò che la Balia dice davvero nel testo.

Rochelle Perry ha beneficiato del fatto di essere la principale—anzi, praticamente l’unica—voce genitoriale in scena. Come Lady Capulet mostra una fragilità tagliente e un’impazienza nervosa verso la propria situazione che suscitano empatia. Per una volta viene interpretata come una donna di mezza età ancora relativamente giovane, ancora attenta a mantenere un certo prestigio. Così, quando affronta Giulietta sul matrimonio con Paride, la scena diventa davvero cruda e sgradevole, un episodio di bullismo, non l’addomesticata chiusura di trama che può risultare in allestimenti meno accurati.

Nei ruoli di Fra Lorenzo e del Principe,  James Sanderson riesce a rendere differenti tipi di autorità e, proprio alla fine, a ricomporre i fili dell’azione con grande efficacia. Fra Lorenzo può essere un ruolo ingrato, ma lui trova molte occasioni per l’umorismo e per una sobria comprensione delle debolezze dei suoi “ragazzi”.

Considerato lo spazio limitato del Brockley Jack, è stato notevole il lavoro del Fight Director Matt Gardner nel costruire sequenze credibili, varie e sicure per attori e pubblico (io ero in prima fila!). In particolare, Mercuzio, Romeo e Benvolio (James G Nunn) hanno creato un gran numero di scambi plausibili e davvero divertenti durante la discoteca che sostituisce il ballo in maschera.

Costumi e musica erano perfettamente centrati sulla metà degli anni ’80, almeno per come li ricordo; e la scenografia di Marco Turich offriva due piattaforme rialzate accessibili con scala a pioli e gradini, con un ingresso principale tra le due. Una di queste piattaforme, utilizzata per la scena del balcone e per la camera di Giulietta, era però sistemata troppo in alto, tanto che in alcuni momenti era difficile vedere bene che cosa stesse accadendo.

Nonostante qualche spigolo, è stata una produzione costantemente intelligente e coinvolgente, mirata con grande abilità a chi si avvicina al testo per la prima volta. In assenza di un vero teatro di repertorio tradizionale, è ancora più importante che allestimenti come questo vadano in tournée ampie, per diffondere Shakespeare in modo accessibile. Non possiamo che augurare loro il meglio.

Scopri di più su Immersion Theatre