CRÍTICA: Romeu e Julieta, Brockley Jack Theatre ✭✭✭✭

Romeu e Julieta

Brockley Jack Theatre

22/10/15

4 Estrelas

«Vejo que os loucos não têm ouvidos.

Como hão de tê-los, se os sábios não têm olhos?

…Não podes falar daquilo que não sentes.»

Uma encenação tradicional de Romeu e Julieta pode resultar numa noite de verão ao ar livre, em que o local e a atmosfera são tão parte da experiência quanto a peça; mas numa noite húmida em Brockley é preciso bem mais para prender o público. A Immersion Theatre tem um excelente historial de encontrar novas leituras em textos familiares e, felizmente, esta produção não é exceção. É particularmente bom ver que este espetáculo em digressão deverá agradar — e ser especialmente acessível — ao público jovem.

O primeiro ponto a assinalar é que o texto foi bastante cortado, mas, no geral, com vantagem. A noite toda, incluindo o intervalo, fica em pouco mais de duas horas e ganha um fluxo e um ritmo refrescantes que são muito bem-vindos. Algumas personagens também desapareceram. Lady Capulet surge como viúva ou mãe solteira, com Tebaldo como o homem da casa, e os pais Montéquio são igualmente reduzidos a uma aparição fugaz da mãe de Romeu. Embora todos os discursos e cenas essenciais se mantenham, há muita poda criteriosa — e não posso dizer que tenha sentido falta do que foi retirado.

O encenador James Tobias decidiu situar a ação no contexto da Greve dos Mineiros de 1984-85, pelo que a cena de abertura é um confronto entre os Montéquio, a agitar faixas e a gritar palavras de ordem, e a fação dos Capuleto liderada por Tebaldo, que decidiu furar a greve e regressar ao trabalho. As famílias são de facto «iguais em dignidade», mas não estão elevadas pela riqueza. O Príncipe é um polícia e Páris parece sê-lo também. Não tenho a certeza de como Frei Lourenço encaixa neste formato: surge mais como um professor afável, de tweed, do que como qualquer tipo de sacerdote… mas enfim.

Este cenário funciona bastante bem: dá sentido às inimizades entranhadas das famílias e mostra com facilidade como é difícil para os amantes separarem-se das intrigas e da violência à sua volta. É verdade que recua um pouco para segundo plano à medida que o ritmo da ação se intensifica na segunda metade, mas, na prática, isso aconteceria com qualquer contexto imposto de fora nesta fase do drama.

Também gostei da nova abordagem ao papel de Tebaldo, algo subescrito. Como Tobias refere na nota de programa, ele é muitas vezes interpretado como um vilão-tipo, mas isso não explica porque é que as mulheres o choram de forma tão extravagante. Ao fazê-lo a figura masculina dominante na casa dos Capuleto, com uma relação ambígua tanto com Julieta como com a Ama e Lady Capulet, abrem-se caminhos verdadeiramente interessantes para os atores explorarem. Harry Anton tira muito partido deste papel e, nesta produção, surge como um adversário devidamente equilibrado para Mercúcio no combate entre ambos — não como um brutamontes bidimensional.

Claro que qualquer nova produção pode levar a peça em inúmeras direções, mas parece-me que, para que funcione, há pelo menos duas constantes essenciais. Primeiro, os «amantes desditosos» precisam de se destacar do resto da ação, num casulo de êxtase partilhado, ridiculamente alheios ao mundo à sua volta e convencidos de que ninguém consegue compreender a sua perspetiva. No coração da peça — e no que lhe dá uma relevância perene — está a sua milagrosa encarnação de um amor muito jovem, totalmente em desacordo com o mundo: duas personagens que começam como conciliadoras e conformistas alcançam muito rapidamente o pleno desenvolvimento das suas personalidades graças à paixão que as une. É exatamente assim que aqui são interpretados por Clive Keene e Simone Murphy. Embora alguns dos discursos altamente retóricos que lhes cabem (por exemplo, «Galopai depressa, ó corcéis de pés de fogo») beneficiassem de maior trabalho de texto e de um ritmo mais lento, não havia dúvida quanto à intensidade da química entre ambos nem quanto à credibilidade do romance. No cartaz, olham para nós como se estivessem numa produção de West Side Story, uma imagem de alienação furiosa; e isso parece-me certíssimo para este tipo de encenação explicitamente confrontacional.

