RESEÑA: Romeo y Julieta, Teatro Brockley Jack ✭✭✭✭

Romeo y Julieta

Brockley Jack Theatre

22/10/15

4 estrellas

«Veo que los locos no tienen oídos.

¿Cómo iban a tenerlos, cuando los sabios no tienen ojos?

…No puedes hablar de aquello que no sientes.»

Una puesta en escena tradicional de Romeo y Julieta puede funcionar en una noche veraniega al aire libre, cuando el lugar y la atmósfera forman parte de la experiencia tanto como la obra; pero en una noche húmeda en Brockley hace falta bastante más para enganchar al público. Immersion Theatre tiene un excelente historial a la hora de encontrar nuevas lecturas para textos de sobra conocidos, y me alegra decir que esta producción no es una excepción. Se agradece especialmente que esta gira tenga muchas papeletas para gustar y resultar muy accesible al público joven.

Lo primero que conviene señalar es que la obra está recortada de manera bastante sustancial, pero en general para bien. Toda la velada, incluido el intermedio, se queda en poco más de dos horas, y tiene una fluidez y un ritmo refrescante que se agradecen mucho. También han desaparecido algunos personajes. Lady Capuleto es viuda o madre soltera, con Teobaldo como el hombre de la casa en la práctica, y los Montesco quedan igualmente reducidos a una aparición fugaz de la madre de Romeo. Aunque se mantienen todos los parlamentos y escenas clave, hay mucha poda sensata, y no puedo decir que echara nada de menos.

El director James Tobias ha decidido situar la obra en el contexto de la huelga de los mineros de 1984-85, de modo que la escena inicial es un enfrentamiento entre los Montesco, agitando pancartas y coreando consignas, y el bando de los Capuleto liderado por Teobaldo, que ha decidido romper la huelga y volver al trabajo. Las familias son, en efecto, «iguales en dignidad», pero no están encumbradas por la riqueza. El Príncipe es un policía, y París parece serlo también. No tengo del todo claro cómo encajaba Fray Lorenzo en este planteamiento: aquí aparece como un profesor simpático, con tweed, más que como un sacerdote… pero en fin.

Este planteamiento funciona bastante bien: da sentido a la enemistad enquistada entre las familias e indica con facilidad lo difícil que es para los amantes separarse de las intrigas y la violencia que les rodean. Es cierto que se va difuminando un poco a medida que el ritmo de la acción se intensifica en la segunda parte, pero, en realidad, eso pasaría con cualquier marco contextual impuesto desde fuera llegado este punto del drama.

También me gusta el nuevo enfoque que se da al papel, algo poco desarrollado, de Teobaldo. Como señala Tobias en la nota del programa, a menudo se interpreta como el villano de manual, pero eso no explica por qué las mujeres lo lloran de forma tan desmesurada. Presentarlo como el hombre fuerte de la casa Capuleto, con una relación ambigua tanto con Julieta como con el Ama y con Lady Capuleto, abre caminos realmente interesantes para el trabajo interpretativo. Harry Anton aprovecha mucho el personaje y aquí se percibe como un rival equilibrado y a la altura de Mercucio en su enfrentamiento, no como un matón bidimensional.

Por supuesto, cualquier nueva producción puede llevar la obra en múltiples direcciones, pero me parece que, para que funcione, debe conservar al menos dos constantes. La primera: los «amantes desventurados» han de quedar al margen del resto de la obra, encerrados en un capullo de arrobamiento mutuo, ridículamente ajenos al mundo que les rodea, y convencidos de que nadie puede comprender su punto de vista. En el corazón de la obra —y lo que le da su vigencia perenne— está esa milagrosa encarnación del amor primerizo, frontalmente enfrentado al mundo, en la que dos personajes que comienzan como conformistas conciliadores desarrollan su personalidad a toda velocidad gracias a su fascinación mutua. Así los interpretan aquí Clive Keene y Simone Murphy. Aunque algunos de los parlamentos de gran retórica que les tocan (por ejemplo, «¡Galopad, veloces, corceles de patas de fuego!») agradecerían un trabajo textual más afinado y un tempo más pausado, no cabía duda ni de la intensidad de la química entre ambos ni de la credibilidad de su romance. En el cartel miran hacia fuera como si estuvieran en una producción de West Side Story, una imagen de alienación rabiosa; y eso encaja a la perfección con una propuesta tan explícitamente confrontativa.