O segundo elemento de qualquer produção bem-sucedida deve ser a transição entre o tom maioritariamente cómico da primeira metade, conduzido pela verve de Mercúcio e pela ousada picardia da Ama, e o tom mais sério e sombrio da segunda metade, em que as forças da autoridade — sob a forma de Frei Lourenço e Lady Capulet — tentam reafirmar-se antes do desfecho final.

Muito depende, por isso, do trabalho destes quatro intérpretes em particular, e nesta produção houve excelentes contributos de todos. Como Mercúcio, Dan Dawes foi genuinamente engraçado, com ótima mobilidade em palco e a gerar energia à sua volta. Também fez coisas muito boas com o extraordinário discurso da «Rainha Mab». Não só captou a fantasia diáfana da linguagem, como também a dor feia da secção final, que antecipa a sua própria morte e acrescenta uma rara qualidade de autoconsciência à interpretação.

Roseanna Morris apresentou uma Ama muito mais afirmativa e menos trapalhona do que o habitual — e ainda bem. Fez da Ama algo entre Julie Walters e Jennifer Saunders: de ideias firmes, viva de espírito, mas de coração terno e perfeitamente disposta a enfrentar Julieta, Lady Capulet, Romeu e Frei Lourenço. Mais uma vez, isto estava afinado com o contexto e levou-nos a ouvir com muito mais atenção o que a Ama realmente diz na peça.

Rochelle Perry beneficiou por ser a principal — e, na verdade, quase a única — voz parental na peça. Como Lady Capulet, mostrou uma fragilidade e uma impaciência nervosa perante a sua situação que despertaram simpatia. Pela primeira vez, foi interpretada como uma mulher de meia-idade mais jovem, ainda preocupada em manter a própria imagem. Assim, quando confrontou Julieta sobre o casamento com Páris, foi uma cena crua e feia de intimidação, não o apaziguamento dócil do enredo que por vezes se vê em produções menos cuidadas.

Como Frei Lourenço e o Príncipe,  James Sanderson conseguiu transmitir diferentes tipos de autoridade e, no fim, reuniu os fios da ação de forma muito eficaz. Frei Lourenço pode ser um papel cansativo, mas ele encontrou muitas oportunidades para humor e para uma apreciação discreta das fraquezas dos seus protegidos.

Tendo em conta o espaço limitado do Brockley Jack, foi impressionante ver como o diretor de lutas Matt Gardner montou rotinas credíveis, variadas e seguras para atores e público (eu estava sentado na primeira fila!). Em particular, Mercúcio, Romeu e Benvolio (James G Nunn) geraram muita brincadeira plausível, genuinamente divertida, durante a festa disco que substituiu o baile de máscaras.

Os figurinos e a música estavam mesmo certeiros para meados dos anos 80, pelo menos tanto quanto me lembro; e o cenário de Marco Turich disponibilizava duas plataformas elevadas, acessíveis por escada de mão e degraus, com uma entrada principal ao meio. Uma dessas plataformas — usada para a Cena da Varanda e para o quarto de Julieta — estava demasiado alta, o que, em certos momentos, dificultava ver bem o que se passava.

Apesar de algumas arestas por limar, foi uma produção constantemente ponderada e envolvente, dirigida com grande acerto a quem vê a peça pela primeira vez. Na ausência de um teatro de repertório tradicional, é ainda mais importante que produções como esta façam digressões extensas para levar Shakespeare ao público de forma acessível. Só podemos desejar-lhes o melhor.

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