El segundo elemento de cualquier producción lograda debería ser la transición entre el tono mayoritariamente cómico de la primera parte, presidida por el ingenioso intercambio de pullas de Mercucio y la desvergonzada procacidad del Ama, y el tono más sobrio y sombrío de la segunda, donde las fuerzas de la autoridad, en forma de Fray Lorenzo y Lady Capuleto, intentan reafirmarse antes del desenlace final.

Así que mucho depende del trabajo de estos cuatro intérpretes en particular, y en esta producción todos aportaron cosas excelentes. Como Mercucio, Dan Dawes fue realmente divertido, un magnífico dinamizador del escenario que generaba energía a su alrededor. También hizo un gran trabajo con el extraordinario parlamento de «la Reina Mab»: no solo captó la fantasía etérea del lenguaje, sino también el dolor feo de la sección final, que anticipa su propia muerte y añade a la interpretación una rara cualidad de autoconciencia.

Roseanna Morris ofreció un Ama mucho más firme y menos torpona de lo habitual, lo cual es muy de agradecer. Hizo del personaje una especie de cruce entre Julie Walters y Jennifer Saunders: de ideas claras, chispeante en el ingenio, pero de corazón tierno y perfectamente dispuesta a plantarle cara a Julieta, a Lady Capuleto, a Romeo y a Fray Lorenzo. De nuevo, esto encajaba con el contexto y nos hizo escuchar con mucha más atención lo que el Ama realmente dice en la obra.

Rochelle Perry se benefició de ser la principal —en realidad, prácticamente la única— voz parental de la obra. Como Lady Capuleto mostró una fragilidad quebradiza y una impaciencia punzante con su situación que despertaban simpatía. Por una vez se la interpretó como una mujer de mediana edad relativamente joven, todavía preocupada por mantener las apariencias. Así que cuando se enfrenta a Julieta por el matrimonio con París, la escena resulta cruda y desagradable, un auténtico acoso, y no ese trámite domesticado en el que puede convertirse en montajes menos cuidadosos.

Como Fray Lorenzo y el Príncipe,  James Sanderson consiguió transmitir distintos tipos de autoridad y, al final, fue muy eficaz al reunir los hilos de la acción. Fray Lorenzo puede ser un papel un tanto cargante, pero él encontró muchas oportunidades para el humor y una apreciación contenida de las flaquezas de quienes tiene a su cargo.

Dado el espacio limitado del Brockley Jack, resultó impresionante cómo el director de lucha Matt Gardner había armado rutinas creíbles, variadas y seguras para intérpretes y público (¡yo estaba sentado en la primera fila!). En particular, Mercucio, Romeo y Benvolio (James G Nunn) generaron mucha guasa verosímil y realmente divertida durante la discoteca que sustituyó al baile de máscaras.

El vestuario y la música daban plenamente en el clavo del ambiente de mediados de los 80, al menos tal y como yo los recuerdo; y la escenografía de Marco Turich ofrecía dos plataformas elevadas accesibles por escalera de mano y por peldaños, con una entrada principal en medio. Una de esas plataformas, que servía tanto para la escena del balcón como para el dormitorio de Julieta, estaba demasiado alta, de modo que por momentos costaba ver bien qué estaba pasando.

Pese a algunos flecos por pulir, fue una producción constantemente reflexiva y estimulante, dirigida con gran acierto a quienes se acercan a la obra por primera vez. En ausencia de un repertorio teatral tradicional, es aún más importante que montajes como este emprendan amplias giras para acercar Shakespeare de forma accesible. Solo podemos desearles lo mejor.

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